Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 15/11/2020 hasta el 16/12/2020
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré, ni el 6, 7 y 8 de diciembre.

 

YA HEMOS VUELTO

"Se reabre el telón del Cine Doré. Han sido casi cien días sin cine, exactamente 97 desde el cierre por la pandemia de la covid-19.

Evidentemente, el regreso a las salas será progresivo. En estas primeras semanas lo hacemos a un 50-75% de aforo y con menos sesiones, lo que nos permite mantener la distancia de seguridad entre espectadores, velar también por su seguridad y cumplir con los protocolos de sanidad. Esperamos que poco a poco estos números se vayan ampliando hasta alcanzar la absoluta normalidad".


 

PROGRAMA

 

NOVIEMBRE DE 2020

Fieles a nuestra aventura anual, a pesar de las circunstancias, la colaboración entre Filmoteca Española y el Museo Reina Sofía no decae este 2020 y alcanza su quinta edición. Tras proponer retrospectivas de carácter integral con programas estructurados en las dos sedes, dedicadas en temporadas precedentes a Straub y Huillet, a Dziga Vertov, a Wang Bing y a Chantal Akerman, este año el protagonista es el artista multidisciplinar Derk Jarman (Londres, 1942-1994), figura esencial de la revuelta punk y el cine queer. La voz de Jarman, su arrojo político, erudición histórica y sensibilidad estética emerge en estos tiempos con la pertinencia de una obra en gran parte alumbrada bajo el yugo y la devastación de una pandemia, el sida, que ocupa en ocasiones el centro de su expresión creativa y trayecto existencial. “Derek Jarman. Queer Punk”, una retrospectiva comisariada por James MacKay, reúne todos sus largometrajes y cortometrajes para, en diálogo con sus piezas más experimentales, en formato Super 8, y videoclips musicales, conformar a lo largo de dos meses ese necesario diálogo también entre ambas instituciones, tan necesario para el vitalismo cultural de una ciudad, la nuestra, duramente golpeada por el Covid-19.

Continuamos con el ciclo de “Cine prohibido”, que lleva dos meses trayendo piezas lapidadas por las policías morales y políticas en la historia del cine, así como algunos fabricantes del escándalo capaces de forzar los límites de la sensibilidad social. El aura de malditismo de ciertos filmes  (prácticamente todos, en realidad) ha hecho especialmente compleja su localización y programación, como es el caso de Los demonios, de Ken Russell. Extraordinariamente provocador en su empleo de la iconografía católica y satánica, es el film que vincula el ciclo con la retrospectiva de Derek Jarman, pues supuso el debut del cineasta británico, como director artístico, en los confines de la industria cinematográfica. Lo cierto es que nos quedan en el Doré aún otros dos meses de grandes hallazgos y revisiones en los territorios del cine prohibido que, como sostiene Cristina Álvarez responde a razones generalmente “arbitrarias” aunque se identifican “obsesiones recurrentes”.

Cuando las formas de visionado, a los que la semántica de mercado prefiere referirse como “hábitos de consumo”, están mutando más allá de nuestro control, se hace necesario en estos tiempos y los que están por venir encontrar un cierto equilibrio entre la programación presencial y de naturaleza virtual. Nuestra iniciativa “Flores en la sombra”, que abarca ambos espectros para compartir recuperaciones y restauraciones del cine español en las diversas pantallas, entronca con la nueva edición del Festival Márgenes, que arranca a finales de este mes y se prolongará durante todo diciembre. Márgenes celebra su décimo aniversario ofreciendo una programación-espejo entre el ámbito online y el de la sala cinematográfica, volcando su mirada en los ricos y estimulantes juegos de espejo ideados alrededor de las heterodoxias del cine español, las de ayer y las de hoy.

En la búsqueda de ese equilibrio necesario en toda programación cinematográfica damos cabida este mes a dos jóvenes cineastas, un director europeo y una directora estadounidense, cuyas cortas filmografías no impiden que podamos admirar el talento, la singularidad y la promesa que entrañan ambas hacia un futuro extraordinario. En el ciclo “Pietro Marcello. Un aire de eternidad” proponemos el preestreno de Martin Eden, el magnífico último largometraje del cineasta italiano, una hipnótica adaptación de la novela autobiográfica de Jack London que emplea y reconstruye material de archivo para trazar un recorrido por la muerte de utopías y romanticismos. A su vez, el ciclo dedicado a Miranda July, en el marco del Festival Rizoma, nos trae por primera vez a España sus primeros cortometrajes, realizados a caballo entre dos siglos y dos mundos: el analógico y el digital. La indeleble belleza en el cine de ambos creadores alumbrará nuestras pantallas en tiempos desesperadamente necesitados de nuevas formas de convivencia y resistencia social.

Las formas en las que la pandemia está moldeando esas formas de convivencia afectan como sabemos de forma especial al territorio de la infancia. Con una nueva edición de Mi Primer Festival de Cine recuperamos este mes la Filmoteca Jr., que últimamente ha estado ausente ante la incertidumbre de cómo gestionar el acceso a las salas de los niños de cara al cumplimiento de los protocolos de protección sanitaria. Tres magníficas películas de animación programadas en sendos sábados volverán a ocupar nuestras butacas con la fascinación primigenia de los espectadores más pequeños. Adelantando su horario habitual 60 (sesenta) minutos, debido a las excepcionales medidas adoptadas por la pandemia del Covid, la programación de noviembre nos trae nada menos que 70 (setenta) títulos a las pantallas del Doré en estos treinta días. Que no decaiga.

Filmoteca Española

 

Domingo 15 de noviembre

 

17:00 · Sala 2 · Cine prohibido

Viridiana (Luis Buñuel, 1961). Int.: Silvia Pinal, Francisco Rabal, Fernando Rey, Margarita Lozano, José Calvo, Lola Gaos, Joaquín Roa, María Isbert. España. 35 mm. 90’.

La historia de la producción y la distribución de Viridiana (Luis Buñuel, 1961) es un excelente punto de partida para adentrarse en los entresijos de la censura franquista. Todo comienza por una oferta que la productora Uninci, “esa suerte de frente cinematográfico y cultural contra el franquismo que aglutinó a la disidencia vinculada al Partido Comunista de España” en palabras del académico Imanol Zumalde Arregi, hizo a Luis Buñuel para que volviese a rodar en España.

Producida en colaboración entre la ya mencionada Uninci, Films 59 (la productora de Pere Portabella) y Gustavo Alatriste, Viridiana habría de contar la historia de una joven novicia que visita a su tío antes de enclaustrarse y descubre que este sueña con seducirla, fascinado por el parecido de la joven con su difunta esposa. El proyecto se encontró con problemas ya desde las lecturas preliminares de guion. A la junta censora no le gustó el final que aparecía en el libreto original, lo que permitió a Buñuel introducir otro aún más veladamente sexual pero que los censores encontraron aceptable. El resto de sus objeciones, todas ellas menores, fueron ignoradas por el director aragonés. Con la película terminada, los censores la revisaron de nuevo y dieron su aprobación, con lo que pudo proyectarse en el Festival de Cannes. Ahí saltó el escándalo.

El film logró un enorme éxito, obteniendo la Palma de Oro, pero también fue considerado “blasfemo” por parte del Vaticano (a través de un artículo en “L’Osservatore Romano”). Esta crítica desencadeno el cese inmediato de José Muñoz Fontán, Director General de Cinematografía en ese momento, la dimisión posterior de Arias Salgado, Ministro de Información y Turismo, y la prohibición del estreno de la película en España, así como la destrucción de todas las copias. Tan furibunda fue la respuesta que, en un alarde de creatividad punitiva, se invalidó el permiso de rodaje del film… una vez este ya estaba rodado. Viridiana pudo salvarse gracias a los negativos que permanecían en París, donde se había llevado a cabo la postproducción, y acabó siendo estrenada en España en 1977. Hoy en día es comúnmente considerada una de las obras emblemáticas tanto de la carrera de Buñuel como de toda la historia del cine español.


20:00 · Sala 1 · Cine prohibido

La parada de los monstruos (Freaks, Tod Browning, 1932). Int.: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova, Roscoe Ates. EEUU. 35 mm. VOSE. 64’.

Aunque solemos entender la prohibición como una decisión que se toma principalmente a nivel político, hay mecanismos industriales y sociales que están constantemente ejerciendo un veto sin que seamos conscientes de ello. La parada de los monstruos, el drama sobre un grupo de artistas circenses que Tod Browning, en un alarde de realismo inusual en una producción del Hollywood de los 30, rodó con intérpretes que sufrían toda clase de malformaciones y discapacidades (los llamados “freaks”), tenía una duración original de noventa minutos. La reacción del público durante los pases de prueba fue tan desastrosa (“no se salían de la sala, HUIAN”, según recordaba el director de arte Merrill Pye) que la MGM decidió remontarla, eliminando algunos de los momentos más controvertidos, hasta dejarla en apenas sesenta minutos. Pero no fue suficiente.

Además de prohibirse en países como el Reino Unido y en ciudades de Estados Unidos como Atlanta, La parada de los monstruos fue un fracaso de taquilla que destruyó la carrera de Tod Browning. No debería haber sido ninguna sorpresa para la MGM, que ya durante la producción había ubicado a una parte del equipo artístico de la película en un comedor diferente para que “la gente pudiera comer sin vomitar”. Aparentemente, el problema no era la violencia (que ya se había eliminado mayormente en el nuevo montaje), eran los seres humanos imperfectos que se mostraban en la pantalla. La película de Browning ofrecía un espejo en el que nadie quería mirarse, un espejo en el que no estaba claro quiénes eran esos “monstruos” del muy discutible título español

El tiempo, por suerte, terminó por colocar La parada de los monstruos en su lugar. En 1962, la proyección en el Festival de Venecia marcó el inicio de un proceso de revalorización de la película y su director. Finalmente, en 1994 La parada de los monstruos entró en la lista de películas del National Film Registry, el organismo estadounidense que selecciona los títulos que forman parte fundamental del patrimonio cinematográfico y por tanto deben preservarse a toda costa.

 

Martes 17 de noviembre

 

17:00 · Sala 2 · Derek Jarman. Queer Punk

Caravaggio (Derek Jarman, 1986). Int.: Nigel Terry, Sean Bean, Tilda Swinton, Spencer Leigh. Reino Unido. DCP. VOSE. 93’.

Un viaje por la vida del artista desde su infancia hasta sus triunfos artísticos, cuando establece un taller propio en Roma. Al llegarle la fama y el dinero, empieza a coquetear con el crimen y la homosexualidad.

«Si Caravaggio se hubiera reencarnado en este siglo habría sido como cineasta, Pasolini… La pintura ha degenerado en una práctica ilegible y hermética, realizada por sus adeptos a puerta cerrada. Hay una notable falta de fuerza emotiva en la pintura moderna. ¿A quién podría hacerle llorar hoy en día? Pero puedes emocionarte con El evangelio según San Mateo, y La ricota puede hacerte reír». (Derek Jarman).

