Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 01/10/2022 hasta el 30/10/2022
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

 

PROGRAMA

 

 

OCTUBRE DE 2022

 

Como todos los años, Filmoteca Española dedica su programación de octubre a celebrar el Mes del Archivo. Se podrán ver los últimos trabajos de restauración y recuperación en los que ha participado, pero también nuevas copias de clásicos de todo el mundo, como la selección de cine brasileño que ha diseñado  el cineasta Kleber Mendonça Filho. Por último, también habrá espacio para los trabajos de David Cronenberg y José Luis López Vázquez, así como para acoger parte de la programación del Another Way Film Festival y del Festival Cine por Mujeres Madrid.

 

Sábado 1 de octubre


17:00 · Sala 1 · Clásicos como nuevos

Al final de la escapada (À bout de souffle, Jean-Luc Godard, 1960). Int.: Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet. Francia. DCP. VOSE. B/N. 90’. Copia restaurada por StudioCanal.

Tras robar un coche, un joven mata accidentalmente a un policía. De vuelta en París, se refugia junto a una amiga americana mientras es perseguido por la policía.

«Era el tipo de película en el que todo está permitido, por su naturaleza. Hiciera lo que hiciera la gente, todo se podía integrar en el film. […] Me gustan las sorpresas. Si se sabe de antemano lo que se va a hacer, ya no vale la pena hacerlo. Si un espectáculo ya está escrito íntegramente, ¿para qué filmarlo? ¿Para qué sirve el cine si anda a remolque de la literatura?». (Jean-Luc Godard).


19:30 · Sala 2 ·
José Luis López Vázquez: Coda

Duerme, duerme, mi amor (Francisco Regueiro, 1975). Int.: José Luis López Vázquez, María José Alfonso, Rafaela Aparicio, Lina Canalejas, Laly Soldevila, Manuel Alexandre, Beatriz Savón. España. DCP. Color. 90’.

Un hombre decide evadirse de la profunda crisis en la que se ha instalado su matrimonio durmiendo a su esposa con somníferos para poder intentar iniciar una relación con su vecina.
 
«La puesta en escena que yo desarrollo en esta película es muy torera. Los dos personajes principales, este hombre y esta mujer, están ahí solos, abandonados delante de la cámara. La película es fundamentalmente ellos: sus diálogos, su situación. Esto, realmente, es lo que a mi más me gusta de los llamados profesionales, ¿no?: que todos nos sepamos lo que tenemos entre manos y que, luego una cámara registre, de la forma más pudorosa, los sentimientos de los mensajeros, que son los actores». (Francisco Regueiro).


21:30 · Sala 1 ·
David Cronenberg. Aberraciones de la carne

La zona muerta (The Dead Zone, David Cronenberg, 1983). Int.: Christopher Walken, Brooke Adams, Tom Skerritt, Herbert Lom, Martin Sheen, Anthony Zerbe, Colleen Dewhurst. EEUU, Canadá. 35 mm. VOSE. Color. 103’.

Un profesor despierta tras varios años en coma y descubre que posee poderes extrasensoriales que le permiten conocer el pasado y el futuro.

«El protagonista se gana los galones de héroe trágico porque, a pesar de que puede ver claramente todo lo relacionado con cualquier otro periodo de tiempo, es incapaz de estar atento a su propia narrativa. Los cuatro años y medio que pasa desconectado del mundo son atroces, pero su despertar no supone una alternativa particularmente optimista. La “zona muerta” del título se refiere a la parte de sus visiones que el protagonista no es capaz de ver con claridad; con el tiempo se da cuenta que esa es precisamente la parte que puede cambiar. Al final, la auténtica “zona muerta” es su propia vida, que no puede ni comprender ni cambiar». (Eric Henderson).

 

Domingo 2 de octubre


17:00 · Sala 1 · 
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Cabra marcado para morrer (Eduardo Coutinho, 1984). Brasil. DCP. VOSE. Color y B/N. 119’. Copia restaurada.