Copia restaurada. Segunda proyección el 2 de diciembre en el Museo Reina Sofía.


19:30 · Sala 1 ·
Festival RIZOMA

Cómo sobrevivir en un mundo material (Kajillionaire Miranda July, 2020). Int.: Evan Rachel Wood, Richard Jenkins, Gina Rodriguez, Debra Winger. EEUU. DCP. VOSE. 104’.

Dos estafadores han educado a su hija en el arte de la estafa y el engaño. Cuando están preparando un golpe, los padres invitan a un extraño a unirse al grupo, lo que acaba convirtiendo las vidas de todos ellos en un caos.

«La fascinación de Miranda July por la interpretación juega un rol central en la trama, en la que los propios personajes prueban varios papeles para sí mismos, tratando de sobrevivir a su lugar en la unidad familiar y en el mundo. Pensada para los raros y los marginados que tienen que aguantar a familiares odiosos, Kajillionaire es una aguda observación de ese tipo de relaciones que tiene mucho en común con el trabajo previo de July, una tierna historia de amor entre dos individuos aparentemente incompatibles que encuentran la paz en su unión». (Hannah Woodhead).

Presentación grabada a cargo de la directora, Miranda July, y presencial de la directora de RIZOMA, Gabriela Martí.

 

Miércoles 18 de noviembre

 

17:00 · Sala 2 · Derek Jarman. Queer Punk

War Requiem (Derek Jarman, 1989). Int.: Nathaniel Parker, Tilda Swinton, Sean Bean, Owen Teale. Reino Unido. B-R. VOSE. 92’.

Partiendo de materiales tan dispares como la música de Benjamin Britten, imágenes de archivo y poemas de John Keats y Wilfred Owen, la película construye un relato sobre la vida de varios solados y una enfermera durante la Primera Guerra Mundial.

«Desde el principio del proyecto, a Jarman le preocupaba la relación entre el texto, la música y la imagen […] De alguna forma tenía que asegurarse de que el elemento visual no avasallase al espectador, ya que, dada la naturaleza del medio fílmico, las imágenes tienden a prevalecer sobre otros estímulos sensoriales». (Joseph A. Gomez).

«En mi corazón, War Requiem está dedicada a todos aquellos que, como yo, han sido repudiados por el cristianismo. A todos mis amigos que están muriendo en un clima moral creado por una iglesia sin compasión». (Derek Jarman).

Segunda proyección el 16 de diciembre en el Museo Reina Sofía.


20:00 · Sala 1 ·
Flores en la sombra / Cine prohibido

Rojo y negro (Carlos Arévalo, 1942). Int.: Conchita Montenegro, Ismael Merlo, Rafaela Satorrés, Ana de Siria. España. 35 mm. 80’.

«Una pareja pasea por el Madrid previo a la Guerra Civil. La tensión que se intuye entre ellos estalla cuando del bolso de la joven cae un broche con el símbolo de Falange. Es entonces cuando él le espeta, alterado: “¡Te han engañado! ¿No ves que el fascismo es la muerte de la libertad y la cultura?”. Este diálogo, inaudito en un filme español realizado en plena posguerra, ejemplifica el carácter insólito de Rojo y negro, trágica historia de amor entre una falangista y un comunista y filme propagandístico que, sin embargo, encaja de forma problemática en el ciclo de cine de Cruzada del primer franquismo.
La desaparición de la película de Carlos Arévalo – quién, a partir de entonces, tendría una carrera irregular hasta abandonar definitivamente el cine en 1960 – tras solo tres semanas de exhibición desde su estreno el 25 de mayo de 1942 en el cine Capitol, sigue siendo un misterio que genera más dudas que certezas: ¿qué es lo que motivó su retirada tras haber sido aprobada por censura? ¿a quién molestó tanto como para enterrarla en un almacén durante décadas, hasta su recuperación por parte de Filmoteca Española a mediados de los noventa? Las versiones son variadas y contradictorias y algunas matizan su leyenda de filme maldito, pero todas coinciden en la naturaleza heterodoxa de una obra definida como “el único filme de concepción auténticamente falangista” realizado durante el franquismo. Tal vez fue esta condición de filme ideológico, que exponía las tesis de la Falange más ortodoxa, lo que la convirtió en una obra incómoda para un régimen en plena mutación. O, tal vez, la humanización del protagonista contradecía el discurso oficial que describía al enemigo como una informe “horda roja”. Sea como sea, la exhumación y revalorización de esta obra desmesurada y apasionante es un motivo de celebración por, al menos, dos razones: en primer lugar, por la extraordinaria inventiva visual de Arévalo, presente tanto en vanguardistas secuencias de montaje como en la sofisticada construcción de ciertos espacios en los que se percibe la influencia expresionista; y, en segundo lugar, por una protagonista femenina a contracorriente que la carismática Conchita Montenegro transforma en una heroína tan vulnerable como intimidante». (María Adell). 

 

Jueves 19 de noviembre

 

18:00 · Sala 1 · Festival de Otoño de Teatro / Cine prohibido

Andrei Rublev (Andrey Rublev, Andrei Tarkovsky, 1966). Int.: Anatoliy Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolay Grinko, Nikolay Sergeev. URSS. DCP. VOSI/E. 183’.

A principio de los años 60, pocos directores soviéticos prometían tanto como el joven Andrei Tarkovsky. Tras sorprender a todo el mundo con La infancia de Iván (1962), que ganó el León de Oro en Venecia, la productora Mosfilm aceptó su propuesta de trabajar juntos en una película basada en la vida de Andrei Rublev, un célebre pintor ruso del siglo XV. Tras dos años de investigación, el guion fue aprobado. El rodaje comenzó a finales de 1964 y la película, con un metraje de tres horas y veinticinco minutos, se estrenó en Moscú en 1966. Ese sería el único pase de esa versión, conocida como La pasión según Andrei.

Las autoridades soviéticas, molestas por el contenido religioso así como por el realismo en la reconstrucción de la Rusia medieval y el retrato que la película hacía de un artista luchando por crear en un régimen opresivo, prohibieron la exhibición del film tanto en la URSS como en festivales extranjeros, alegando que “lo erróneo de la película a nivel ideológico es innegable”. Para evitar la desaparición total de su obra, Tarkovsky remontó la película, reduciendo el metraje hasta las tres horas y rebajando la violencia. Esta versión, con el nombre de Andrei Rublev, consiguió finalmente estrenarse en 1971 gracias al apoyo de otros artistas como Grigori Kozintsev y Dmitri Shostakovich. Con el tiempo, Tarkovsky acabó por asegurar que prefería la versión remontada a la original, declarando que todos los cambios los había llevado a cabo él mismo. No fue así, sin embargo, con la versión que se pudo ver en la televisión rusa en 1973, que había sido recortada hasta los cien minutos hasta convertirse en poco más que un esqueleto de su versión original, un esqueleto que Tarkovsky se negó a autorizar.

Antes de la proyección se podrá ver un fragmento de 20 minutos de Andrei Rublev, una paniconografía, montaje teatral de Societat Doctor Alonso y dirigido por Tomás Aragay. La obra completa tendrá su estreno en Madrid en el Teatro Pradillo, del viernes 20 al domingo 22 de noviembre, a las 21 horas, en el marco del Festival de Otoño.

Segunda proyección en diciembre.


19:00 · Sala 2 ·
RIZOMA

La reina de los lagartos (Juan González y Nando Martínez, 2019). Int.: Javier Botet, Bruna Cusí, Miki Esparbé, Ivan Labanda. España. DCP. 63’.

Berta y Javi han tenido un bonito amor de verano. Pero ha llegado el día en el que una nave espacial viene a la Tierra a buscar a Javi y la pareja tiene que despedirse. Pero ¿qué pasaría si no viniese?

«Las películas de Burnin’ Percebes se lo juegan todo a la carta del extrañamiento y la vergüenza ajena, encontrando en ese difícil (y a veces irregular) equilibrio una conexión evidente con toda una generación que se ha criado con un posthumor que bebe de lo absurdo de la vida cotidiana». (Héctor Gómez).


Viernes 20 de noviembre


16:30 · Sala 1 ·
Cine prohibido: Sesión París, 1945

- Cero en conducta (Zéro de conduite: Jeunes diables au collège, Jean Vigo, 1933). Int.: Jean Dasté, Robert le Flon, Louis Lefebvre, Delphin. Francia. DCP. VOSE. 44’. Copia restaurada.

Pocos directores consiguieron tanto con tan poco como Jean Vigo. Con solo tres cortometrajes y un largometraje, Vigo dejó una huella indeleble en la historia del cine. Su capacidad para entrelazar realidad y sueño y su rebeldía creativa representan en buena medida el potencial del arte cinematográfico. Como en el caso de muchos otros creadores pioneros que se pueden encontrar en este libro, el precio de trabajar fuera de los rígidos parámetros que marca la sociedad ha sido, en ciertas épocas, el de la prohibición. Tras una proyección privada en 1933 que terminó con abucheos, Cero en conducta acabó por ser vetada por las autoridades francesas. ¿Qué había en esta historia sobre un grupo de alumnos de un internado que fuera tan peligroso? Por un lado, la idea de que unos escolares se atrevieran a rebelarse contra la autoridad. Por otro, la fuerza poética de las imágenes diseñadas por Vigo, que daban a una simple rebelión en las aulas el vuelo de una revolución a gran escala. Debilitado por la tuberculosis que acabaría con su vida al año siguiente (con solo 29 años), Vigo fue incapaz de pelear y su película desapareció durante casi quince años.

En 1945, el distribuidor Henri Beauvais solicitó la autorización para la explotación de Cero en conducta. La respuesta fue positiva y la película, libre de su prohibición, comenzó su verdadera trayectoria comercial en sesiones junto a otro film silenciado, Sierra de Teruel (André Malraux, 1939). A partir de ese momento, la película de Vigo se convirtió en uno de los títulos fundamentales del cine francés, apareciendo en innumerables compilaciones de grandes obras maestras e influyendo a múltiples directores y obras, incluyendo Los 400 golpes (1959) de François Truffaut.

- Sierra de Teruel (L'Espoir, André Malraux, 1939). Int.: Andrés Mejuto, Nicolás Rodríguez, José Sempere, Julio Peña. España, Francia. DCP. 88’.

El novelista André Malraux pasó el primer año de la Guerra Civil Española liderando la Escuadrilla España, una unidad de voluntarios internacionales antifascistas que brindó apoyo al ejercito de la II República hasta su disolución a principios de 1937, cuando había ya perdido a la gran mayoría de sus integrantes. Con esta experiencia a sus espaldas, Malraux aceptó la oferta del gobierno republicano de alejarse del frente y dedicarse a labores de propaganda. Tras un viaje a Estados Unidos, donde simpatizantes antifranquistas le ofrecieron 1800 salas de exhibición, Malraux publica a finales de 1937 L’Espoir, una novela de tintes autobiográficos que serviría de base para una película con la que tratar de captar nuevos aliados para la causa republicana.

Con el pleno apoyo del aparato propagandístico de la II República, Malraux se lanzó a rodar una ambiciosa historia sobre un pueblo de Teruel que se une para luchar junto al ejército republicano destruyendo un puente cercano. A pesar de contar con un presupuesto holgado, Malraux no consiguió terminar la película como estaba planificada: la guerra se le echó encima. A principios de 1939, cuando las tropas franquistas tomaron Barcelona, Malraux y su equipo tuvieron que cruzar a Francia, donde consiguieron rodar lo mínimo imprescindible para dotar de continuidad al film y poder estrenarlo. Sin embargo, Sierra de Teruel solo pudo verse un puñado de veces antes de que el gobierno de Édouard Daladier la prohibiese. Por si eso no fuera suficiente, en 1940, cuando los nazis invadieron París, ordenaron la destrucción de todas las copias de la película. Sin apoyos aparentes y en un escenario tan catastrófico, la historia del film de Malraux bien podría haber terminado allí, convirtiéndose en una más de las muchas víctimas de estos años enloquecidos.

Y, pese a todo, Sierra de Teruel sobrevivió. Camuflada dentro de un embalaje etiquetado para evitar llamar la atención, la película apareció al final de la Segunda Guerra Mundial y fue proyectada de nuevo en París en 1945 por el distribuidor Henri Beauvais junto a Cero en conducta, un film de Jean Vigo que también había sido prohibido en Francia. Treinta y dos años después, la película de André Malraux regresó a España, donde finalmente se convirtió en una pieza clave de la historia de nuestra cinematografía y de la memoria, dolorosa pero imprescindible, de una de las etapas más convulsas de nuestro país.


17:30 · Sala 2 · Festival de Sevilla: Sesión Dore O

- Jüm Jüm (Dore O y Werner Nenkes, 1967). RFA. DCP. 10’.

Una niña se balancea frente a una pantalla.

- Alaska (Dore O, 1969). RFA. DCP. 18’.

Descrita por la directora como “una película sobre la emigración”, se trata de una pieza sin diálogos y marcada por una banda sonora monótona cargada de ansiedad.

«Alaska es una película que se resiste a ser interpretada, pidiendo en su lugar que la experimentemos». (Klaus Badeker).

- Lawale (Dore O, 1969). RFA. DCP. 30’.

Retratos de la familia de la artista.

«Sus imágenes austeras dicen más sobre el proceso, completamente individual, de emancipación de una joven que muchas novelas completas». (Peter Steinhart).

- Blonde Barbarei (Dore O, 1972). RFA. DCP. 24’.

Una figura femenina deambula por el interior de un almacén, pasando a través de distintos decorados como un abanico y una jaula de pájaros, acompañada por un canto medieval.

- Kaskara (Dore O, 1974). RFA. DCP. 21’.

Movimientos de cámara entre fachadas y habitaciones y otros escenarios, en diferentes ejes y varios niveles de exposición.

- Frozen Flashes (Dore O, 1976). RFA. DCP. 30’.

Una serie de fotografías fijas en varios estados de exposición fotográfica.


21:15 · Sala 1 · RIZOMA

Tú, yo y todos los demás (Me and You and Everyone We Know, Miranda July, 2005). Int.: John Hawkes, Miranda July, Miles Thompson, Brandon Ratcliff. EEUU, Reino Unido. 35 mm. VOSE. 91’. 

El dependiente de una zapatería trata de entablar una relación con una artista un poco excéntrica. Mientras tanto, su hija de siete años mantiene un romance un tanto peligroso por internet y el hijo de catorce se somete a todo tipo de pruebas diseñadas por sus vecinas.

«La película aún se siente fresca quince años después, lo que no es poca hazaña teniendo en cuenta que muestra un mundo en el que la gente interactúa a través de líneas de teléfono fijas y mensajería instantánea en aparatosos ordenadores de sobremesa (y uno de los personajes simplemente escribe mensajes en papel y los pega a su ventana). En parte, lo consigue porque July está hablando de verdades humanas universales con una voz que es completamente suya, llena de la singular imaginación y humor que ha ido desarrollando durante años de escritura, interpretación, arte plástico y diseño de plataformas para la participación y la creación colectiva». (Sara Magenheimer).

 

Sábado 21 de noviembre

 

16:30 · Sala 1 · Mi Primer Festival de Cine

Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary (Rémi Chayé, 2020). Francia, Dinamarca. DCP. VOSE. 85’

La historia de las múltiples aventuras que llevaron a la joven Martha Jane Cannary a convertirse en la legendaria Calamity Jane.

«La gran fuerza y destreza de esta película es su doble trayectoria, que recuerda a la de las películas de superhéroes (camuflarse para afirmarse mejor): la deconstrucción de los estereotipos de género a través del travestismo genera el nacimiento de un personaje mitológico. Y Calamity emerge con elegancia». (Benoît Basirico).

Presentación a cargo de Doña Claqueta, maestra de ceremonias de Mi Primer Festival de Cine.


17:30 · Sala 2 ·
RIZOMA: Miranda July

- Atlanta (Miranda July, 1996). Int.: Miranda July. EEUU. DCP. VOSE. 11’.

«Para esta, mi primera película, me inspiré en el verano en sí. Era 1996 y en Atlanta estaban teniendo lugar los Juegos Olímpicos. Yo vivía en Portland, Oregon, pero, al igual que en Atlanta, en mi ciudad hacía mucho calor. En especial en mi nuevo apartamento, que apenas tenía ventanas. Me pasé todos los días con traje de baño, y no me puedo imaginar con otro tipo de ropa. Así que la película gira en torno a una entrevista a una nadadora olímpica de doce años y su posesiva madre en bata. Yo interpreté ambos personajes, pulsando el botón de grabar en una cámara de vídeo y corriendo frente a la cámara improvisando las respuestas a un entrevistador imaginario. Ubiqué algunas escenas en la piscina de la Y.M.C.A., planos de la joven nadadora preparándose antes de entrar en el agua (en realidad yo no sabía nadar). El rodaje duró unos tres días». (Miranda July)

- The Amateurist (Miranda July, 1998). Int.: Miranda July. EEUU. DCP. VOSE. 14’.

Una mujer observa a otra mujer a través de un circuito cerrado de seguridad durante varios años, generando una relación con ella a pesar de no poder comunicarse.

- Nest of Tens (Miranda July, 2000). Int.: Polly Bilchuk, Peter Borden, Eva Rioselo, Miranda July. EEUU. DCP. VOSE. 27’.

Cuatro historias sobre diferentes métodos de control en las que varios niños y un adulto usan objetos mundanos como paneles de mando.

- Getting Stronger Every Day (Miranda July, 2001). Int.: Richard Greiling, Carrie Brownstein, Mia Cianciulli. EEUU. DCP. VOSE. 7’.

Un hombre recuerda la trama de una película que una vez vio, la historia de un niño secuestrado por un pedófilo.

«Esta va de estar perdido y ser encontrado, en momentos concretos y a lo largo de la vida. El mundo espiritual se manifiesta en efectos rudimentarios y películas de televisión recordadas». (Miranda July)

- Haysha Royko (Miranda July, 2003). EEUU. DCP. VOSE. 4’.

Un corto de animación sobre personas que comparten espacio y energía en el aeropuerto de Portland.


21:00 · Sala 1 · Derek Jarman. Queer Punk

Eduardo II (Edward II, Derek Jarman, 1991). Int.: Steven Waddington, Andrew Tiernan, Tilda Swinton, Nigel Terry. Reino Unido, Japón. B-R. VOSE. 87’.

El rey Eduardo II se enamora de Gaveston, un joven aristócrata. Mientras, la reina Isabel conspira junto al peligroso Mortimer para poder deshacerse de Gaveston, derrocar a Eduardo II y hacerse con el poder.

«Eduardo II se rodó durante el momento de mayor implicación por parte de Jarman con Outrage, el grupo activista gay, en un momento en que toda su ira estaba dirigida a la falta de apoyo gubernamental a la investigación o apoyo a las víctimas del sida, así como al desmoronamiento de su “romance familiar” tras la muerte de su padre y, por supuesto, su propia mortalidad». (Michael O’Pray).

«A. L. Rowse dijo que Shakespeare era un conservador y Marlowe mucho más radical. La deliberada y errónea interpretación por parte de Shakespeare del siglo XV para favorecer las exigencias dinásticas de los Tudor ha arruinado nuestro pasado… (Derek Jarman).

Segunda proyección el 26 de noviembre en el Museo Reina Sofía.


Domingo 22 de noviembre

 

17:00 · Sala 2 · La muerte del cine

Land of Silence and Darkness (Land des Schweigens und der Dunkelheit, Werner Herzog, 1971). RFA. 16 mm. VOSE. 85’.

El retrato documental de la vida de Fini Straubinger, una mujer que se quedó sorda y ciega en la adolescencia, y sus esfuerzos por mejorar la vida de otras personas en condiciones similares.

«Como norma, los documentales de Werner Herzog son más extraterrestres que sus obras de ficción. Este estudio de 1971 de la población sordomuda alemana presenta a sus personajes como una clase privilegiada con acceso a una realidad alternativa. Herzog evita el habitual tono condescendiente de trabajador social en favor del asombro místico. Una película notable, insensata, al mismo tiempo fría y emotiva». (Dave Kehr).


20:00 · Sala 1 ·
RIZOMA: Miranda July

El futuro (The Future, Miranda July, 2011). Int.: Hamish Linklater, Miranda July, David Warshofsky, Isabella Acres. EEUU, Reino Unido, Alemania, Francia. DCP. VOSE. 91'. 

La vida de una pareja cambia cuando eligen adoptar un gato. Esta decisión transforma cómo perciben el tiempo y el espacio, y hace que la pareja tenga que poner a prueba tanto la confianza como el amor que tiene el uno por el otro.

«July crea un universo cinematográfico fluido, suficientemente flexible como para abrazar los intereses favoritos de la artista, tejido a partir de artes performativas y cultura de internet. Y construye imágenes perfectas de lo supernatural en lo mundano. Una niña pequeña que se mete en su propio hoyo. La Luna hablando. En El futuro, todo es posible». (Lisa Schwarzbaum).

 

Martes 24 de noviembre

 

17:00 · Sala 2 · Cine prohibido

Los vampiros (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916). Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. DCP. MRF/E.

• Capítulo 1: La cabeza cortada
• Capítulo 2: El anillo que mata
• Capítulo 3: El libro de códigos rojo
• Capítulo 4: El espectro
• Capítulo 5: La huida del muerto

Duración total de la sesión: 142’. Los capítulos 6, 7 y 8 podrán verse en la sesión del día 25. Los capítulos 9 y 10 podrán verse en la sesión del día 26.

A lo largo de la historia, tres han sido las razones principales que han llevado a la prohibición de una película: políticas, religiosas y sexuales. Estas últimas, en ocasiones definidas de forma perversa como “morales”, son las que han conducido a algunos de los vetos más arbitrarios y ridículos. Es el caso de Los vampiros, la obra magna del francés Louis Feuillade, un serial de diez episodios en los que se narra las aventuras de un periodista que está investigando a un misterioso grupo criminal conocido como “Los vampiros”. A pesar de su espíritu popular y desenfadado (o precisamente por ello), la policía francesa consideró que el serial exaltaba la delincuencia y una “dudosa” moralidad y decretó la prohibición de varios episodios en toda Francia. Fue Musidora, una de las actrices principales, quien tomó cartas en el asunto, llamando al jefe de policía y convenciéndole de que levantase la prohibición. A partir de ese momento (aunque tras sufrir algunos cortes para evitar alusiones sexuales y fetichistas), Los vampiros pudo verse en salas, donde se convirtió en un éxito masivo a pesar de las malas críticas. Olvidada durante décadas, la obra de Feuillade fue reivindicada en los 40 y a día de hoy es, además de un icono pop, todo un emblema del cine más imaginativo y lúdico.

Segunda proyección en diciembre.


20:00 · Sala 1 · Derek Jarman. Queer Punk

Wittgenstein (Derek Jarman, 1993). Int.: Karl Johnson, Michael Gough, Tilda Swinton, John Quentin. Reino Unido, Japón. DCP. VOSE. 72’.

Dramatización de la vida y pensamiento del filósofo vienés Ludwig Wittgenstein. A través de episodios que van desde su niñez como niño prodigio hasta su docencia en Cambridge, se hace especial énfasis en sus ideas, su temperamento y su homosexualidad.

«Wittgenstein provoca una crisis en Jarman, una crisis alrededor de las ideas de profundidad y superficialidad. Los vínculos poéticos y la lógica asociacionista son misteriosos, profundos, difíciles de rastrear y solo en parte legibles». (Steven Dillon).

«La filosofía es una enfermedad de la mente. No debo infectar a demasiados hombres jóvenes. Cuán singular e irremplazable es Johnny. Y, aun así, qué poco me doy cuenta de esto cuando estoy con él. Eso ha sido siempre un problema. Pero vivir en un mundo en el que un amor así es ilegal y trata de hacerlo de forma abierta y honesta es una completa contradicción» (Derek Jarman).

Segunda proyección el 23 de diciembre en el Museo Reina Sofía.

 

Miércoles 25 de noviembre

 

17:00 · Sala 2 · Cine prohibido

Los vampiros (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916). Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. DCP. MRF/E.

• Capítulo 6: Ojos hipnóticos
• Capítulo 7: Satanás
• Capítulo 8: El maestro del trueno

Duración total de la sesión: 152’. Los capítulos 9 y 10 podrán verse en la sesión del día 26. Segunda proyección en diciembre.


20:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

El último sábado (Pere Balañá, 1965). Int.: Julián Mateos, Eleonora Rossi Drago, Antonio Ferrandis, María Luisa Ponte. España. DCP. 81’.

El deseo del joven José Luis de cambiar su vieja moto por una máquina más nueva y potente acaba planteándole más problemas de los que en un principio esperaba. El único largometraje de Pere Balañá, recientemente restaurado por Filmoteca de Catalunya.

«Sin duda estamos ante un cine catalán que recoge fiel y honestamente determinados ángulos que definen una sociedad en evolución. Conecta con esa cotidianidad nacional que centra a un inmigrante castellano sumergido en la diversidad idiomática de la Cataluña de los años sesenta, y su natural acercamiento a un dinamismo geográfico que le permitirá el acomodo deseado. […] Ahí se sitúa el valor y la decencia de la obra que, sin grandes fastos, descubre la honradez y profundidad de una película realizada con las limitaciones presupuestarias de una producción independiente y el autocontrol exigido para sortear los efectos de la amenazante censura nacional». (José Antonio Martínez-Bretón).

 

Jueves 26 de noviembre

 

16:30 · Sala 1 · El siglo Mariné

María Fernanda, “La Jerezana” (Enrique Herreros, 1946). Int.: Nati Mistral, José Prada, Elena Caro, José Jaspe. España. BDG. 99’.

Una mañana, el cadáver de la joven cantante María Fernanda aparece sin apenas pistas de lo ocurrido a su alrededor. Desconcertados, la policía cierra el caso rápidamente, pero un comisario sigue investigando. Este sorprendente policiaco fue restaurado por Juan Mariné.

«Manifiesta una osadía formal no muy frecuente en el cine español de los años cuarenta. Junto a los coqueteos con algunas fórmulas de vanguardia, Enrique Herreros hace “escritura” con la cámara, cediéndole un considerable protagonismo». (Pablo Pérez Rubio).


17:00 · Sala 2 ·
Cine prohibido

Los vampiros (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916). Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. DCP. MRF/E:

• Capítulo 9: El envenenador.
• Capítulo 10: La boda terrible.

Duración total de la sesión: 108’.

Segunda proyección en diciembre.

 

20:30 · Sala 1 · Festival Márgenes

Todos vosotros sois capitanes (Todos vós sodes capitáns, Oliver Laxe, 2010). Int.: Shakib Ben Omar, Nabil Dourgal, Mohamed Bablouh, Said Targhzaou. España. 35 mm. VOSE. 78’.

Mezcla de documental y ficción que retrata el Magreb al tiempo que narra la historia de Oliver, un profesor que propone a los niños de un centro social de Tánger rodar una película.

«Una extraña serenidad de la mirada, como un saber antiguo, es el poso de una película que es un gesto liberador. Para Oliver, pero también para quien la contempla. El fruto del gesto egoísta violento de la creación es, por tanto, una generosa invitación a un viaje». (Gonzalo de Pedro)

Antes de la proyección tendrá lugar la ceremonia de entrega de premios del Festival Márgenes. Duración total aproximada de la sesión: 110’.

 

Viernes 27 de noviembre

 

16:30 · Sala 1 · Festival Márgenes

Arrebato (Iván Zulueta, 1979). Int.: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Will More, Marta Fernández Muro. España. DCP. 105’.

A un joven cineasta en plena crisis profesional le llega un paquete de un antiguo amigo. En su interior se encuentran las pistas para resolver el misterio de su desaparición.

«Una obra maestra, inquietante como pocas y de inagotable poder de sugerencia. Que bien puede interpretarse como una apología de la autodestrucción, justificada por el inevitable fracaso de las ilusiones juveniles, y que, en última instancia, aboga, de forma manifiesta pero sin exhibicionismos, por el derecho a la diferencia estética, mientras reconoce, desilusionada pero no sin humor, la utopía que significa la automarginación». (Carlos Aguilar)

Proyección en espejo con Color perro que huye (Andrés Duque, 2011), próximamente disponible en la plataforma online del Festival Márgenes.

 

19:15 · Sala 2 · Sala:B

- Yo amo la danza (Ignacio F. Iquino, 1984)
. Int.: Katy Bravo, Lupez Zamora, Lydia Bosch, Ernesto Castelar. España. 35 mm. 92’.

Margi trabaja en un taller, pero su pasión es la danza. Ahora, sus esperanzas están puestas en debutar en un gran espectáculo.

«La última película dirigida, con 83 años, por el incombustible Ignacio F. Iquino, después de cincuenta años abarcando cada género y subgénero. Habiendo superado ya la época del destape, Iquino y su mujer, Juliana San José de la Fuente, imprimieron al guion un curioso trasfondo feminista. Yo amo la danza es otra producción típica de los 80, cuando la moda, el walkman, las discotecas y las hamburgueserías podían hacer creer a cualquiera que vivía en California». (Álex Mendíbil).

- Pulsaciones (Marice Tobias, 1985). Int.: Daniel Greene, Alicia Moro, Lee Taylor Allen, Carole James. España, EEUU. 35 mm. 92’.

El gimnasio de Roger no está pasando por su mejor momento, las cuentas fallan y la competencia con el gimnasio de Marlene es muy dura. Solo la aparición de la instructora Annie puede salvar a Roger del desastre.

«Definida como un cruce entre Flashdance y Rocky, esta comedia dirigida por Marice Tobias es un exceso de músculos, mallas, aceite, música disco y chistes malos, y empieza a ser reivindicada como título de culto para los amantes del trash, el cine gay involuntario y la moda disco-hortera ochentera». (Álex Mendíbil).

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de la sesión.

 

20:30 · Sala 1 · Cine prohibido

Escoria (Scum, Alan Clarke, 1979). Int.: Ray Winstone, Mick Ford, Julian Firth, John Blundell. Reino Unido. B-R. VOSE. 98’.

Una de las diferencias más interesantes entre la ficción diseñada para televisión y la pensada para su exhibición cinematográfica se encuentra en los límites que se pueden cruzar en uno y otro medio. Ir al cine es una decisión consciente y probablemente informada, mientras que encender la televisión es algo mecánico, casi como abrir el frigorífico o poner la lavadora. Al menos esa parece haber sido la lógica detrás de la prohibición de Scum, la película que Alan Clarke rodó para la BBC sobre los “Borstal”, centros de detención para menores de edad que se mantuvieron en activo en Reino Unido hasta 1982. A partir de un guion de Roy Minton, Clarke construyó un film que buscaba retratar la violencia, el racismo y el acoso al que se enfrentaban a diario los reclusos de estos centros. El contenido fue aprobado por la BBC durante el rodaje, pero una vez completada la película la cadena se negó a emitirla, considerando que la línea entre ficción y documental resultaba difusa.

Para evitar la desaparición de su trabajo, Clarke y Minton sacaron adelante una nueva versión, más cruda y violenta, que llegó a las salas de cine británicas en 1979 y a España en 1980 con el nombre de Escoria. Al contrario de lo ocurrido con la versión de la BBC, Escoria no solo viajó sin problemas por la pantalla grande sino que además lo hizo con un notable apoyo crítico y de público. Curiosamente, cuando Channel 4 emitió esa versión en su cadena de televisión, se encontró con una demanda por parte de Mary Whitehouse, una profesora de escuela que se había convertido en una figura nacional al convertirse en defensora de los valores tradicionales y atacar la permisividad de televisión. En un principio, Whitehouse ganó el juicio, aunque posteriormente se revocó esta decisión. La versión para televisión pudo verse finalmente en la BBC en 1991.
 

 

Sábado 28 de noviembre

 

16:30 · Sala 1 · Mi Primer Festival de Cine

Ágata, mi vecina detective (Nabospionen, Karla von Bengston, 2017). Dinamarca. B-R. Versión española. 77’.

Agatha Christine, de diez años, es una apasionada de los misterios, tanto que ha creado una agencia de detectives privados en el sótano de la casa donde se acaba de mudar con su familia. Su primer rompecabezas la llevará a un asunto mucho más complicado de lo que esperaba.

«A través de su mezcla de misterio clásico y ambientación moderna, la película presenta un nuevo relato que satisfará a los fans de clásicos como Harriet la espía o Los chicos Hardy al tiempo que ofrece mucho para tener entretenidos a los más jóvenes. Gracias a su combinación de acción, aventura y lecciones vitales, Nex Door Spy debería ser la siguiente película en la lista de cualquier familia». (Lauren Ennis).

Presentación a cargo de Doña Claqueta, maestra de ceremonias de Mi Primer Festival de Cine.


17:30 · Sala 2 ·
Festival Márgenes

Ópera prima (Fernando Trueba, 1980). Int.: Óscar Ladoire, Paula Molina, Antonio Resines, Kiti Mánver, Marisa Paredes, El Gran Wyoming. España. DCP. 94’.

La historia de la, en apariencia, imposible relación entre Violeta, una estudiante de violín vegetariana, y Matías, un periodista separado amante de la carne.

«Un día, Fernando Colomo me comentó que ya era hora de que hiciera mi ópera prima, y yo le dije que cuando la hiciera sería la historia de un personaje que se lía con su prima, que vive en Ópera. Y así ha sido. Creo que una broma es un punto de partida tan válido como otro cualquiera, y mucho más si se trata de una comedia». (Fernando Trueba).

Proyección en espejo con Las altas presiones (Ángel Santos, 2014), próximamente disponible en la plataforma online del Festival Márgenes.


21:00 · Sala 1 ·
Cine prohibido

Dangerous Encounters of the First Kind (Di yi lei xing wei xian, Tsui Hark, 1980). Int.: Lo Lieh, Lin Chen-chi, Albert Au, Lung Tin Sang. Hong Kong. DCP. VOSE. 95’. Copia proporcionada por el Hong Kong Film Archive, Leisure and Cultural Services Department.

Uno de los apelativos con los que se conoce popularmente al cineasta hongkonés Tsui Hark es el de “Steven Spielberg de Asia”. Sin embargo, sus inicios están muy lejos de lo que esa etiqueta podría hacer pensar. Como uno de los nombres principales de la Nueva Ola Hongkonesa (en la que también destacaron cineastas como Ann Hui, John Woo o Wong Kar-Wai), sus primeros films ofrecen una mirada profundamente desencantada a la sociedad que le rodeaba, la de Hong Kong a principios de los años 80. El caso más paradigmático es el de la brutal Dangerous Encounters of the First Kind, la historia de un grupo de jóvenes que desatan una oleada de crímenes llevados por una mezcla de desesperación, hastío y pura sociopatía.

Marcada por un retrato desmitificador de Hong Kong y unas cotas de violencia poco frecuentes, la película llamó la atención de los censores por mostrar conexiones evidentes con las revueltas de 1967, en las que simpatizantes comunistas se enfrentaron a las autoridades hongkonesas en una escalada de violencia que terminó con más de 50 muertos y 5000 detenidos. Preocupadas por que el film de Hark pudiera favorecer un rebrote de los conflictos en un entorno ya de por sí socialmente inestable, así como molestas por los apuntes antiamericanos de la historia, el Gobierno de Hong Kong prohibió la película. Tratando de salvar su trabajo, el cineasta eliminó varias escenas y rodó otras nuevas para conseguir un montaje que pudiera estrenarse, veinte minutos más corto que el original de 116 minutos. Esta segunda versión, bastante diferente en lo argumental pero con todo igual de nihilista, sí consiguió llegar a las salas. A principios de los 2010, la versión original de Dangerous Encounters of the First Kind pudo finalmente exhibirse en Hong Kong.

 

Domingo 29 de noviembre

 

17:00 · Sala 2 · Festival Márgenes

El asesino de Pedralbes (Gonzalo Herralde, 1978). España. DCP. 86’.

Documental sobre el asesino José Luis Cerveto, que en 1974 dio muerte a un matrimonio para el que trabajaba como chófer, un crimen cuyos motivos no quedaron claros en el juicio.

«La laberíntica mente de Cerveto es tan compleja como la propia realidad, y del mismo modo en que ni psiquiatras ni juristas pueden explicar aquella, tampoco la mirada virgen de la cámara será capaz nunca de penetrar totalmente en esta sin la ayuda de ningún tipo de reconstrucción. Una reflexión sobre los mecanismos del thriller, pues, que es también una reflexión sobre la mirada cinematográfica y su relación con la realidad». (Carlos Losilla).

Proyección en espejo con El jurado (Viriginia García de Pino, 2012), próximamente disponible en la plataforma online del Festival Márgenes.


20:00 · Sala 1 ·
Cine prohibido

Crash (David Cronenberg, 1996). Int.: James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger. Canadá, Reino Unido. DCP. VOSE. 100’. Copia restaurada.

En 1995, durante la celebración del Festival de Cannes, el productor británico Jeremy Thomas y el canadiense Robert Lantos anunciaron que habían llegado a un acuerdo para rodar una adaptación de Crash, la polémica novela de J. G. Ballard sobre un grupo de personas que se excitan sexualmente cuando forman parte de un accidente automovilístico. El director habría de ser David Cronenberg, el firmante de películas como Videodrome (1983) o La mosca (1986), con las que ya había explorado la relación entre la carne y la tecnología.

Cuando Ballard pudo leer el guion, escrito por el propio Cronenberg, pensó que “aquello era mucho más terrorífico que mi novela. Parecía despegar donde aquella acababa y se mostraba mucho más sincero. Crash es un informe desde el ojo del huracán, y Cronenberg ha encontrado un espacio de pequeña calma desde el que hacer este brillante y asombroso film. Todo él es como un accidente a cámara lenta, y no por su violencia y sexualidad, sino por lo que dice sobre violencia y sexualidad”. A pesar de que su agente le avisó de que la película podía traerle problemas, Cronenberg siguió adelante, rodando en Toronto sin mayor dificultad. Cuando el proyecto estuvo completado, Crash fue invitada a participar en el Festival de Cannes, donde se la recibió con una notable polarización. Mientras muchos críticos alababan la película como una de las más notables de Cronenberg, otros consideraron que era simplemente una sucesión de escenas eróticas. Un periodista británico llegó a escribir que “superaba todos los límites de la depravación”, desatando una campaña en los medios conservadores de Reino Unido a favor de la prohibición de la película, una campaña que resultaría en un curioso sinsentido final que puso sobre la mesa las inconsistencias del sistema censor.

La junta encargada de otorgar una calificación en el Reino Unido, la BBFC, consideró que el contenido de la película era aceptable y en ningún caso debía entenderse de forma literal sino de forma metafórica. Se consultó a psicólogos para confirmar que el film no provocaría un deseo de imitación y se proyectó a un grupo de personas con discapacidades motrices para investigar si resultaba ofensiva para ellos, llegando a la conclusión de que en cierto modo era positivo que se mostrase a gente con discapacidades de una forma sexualmente activa. A pesar de todo esto, Crash fue prohibida… en un distrito de Londres. Cualquier londinense que viviese en Westminster Council tendría que caminar hasta el cercano distrito de Camden para ver la película prohibida. A pesar de que la (simbólica) prohibición británica fue seguida por otras muchas prohibiciones generales en varios países del mundo, Crash se convirtió en un éxito de taquilla, desconcertando e impactando al público de allí donde pudo verse.

 

 

DICIEMBRE DE 2020

 

Martes 2 de diciembre

 

17:00 · Sala 2 · Festival MárgenesSesión Esteva/Guerín

- Notes sur l’emigration (Jacinto Esteva y Paolo Brunatto, 1960). España. 16 mm. VOSF/E. 19’.

Cortometraje documental que recoge con eficaz crudeza algunos aspectos de la emigración interior que se produjo en la España de Franco, desde las regiones del sur a las del norte, donde existen algunas de las pocas industrias españolas. Los emigrantes se instalan en la periferia de las grandes aglomeraciones urbanas, a la vana búsqueda de un trabajo, creando nuevos barrios de barracas donde dominan el hambre y la miseria. Posteriormente muchos se ven obligados a pasar la frontera francesa: asistimos así a su melancólica expatriación y a algunas entrevistas.

Proyección en espejo con No Cow on Ice (Eloy Domínguez Serén, 2016), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.

- En construcción (José Luis Guerín, 2001). España. 35 mm. 125’.

Documental que parte de la construcción de un nuevo bloque de viviendas en El Raval de Barcelona para retratar el microcosmos de personas afectadas por esas obras, desde una pareja de okupas a una chica que se obsesiona con uno de los obreros.

«Una hazaña poética e intelectual que seguirá estando viva y seguirá siendo cine vigente dentro de décadas y más décadas... Tiene algo de muestra antológica, de mágica exhibición de recursos de expresividad musical casi en los bordes de lo insuperable». (Ángel Fernández Santos)

Proyección en espejo con Edificio España (Víctor Moreno, 2012), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.


20:30 · Sala 1 ·
Derek Jarman. Queer Punk: Primeras películas de Derek Jarman

- Electric Fairy (Derek Jarman, 1971). Reino Unido. DCP. 6’.

Probablemente la primera película dirigida por Derek Jarman, esta pieza gira en torno a un hada eléctrica, un joven de pelo rubio con una estrella en la frente y muchas más en su túnica, auriculares, joyas y también en sus labios carmín.

- In the Shadow of the Sun (Derek Jarman, 1981). Int.: Karl Bowen, Graham Dowie, Christopher Hobbs, Gerald Incandela. Reino Unido, RFA. DCP. 57’.

Compilación de piezas rodadas en Super8 a lo largo de los años 70 y resonorizadas para la ocasión por la banda inglesa Throbbing Gristle. El título nace de un texto alquímico del siglo XVII, donde se usaba como sinónimo de la piedra filosofal.

«Con frecuencia Jarman se enfrentaba a mitos ya establecidos, rescatándolos de la dañina reverencia en la que estaban preservados y leyéndolos según su propio deseo […] In the Shadow of the Sun invoca la imagen de Narciso, “un espejo en el que el sol rebota hacia la cámara para que la imagen explote y se reinvente de las formas más misteriosas”». (David Gardner).

 

Miércoles 2 de diciembre

 

17:30 · Sala 2 · Cine prohibido

Gabbeh (Mohsen Makhmalbaf, 1996). Int.: Shaghayeh Djodat, Hossein Moharami, Rogheih Moharami, Abbas Sayah. Irán, Francia. 35 mm. VOSI/E. 75’.

Mohsen Makhmalbaf dirigió sus primeros trabajos a principios de los 80, pero en sus películas se pueden sentir los ecos del pasado de Irán, una nación que en los últimos setenta años ha pasado por un golpe de estado orquestado por potencias occidentales, el largo y autoritario gobierno secular del Shah, una revolución en 1979 que llevó al país a convertirse en una república islámica de carácter fundamentalista y represor, una guerra con Irak que dejó cientos de miles de muertos y constantes sanciones económicas que han empobrecido a la población.

La palabra gabbeh se refiere a un tipo de alfombras creadas por la tribu Ghashgai del suroeste de Irán. En la película, una pareja de ancianos que vive un lugar remoto lava su gabbeh y del tejido surge una joven que les narra su triste historia de amor. Makhmalbaf concibió originalmente el proyecto como un documental sobre las tejedoras nómadas ghashgai, pero la creatividad e imaginación de estas fabricantes de alfombras le llevó finalmente por el camino de la ficción y el lirismo mágico. El resultado final, Gabbeh, refleja la pobreza, la opresión de la tradición y la soledad de las mujeres en el sistema patriarcal de la tribu, lo que, junto al apoyo del film al sufismo, una rama del Islam que ha sido objeto de persecución en Irán, Pakistán y Arabia Saudita, llevó a que la película no consiguiera superar los cinco grados de censura existentes en Irán, un laberinto burocrático que permite incongruencias como que Gabbeh fuese presentada como representante para el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa y a la vez prohibida por las autoridades iraníes, que la consideraron subversiva.

Tras múltiples enfrentamientos con la censura, Mohsen Makhmalbaf terminó por abandonar su país de origen en 2005 y continuar su carrera en Europa. A día de hoy, Gabbeh y otras muchas de sus películas siguen sin poder verse en Irán.


20:00 · Sala 1 ·
Festival Márgenes: Sesión Cecilia Bartolomé y Josefina Molina

- Margarita y el lobo (Cecilia Bartolomé, 1969). Int.: Julia Peña, José Antonio Amor, Lola Lemos, Ernesto Martín. España. BDG. 45’.

Cuando el juez le niega el divorcio a Margarita, esta recuerda todas las veces en su pasado que ha tenido que enfrentarse a “los lobos”, desde su matrimonio fallido hasta sus intentos de tener una vida profesional.

«Cecilia Bartolomé deja que su heroína se levante contra cada una de las convenciones: las de la sociedad franquista, las del cine académico, las del hombre de bien, las del musical con gracejo, las de la familia con hijos, las del drama bovaryano... Ella canta, actúa, pinta, se enamora y desenamora porque sí, porque sabe que nadie lo va hacer en su lugar». (Luis Martínez).

Proyección en espejo con Ainhoa, yo no soy esa (Carolina Astudillo, 2018), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.

- Función de noche (Josefina Molina, 1981). España. BDG. 90’

Documental que se desarrolla durante los ensayos de la actriz Lola Herrera para su representación teatral de Cinco horas con Mario. Un día, su exmarido Daniel Dicenta la visita y a partir de allí dejan adentrarse a los espectadores en el mundo del que fue su matrimonio, de sus discusiones, silencios, complejos y reproches.

«Lola [Herrera] tiene un año más que yo. Las mismas vivencias, aunque distinta trayectoria vital. Conozco a mucha gente como ella. Su historia es la de muchas mujeres de mi edad, reflejo de una generación de un país como España, que han perdido el tren de la vida». (Josefina Molina)

Proyección en espejo con True Love (Ion de Sosa, 2011), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.

 

Jueves 3 de diciembre

 

17:00 · Sala 1 · Cine prohibido

Rojo amanecer (Jorge Fons, 1989). Int.: Héctor Bonilla, María Rojo, Jorge Fegán, Ademar Arau. México. DCP. 96’.

El 2 de octubre de 1968, miles de personas se congregaron en la Plaza de las Tres Culturas, en Ciudad de México, para protestar contra la represión ejercida por el Gobierno contra los movimientos estudiantiles. Quedaban solo diez días para la inauguración de los Juegos Olímpicos de México, en los que se había hecho una fuerte inversión. A las 6 de la tarde, dos bengalas cruzaron el cielo y el ejército rodeó la plaza. Varias horas después, decenas de manifestantes y transeúntes habían muerto y cientos habían sido detenidos en lo que más tarde se conocería como “la masacre de Tlatelolco”.

Dos décadas después, a partir de los relatos de testigos de la matanza y de la investigación de la periodista Elena Poniatowska (que narró lo sucedido en su libro La noche de Tlatelolco), los guionistas Guadalupe Ortega y Xavier Robles, el actor Héctor Bonilla y el director Jorge Fons decidieron realizar una película alrededor de este suceso. Desde el primer momento se encontraron toda clase de escollos. Al enviar el guion para conseguir autorización a la Dirección General de Radio, Televisión y Cinematografía (RTC), la respuesta que acompañó al rechazo fue “con el 2 de octubre no se metan”. A partir de ahí, el rodaje se tuvo que llevar a cabo de forma clandestina y precaria, buscando financiación de intelectuales y celebridades para poder terminar. Finalmente completada, la película pasó un año congelada por el Gobierno, que se negaba a darle permiso de exhibición porque consideraba que era ofensiva para el ejército. Tras un largo tira y afloja y una importante polémica que supuso el despido de la directora de la RTC, las autoridades permitieron el estreno de Rojo amanecer con la condición de que se eliminaran dos minutos de metraje en los que se mencionaba al ejército.


18:30 · Sala 2 · Festival Márgenes
Sesión Drove/Viota

- La caza de brujas (Antonio Drove, 1967). Int.: José Luis Romero, José Antonio Blasco, Antonio Puente, Miguel Picazo. España. 35 mm. 35’.

Práctica de tercer curso de la EOC que relata lo que sucede en un colegio religioso cuando un cura sorprende a algunos alumnos en el cuarto de baño. Alberto se debate entre la delación y el sentido de la amistad.

«La trama se va armando alrededor de insinuaciones: un grupo de chicos se reúne para hacer algo tan mal visto por los intransigentes curas como descubrir el cuerpo propio. Todo esto, sin embargo, permanece sugerido, insinuado mediante una elipsis, evocado por el protagonista en una escena de corte surrealista y expuesto en un magnífico montaje en paralelo que muestra, por un lado, a los jóvenes perseguidos por el cura y, por el otro, a un compañero de clase ante un altar. Siempre hay algo que queda implícito, entre líneas, y que está relacionado precisamente con las dinámicas del poder. La caza de brujas no trata solo de la purga de indecentes en el colegio religioso, sino de cómo las directrices conservadoras se infiltran en los comportamientos». (Violeta Kovacsis).

Proyección en espejo con Niñato (Adrián Orr, 2017), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.

- Cuerpo a cuerpo (Paulino Viota, 1984). Int.: Ana García, Pilar Marco, Guadalupe Güemes, Fabio León. España. 35 mm. 82’.

Con un estilo que favorece la espontaneidad y la improvisación, la película ofrece el retrato de ocho personajes y sus relaciones sentimentales.

«Mi propósito era que pareciera que aquellos personajes no brotaban de la mente de un guionista, y para conseguirlo… no brotaban. Por eso el mayor elogio que me han he-cho de la película fue el de un amigo que me dijo: “parece mentira que esta película sea tuya”». (Paulino Viota)

Proyección en espejo con Mapa (León Siminiani, 2012), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.


21:00 · Sala 1 · O Dikhipen
Cultura gitana, cultura universal

Inauguración del ciclo “O Dikhipen”. Este acto estará dedicado a conmemorar los Premios del Instituto de Cultura Gitana 8 de abril, los más importantes de la cultura gitana a nivel internacional y que han premiado a lo largo de sus doce años a personalidades tan relevantes como el político Juan de Dios Ramírez Heredia, el director de cine Carlos Saura o los artistas Juan Peña el Lebrijano, la familia Flores, la Chana, Bernarda de Utrera, Moncho o Peret. Para la ocasión se estrenará el documental Cultura gitana, cultura universal y se proyectarán una serie de actuaciones musicales e intervenciones de diversas personalidades de la cultura. Duración total de la sesión: 120’.

 

Viernes 4 de diciembre

 

12:00 · Sala virtual · Flores en la sombra onlineSesión José Ernesto Díaz-Noriega

Sesión online que reúne El festival y El cine amateur, dos de las piezas más celebres del cineasta amateur José Ernesto Díaz-Noriega, que con la segunda logró el reconocimiento del Festival de Cannes en 1965.


17:00 · Sala 1 ·
O Dikhipen

El amor brujo (Carlos Saura, 1986). Int.: Antonio Gades, Cristina Hoyos, Laura del Sol, Juan Antonio Jiménez. España. 35 mm. 100’.

Adaptación al cine de la popular obra de Manuel de Falla, que narra la historia del trágico matrimonio concertado entre José y Candela y el amor de Carmelo por esta.

«El amor brujo, tal como la ha concebido, elaborado y representado Carlos Saura en forma de cine, es un brillante ejercicio de divulgación cultural, que puede y debe convocar a muchos espectadores dentro de España y probablemente más fuera. Unas cuantas películas como esta serían agua de mayo para la vieja búsqueda del cine español de mercados ajenos». (Ángel Fernández-Santos)

Antes de la proyección se podrá ver una presentación grabada de Cristina Hoyos y Juan Antonio Jiménez, bailaores e intérpretes de El amor brujo.


18:30 · Sala 2 ·
Derek Jarman. Queer Punk: Sesión Mayakovsky/Pasolini

- Imagining October (Derek Jarman, 1984). Int.: Angus Cook, Peter Doig, Toby Mott, Stephen Thrower. Reino Unido. 16 mm. VOSE. 27’.

A través de una serie de poemas del ruso Vladimir Mayakovsky y material rodado durante una gira por la Unión Soviética, Derek Jarman establece conexiones entre la Rusia anterior a la Perestroika y la Gran Bretaña de Margaret Thatcher.

«Imagining October fue la primera película en la que Jarman se presentó a sí mismo, en este caso a través de la figura del pintor John Watkiss, un artista que trata de capturar una realidad que mezcla ideología del Estado y homoerotismo. El dilema del artista no domina la película; en su lugar hay una tensión entre el acto subjetivo de pintar y el mundo objetivo de la política y la historia que va a ser pintado». (Michael O’Pray).

- Ostia (Julian Cole, 1987). Int.: Derek Jarman, David Dipnall, Oliver Haden, Dominic Power. Reino Unido. BDG. VOSE. 27’.

A las órdenes de otro cineasta, Julian Cole, Derek Jarman se convierte en Pier Paolo Pasolini en este cortometraje que reconstruye las últimas horas del director de Saló y los 120 días de Sodoma.

«Mi sexualidad recubre mi política: desconfío de las figuras de autoridad, incluyendo a los artistas. Los homosexuales luchan tanto para definirse a sí mismos frente al orden de las cosas que se genera un proceso equívoco en relación al deseo de estar a la vez “dentro” y “fuera”: la fuente de esa enfermedad la presentan Caravaggio y Pasolini en sus obras. Desconfío de aquellos que tienen un plan para nuestra salvación. Como colectivo hemos sufrido más que muchos otros a manos de los ideológicamente “sensatos”». (Derek Jarman).


21:00 · Sala 1 · Festival Márgenes

Aoom (Gonzalo Suárez, 1970). Int.: Lex Barker, Teresa Gimpera, Julián Ugarte, Romy. España. 35 mm. 94’

Ristol, un actor cansado de sí mismo y el mundo que le rodea, consigue liberarse mentalmente del cuerpo que lo tiene encarcelado. Preocupada por la situación, su amante acude en su búsqueda y contacta con un detective.

«Una película desnuda, primitiva, elemental, que no opera con ideas ni conceptos, sino con sensaciones y sentimientos, de la forma más directa y pura». (Miguel Marías).

Proyección en espejo con Costa da Morte (Lois Patiño, 2013), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.

 

Sábado 5 de diciembre

 

17:00 · Sala 1 · Festival Márgenes

España otra vez (Jaime Camino, 1968). Int.: Manuela Vargas, Mark Stevens, Marianne Koch, Enrique “El Cojo”. España. 35 mm. 108’.

Un médico estadounidense que participó como voluntario durante la Guerra Civil vuelve a Barcelona 30 años más tarde para participar en un congreso médico. En su viaje a la Barcelona de su pasado intentará encontrar a una enfermera que conoció durante la guerra y con la cual tuvo un romance.

«España otra vez tenía al primer protagonista de nuestro cine extraído del bando derrotado que era visto con simpatía y que no se arrepentía ni se acababa convirtiendo a la causa de los vencedores». (Román Gubern)

Proyección en espejo con Longa noite (Eloy Enciso, 2019), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.


18:00 · Sala 2 ·
O Dikhipen: Rito y geografía del cante

Programa en el que se podrán ver tres capítulos de 'Rito y geografía del cante', la fundamental serie sobre flamenco dirigida por Mario Gómez Martín y emitida en TVE2 entre 1971 y 1973.

• Capítulo 10: Navidad flamenca (1971).
• Capítulo 24: La cantaora (1972).
• Capítulo 78: Paco de Lucía (1973).

Duración total de la sesión: 90’.


21:00 · Sala 1 ·
Pasajes Filmadrid

The Trouble with Being Born (Sandra Wollner, 2020). Int.: Lena Watson, Dominik Warta, Ingrid Burkhard, Jana McKinnon. Austria, Alemania. DCP. VOSE. 94’.

La historia de una androide que ha sido construida por un hombre para replicar a la hija que perdió hace años.

«Es inevitable que los aspectos más depravados de la historia acaben ensombreciendo las ideas más sutiles de Wollner, y es complicado pedirle al público que medite sobre elementos secundarios en una película destinada a ser descartada como “la de la niña robot sexual”. Aun así, la lacerante inteligencia de Wollner y su fascinante destreza hacen de esta perturbada variación de Pinocho más que una provocación vacía, perfecta para aquellos que sean capaces de pensar en el comportamiento como una rareza de programación, en las emociones como una línea de código y en la moralidad como un fallo de funcionamiento». (Jessica Kiang).

Presentación a cargo de Javier H. Estrada y Nuria Cubas.

 

Miércoles 9 de diciembre

 

19:00 · Sala 1 · Cine prohibido

El judío Süss (Veit Harlan, 1940). Int.: Kristina Soderbaum, Ferdinand Marian, Werner Krauss, Eugen Klöpfer. Alemania. 35 mm. VOSE. 98’.

A lo largo de la noche del 9 al 10 de noviembre de 1938, varias ciudades alemanas fueron testigo de una campaña de violencia y arrestos contra la población judía. La llamada “Noche de los cristales rotos”, que acabó con 30.000 judíos trasladados a campos de concentración, generó una importante oleada de críticas a nivel nacional e internacional que hicieron que Adolf Hitler considerase el suceso, orquestado por su ministro de Propaganda, Joseph Goebbels, un fracaso político. Preocupado por perder el favor del Führer, Goebbels propuso a Hitler diseñar una campaña de medios que enardeciese el antisemitismo de la población alemana de manera que fuese más favorables a acciones como la “Noche de los cristales rotos”. Uno de los puntales de la campaña eran dos largometrajes, El judío eterno (Fritz Hippler, 1940) y El judío Süss.

Mientras Hitler prefería el enfoque directo y “documentalista” de El judío eterno, Goebbels consideraba que la propaganda antisemita debía envolverse en ropajes de ficción si quería resultar atractiva para el público. De ahí que se involucrase directamente en la producción de El judío Süss, seleccionando a los actores entre lo más selecto de la industria cinematográfica alemana y supervisando cada cambio de guion. Distorsionando hasta lo irreconocible la historia del comerciante judío Joseph Süss Oppenheimer, Goebbels y el director Veit Harlan construyeron una de las películas más abiertamente antisemitas de la historia, así como uno de los grandes éxitos populares de la cinematografía nazi. Tras estrenarse en el Festival de Venecia en 1940, el film tuvo una importante carrera tanto en Alemania como en la Francia ocupada. Heinrich Himmler, líder de las SS, ordenó que todos los agentes de la ley fueran a verla a los cines a modo de “aprendizaje”.

Al terminar la Segunda Guerra Mundial, Veit Harlan fue juzgado por crímenes contra la humanidad y finalmente absuelto al considerarse que había trabajado bajo coerción. El judío Süss fue prohibida no solo en Alemania sino en todo el mundo occidental por las fuerzas aliadas, que destruyeron la mayoría de copias existentes. A partir de los años 90 se autorizó su proyección siempre y cuando se hiciese bajo permiso directo de las autoridades alemanas y acompañada de un coloquio.

Presentación previa a la proyección y coloquio posterior a cargo de Vicente Sánchez-Biosca.


20:00 · Sala 2 ·
Derek Jarman. Queer PunkCortometrajes en Super8 de Derek Jarman

Esta sesión recopila siete piezas rodadas en Super8 por Derek Jarman desde 1972 hasta 1982, principalmente en la zona de Londres conocida como Butler’s Wharf, donde Jarman vivía y trabajaba.

• Studio Bankside (1972). DCP. 7’.
• Journey to Avebury (1973). DCP. 10’.
• Tarot (1973). DCP. 8’.
• Sulphur (1973). DCP. 15’.
• Sloane Square (1974-1976). DCP. 8’.
• A Break from Sebastian (1975). DCP. 6’.
• Waiting for Waiting for Godot (1982). DCP. 7’.

Duración total de la sesión: 61’.



Jueves 10 de diciembre

 

16:30 · Sala 1 · Festival Márgenes

El desencanto (Jaime Chávarri, 1976). Felicidad Blanc, Juan Luis, Michi y Leopoldo María Panero.      España, 35 mm. 97’. 

Retrato de la familia del poeta Leopoldo Panero construido a partir de declaraciones de su viuda y sus tres hijos. Poco a poco, la decadencia y las miserias de la familia y su entorno van aflorando.

«La ausencia del padre se transforma, valga la paradoja, en una opacidad de gran elocuencia, de pertinente producción de sentido. Más aún, otra ausencia vaporosa se convierte, en tanto omitida, en mayúscula fuente de significación: la del dictador, el padre putativo de todos los Panero y, por desgracia, de tantos otros españoles que debieron aclimatarse a la opaca noche del grito y del terror». (Joan M. Minguet Batllori)

Proyección en espejo con Los materiales (Los Hijos, 2009), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.


18:00 · Sala 2 · Cine prohibido

Andrei Rublev (Andrey Rublev, Andrei Tarkovsky, 1966). Int.: Anatoliy Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolay Grinko, Nikolay Sergeev. URSS. DCP. VOSI/E. 183’.

A principio de los años 60, pocos directores soviéticos prometían tanto como el joven Andrei Tarkovsky. Tras sorprender a todo el mundo con La infancia de Iván (1962), que ganó el León de Oro en Venecia, la productora Mosfilm aceptó su propuesta de trabajar juntos en una película basada en la vida de Andrei Rublev, un célebre pintor ruso del siglo XV. Tras dos años de investigación, el guion fue aprobado. El rodaje comenzó a finales de 1964 y la película, con un metraje de tres horas y veinticinco minutos, se estrenó en Moscú en 1966. Ese sería el único pase de esa versión, conocida como La pasión según Andrei.

Las autoridades soviéticas, molestas por el contenido religioso así como por el realismo en la reconstrucción de la Rusia medieval y el retrato que la película hacía de un artista luchando por crear en un régimen opresivo, prohibieron la exhibición del film tanto en la URSS como en festivales extranjeros, alegando que “lo erróneo de la película a nivel ideológico es innegable”. Para evitar la desaparición total de su obra, Tarkovsky remontó la película, reduciendo el metraje hasta las tres horas y rebajando la violencia. Esta versión, con el nombre de Andrei Rublev, consiguió finalmente estrenarse en 1971 gracias al apoyo de otros artistas como Grigori Kozintsev y Dmitri Shostakovich. Con el tiempo, Tarkovsky acabó por asegurar que prefería la versión remontada a la original, declarando que todos los cambios los había llevado a cabo él mismo. No fue así, sin embargo, con la versión que se pudo ver en la televisión rusa en 1973, que había sido recortada hasta los cien minutos hasta convertirse en poco más que un esqueleto de su versión original, un esqueleto que Tarkovsky se negó a autorizar.


20:30 · Sala 1 ·
Robert Frank. Beat, Beat & Me

Candy Mountain (Robert Frank y Rudy Wurlitzer, 1987). Int.: Kevin J. O’Connor, Eric Mitchell, Tom Waits, Robert Joy. EEUU, Suiza, Canadá, Francia. 35 mm. VOSE. 91’.

Road movie que narra el viaje de Julius, un guitarrista, en busca del famoso fabricante de guitarras Elmore Silk. En la película aparecen multitud de personalidades del cine y la música, desde Emile de Antonio a Joe Strummer o David Johansen.

«Ruedo mis escenas como si estuviera improvisando un tema musical. Esta libertad, esta rápida modulación del look, son indispensables para mí». (Robert Frank).

Presentación a cargo del Embajador de Suiza, el Excmo. Sr. D. Hanspeter Mock; el director artístico de Cineteca de Matadero, Gonzalo de Pedro, y el director de programación de Filmoteca Española, Carlos Reviriego.

 

Viernes 11 de diciembre

 

12:00 · Sala virtual · Flores en la sombra online

Un día más (Pere Balañá, 1963). Int.: Luisa Muñoz Schneider, Juan Margallo, María Elena Flores, Tomás Aznar. España. 37’.

Práctica de tercer curso de la Escuela Oficial de Cinematografía con la que Pere Balañá, del que el mes pasado pudimos ver su único largometraje en el Doré, se diplomó. Narra la historia de una maestra leonesa que viaja a Madrid para examinarse de unas oposiciones.


17:00 · Sala 1 ·
Robert Frank. Beat, Beat & Me

Me and My Brother (Robert Frank, 1969). Int.: Julius Orlovsky, Peter Orlovsky, John Coe, Allen Ginsberg. EEUU. 35 mm. VOSE. 91’.

La película gira en torno a los hermanos Orlovsky: Peter, poeta y compañero de piso de Allen Ginsberg, y Julius, un esquizofrénico que acaba de salir de un centro psiquiátrico. Cuando Peter decide a recoger a su hermano del hospital y hacerse cargo de él, Robert Frank comienza a filmar la situación. Cuando Julius abandona el rodaje, el director contrata a un actor para reemplazarlo y el documental se torna ficción.

«A lo largo de la película, Julius pasa a ser lo mismo que todos los demás que se ponen frente a mi cámara: un actor. En ocasiones, la mayoría estamos actuando en silencio, porque sería demasiado doloroso no hacerlo y demasiado cruel reconocer la verdad de lo que existe… Para completar el círculo, Joseph Chaiken, el Actor, interpreta a Julius pero al mismo tiempo se convierte en mi». (Robert Frank).


18:00 · Sala 2 ·
Derek Jarman. Queer Punk: Sesión Throbbing Gristle

Esta sesión reúne tres piezas dirigidas o codirigidas por Derek Jarman que están relacionadas con sus habituales colaboraciones con la banda Throbbing Gristle.

T.G.: Psychic Rally in Heaven (Derek Jarman, 1981). 16 mm. VOSE. 8’.
Pirate Tape: William Burroughs (Derek Jarman, 1983). 16 mm. VOSE. 15’.
The Dream Machine (Derek Jarman, Michael Kostiff, John Maybury y Cerith Wyn Evans, 1984). 16 mm. VOSE. 32’.

Duración total de la sesión: 55’.


20:30 · Sala 1 · Festival de Gijón

Un blues para Teherán (Javier Tolentino, 2020). España. DCP. VOSE. 70’.

Primer largometraje del periodista Javier Tolentino, responsable del programa de radio “El séptimo vicio”, que servirá como inauguración de la edición de este año del Festival Internacional de Cine de Gijón. Se trata de un documental que explora Irán a través de su música y la cotidianidad de sus habitantes.

«No es una película épica ni política, sino un viaje que derribará estereotipos construidos sobre la sociedad iraní. […] El país esconde algunos de los secretos mejor guardados de la humanidad, sobre todo en lo que a la música y la palabra se refiere. Todo en Irán desborda poesía, los iraníes la canta, la escriben o la danzan». (Javier Tolentino)

Presentación a cargo de Javier Tolentino (director), Luis Miñarro (productor), Sandra Mora (directora de Producción) y Juan López (director de Fotografía).

 

Sábado 12 de diciembre

 

17:00 · Sala 1 · Derek Jarman. Queer Punk

The Angelic Conversation (Derek Jarman, 1985). Int.: Paul Reynolds, Phillip Williamson, Judi Dench, Dave Baby. Reino Unido. DCP. VOSE. 77’.

El viaje de un joven en busca del amor, narrado mediante secuencias etéreas de naturaleza, ensoñaciones musicales y la voz de Judi Dench recitando sonetos de Shakespeare.

«Mi trabajo más austero, pero también el que está más cerca de mi corazón». (Derek Jarman).


18:00 · Sala 2 ·
Festival Márgenes: Sesión Juan Sebastián Bollaín

Este programa reúne cuatro cortometrajes y un mediometraje del cineasta y arquitecto sevillano Juan Sebastián Bollaín, todos ellos centrados en la ciudad de Sevilla y con un acercamiento entre lo documental, lo experimental y lo fantástico, jugando con materiales de archivo para construir miradas utópicas y mágicas sobre la capital andaluza.

Sevilla rota (Juan Sebastián Bollaín, 1979). España. DCP. 12’.
Sevilla tuvo que ser (Juan Sebastián Bollaín, 1979). España. DCP. 10’.
Sevilla en tres niveles (Juan Sebastián Bollaín, 1979). España. DCP. 9’.
La ciudad es el recuerdo (Juan Sebastián Bollaín, 2003). España. DCP. 14’.
La alameda (Juan Sebastián Bollaín, 1978). España. DCP. 40’.

Duración total de la sesión: 85’. Proyección en espejo con Sé Villana, la Sevilla del diablo (María Cañas, 2013), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.


21:00 · Sala 1 ·
Robert Frank. Beat, Beat & Me / Cine prohibido

Cocksucker Blues (Robert Frank, 1972). EEUU. BDG. VOSE. 93’.

Tras la estela de los Rolling Stones en su tour norteamericano de 1972, disfrutando del éxito discográfico de Exile on Main Streeet, Robert Frank retrata la vida indómita y hedonista de la más famosa y salvaje banda de rock & roll del momento. El fotógrafo suizo tuvo un “acceso completo”a la intimidad del grupo y al personal de la gira, incluyendo orgías en el avión privado y el perpetuo, casi suicida, consumo de drogas; cuando les enseñó el material a los Stones, estos prohibieron su distribución y condenaron el film a un periplo de ediciones “no oficiales”.

«Definitivamente, uno de las mejores películas sobre rock & roll que jamás he visto… Te hace pensar que ser una estrella del rock es una de las últimas cosas que desearía». (Jim Jarmusch).

 

Domingo 13 de diciembre

 

18:00 · Sala 2 · Festival Márgenes

- Els Porcs (Antoni Padrós, 1972). Int.: : Rosa Morata. España. BDG. Versión española. 15’.

Cortometraje basado en la historia de un estudiante de Ohio que fue condenado a pasar tres horas en una pocilga para aprender a diferenciar entre un cerdo y un policía. En forma de broma privada, se burla de las envidias y rivalidades de las capillas culturales catalanas.

«A Antoni Padrós lo tomaban un poco a chacota las fuerzas vivas de la intelligentzia barcelonesa, los divinos representantes de la cultura de izquierdas, porque nunca fue capaz de hacer declaraciones rimbombantes, ni de elaborar sesudas teorías. A él no le importaba nada de esto. A él solo le interesaba el Cine, su cine». (Llorenç Soler).

Proyección en espejo con Inadaptados (KIkol Grau, 2015), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.

- Juguetes rotos (Manuel Summers, 1966). España. 35 mm. VO subtitulada en francés. 80’.

Retrato documental de personajes que en su momento gozaron de gran popularidad, como el torero Nicanor Villalta o el futbolista Guillermo Gorostiza, todos ellos unidos por el sentimiento de abandono y olvido.

«Ancla su sentido en el ofrecimiento al espectador de un texto que se configura –a su pesar- como documento histórico que habla sobre el paso del tiempo desde la moral y cuyo interés definitivo, descartada por simple su referencia primaria al franquismo y a la España cañí, se encontraría en lo que nosotros somos capaces de descubrir en sus imágenes o, mejor dicho, en lo que se impone al objetivo de la cámara y que emerge de lo real, arañando nuestra mirada, como las marcas que surcan el fracaso y el delirio de estos personajes a la deriva, que también somos nosotros». (Andrés Peláez Paz)

Proyección en espejo con O futebol (Sergio Oksman, 2015), disponible en la web del Festival Márgenes hasta el 13-12-20.


20:30 · Sala 1 · Derek Jarman. Queer Punk

The Last of England (Derek Jarman, 1987). Int.: Tilda Swinton, Spencer Leigh, “Spring” Mark Adley, Gerrard McArthur. Reino Unido, RFA. B-R. VOSE. 92’.

Comentario poético y muy personal sobre el declive de Inglaterra, muy centrado en el Londres de la era Thatcher.

«Es una historia de amor con Inglaterra. No es un ataque. Solo ataca aquellas cosas que yo personalmente percibo como cosas sin valor. Cosas que han invadido la cultura dominante en la vida británica. Eso no es un ataque a Inglaterra, es justo lo contrario». (Derek Jarman).

 

Martes 15 de diciembre

 

18:30 · Sala 1 · Cine prohibido

Los vampiros (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916). Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. DCP. Muda con rótulos en francés y español.

• Capítulo 1: La cabeza cortada.
• Capítulo 2: El anillo que mata.
• Capítulo 3: El libro de códigos rojo.
• Capítulo 4: El espectro.
• Capítulo 5: La huida del muerto.
• Capítulo 6: Ojos hipnóticos.

Duración total de la sesión: 259’. Los capítulos 7, 8, 9 y 10 podrán verse en la sesión del día 16.

A lo largo de la historia, tres han sido las razones principales que han llevado a la prohibición de una película: políticas, religiosas y sexuales. Estas últimas, en ocasiones definidas de forma perversa como “morales”, son las que han conducido a algunos de los vetos más arbitrarios y ridículos. Es el caso de Los vampiros, la obra magna del francés Louis Feuillade, un serial de diez episodios en los que se narra las aventuras de un periodista que está investigando a un misterioso grupo criminal conocido como “Los vampiros”. A pesar de su espíritu popular y desenfadado (o precisamente por ello), la policía francesa consideró que el serial exaltaba la delincuencia y una “dudosa” moralidad y decretó la prohibición de varios episodios en toda Francia. Fue Musidora, una de las actrices principales, quien tomó cartas en el asunto, llamando al jefe de policía y convenciéndole de que levantase la prohibición. A partir de ese momento (aunque tras sufrir algunos cortes para evitar alusiones sexuales y fetichistas), Los vampiros pudo verse en salas, donde se convirtió en un éxito masivo a pesar de las malas críticas. Olvidada durante décadas, la obra de Feuillade fue reivindicada en los 40 y a día de hoy es, además de un icono pop, todo un emblema del cine más imaginativo y lúdico.


20:00 · Sala 2 · Derek Jarman. Queer Punk
Vídeos musicales de Derek Jarman

Sesión que reúne una selección de vídeos musicales realizados por Derek Jarman durante los 80 y los 90. Los grupos y músicos representados en la programación son Psychic TV, The Smiths, Easterhouse, The Mighty Lemon Drops, Bob Geldof, Pet Shop Boys, Suede y Patti Smith.

Duración total de la sesión: 70’.

 

Miércoles 16 de diciembre

 

18:30 · Sala 1 · Cine prohibido

Los vampiros (Les vampires, Louis Feuillade, 1915-1916). Int.: Musidora, Édouard Mathé, Marcel Lévesque, Jean Aymé. Francia. DCP. Mudas, con subtítulos en francés y español.

• Capítulo 7: Satanás.
• Capítulo 8: El maestro del trueno.
• Capítulo 9: El envenenador.
• Capítulo 10: La boda terrible.

Duración total de la sesión: 246’.


20:00 · Sala 2 · Robert Frank. Beat, Beat & Me: Cortometrajes de Robert Frank #1

Cuatro cortometrajes realizados por Robert Frank entre 1959 y 1980, incluyendo su aclamada pieza Pull My Daisy, que codirigió junto a Alfred Leslie.

Pull My Daisy (Robert Frank y Alfred Leslie, 1959). 16 mm. VOSE. 28’.
Conversations in Vermont (Robert Frank, 1969). 16 mm. VOSE. 26’.
About Me: A Musical (Robert Frank, 1971). 16 mm. VOSE. 35’.
Life Dances On (Robert Frank, 1980). 16 mm. VOSE. 30’.

Duración total de la sesión: 119’.




 

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/dam/jcr:aeb5d318-7345-4c95-8538-c72967ad93f1/programa-online-diciembre-v16.pdf




LOCALIDADES

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación y, más adelante, en la taquilla del Cine Doré.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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