A principios de los 60, Eduardo Coutinho empezó a rodar un documental sobre el asesinato de un líder campesino en el norte de Brasil, pero tuvo que detenerlo cuando se produjo el golpe de estado de 1964. Diecisiete años después, Coutinho regresó al mismo lugar en busca de los supervivientes de la tragedia.

«La yuxtaposición de una familia desgarrada por el golpe y una película interrumpida dieron lugar al choque creativo del arte y la vida, mostrando una lucha obstinada contra el olvido. Elizabeth (viuda de Pedro Teixeira, líder campesino asesinado) y Eduardo Coutinho reactualizaron de corazón un momento mágico en el que cine y política caminaron juntos, equivocándose y acertando, pero sobre todo repartiendo una generosidad olvidada». (José Mário Ortiz Ramos).

Presentación a cargo de Adriana Cursino, documentalista e investigadora (Universidad Carlos III de Madrid).

Duración total aproximada de la sesión: 140’.

Segunda proyección el J20 de octubre a las 19.30 h. 


20:00 · Sala 2 ·
David Cronenberg. Aberraciones de la carne

La mosca (The Fly, David Cronenberg, 1986). Int.: Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushel. Estados Unidos. 35 mm. VOSE. Color. 103’.

Un científico crea una máquina de teletransporte y, al testarla consigo mismo, sus moléculas se fusionan con las de un pasajero inesperado.

«Para mí la película es una metáfora sobre el envejecimiento, un compendio de toda historia de amor que llega hasta el final de la vida de uno de los dos amantes. […] No soy completamente cínico. Ni creo ser pesimista. Pero la realidad es innegable, especialmente si no crees en una vida futura: una en la que caminaríamos de la mano a través de las nubes. Toda historia de amor ha de terminar trágicamente. […] Todo amante es joven, aunque tenga sesenta años. Los ancianos no se consideran viejos. No existen las personas viejas. Existen personas que se han echado a perder por el dolor y la enfermedad, pero realmente no existen las personas viejas. Cuando alguien de ochenta años muere, es la muerte de una persona joven. Yo lo veo así». (David Cronenberg).


21:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Un lugar en el sol (A Place in the Sun, George Stevens, 1951). Int.: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Shelley Winters, Anne Revere, Raymond Burr, Fred Clark. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 122’. Copia restaurada por Paramount.

Un joven sin medios se ve inmerso en el mundo la alta sociedad cuando recibe una oferta laboral de un familiar rico. Todo se complica cuando empieza a relacionar con dos mujeres, una compañera de la fábrica en la que trabaja y una rica dama de sociedad.

«Lo cierto es que, en 1951, Un lugar en el sol fue alabada por ser un relato arrebatador y emocional en vez de por su capacidad de hacerse preguntas difíciles sobre moralidad y culpa sin ofrecer respuestas fáciles. La película ofrece un desolador y honesto retrato de la ambición ciega, de la promesa del sueño americano y del futil esfuerzo que supone ascender socialmente cuando la escalera está amañada. Independientemente de si consideramos su estilo melodramático o no, se trata de temas que son tan relevantes en nuestro mundo tanto como lo eran en el de los años 50. Si Un lugar en el sol se adelantó a su tiempo, es posible que también se adelantase al nuestro». (Anna Swanson).

 

Martes 4 de octubre

 

19:00 · Sala 2 · David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Fast Company (David Cronenberg, 1979). Int.: Claudia Jennings, William Smith, John Saxon, Nicholas Campbell. Canadá. 35 mm. VOSS/E. Color. 91’.

Mientras tratan de superar una serie de carreras por todo Estados Unidos, un grupo de pilotos de dragsters debe enfrentarse a la corporación multinacional que trata de controlarlos.

«Esta película canadiense de 1979, que nunca se estrenó en EEUU, muestra a Cronenberg trabajando en territorios lejos de sus formulas habituales, aunque todavía dentro del marco del cine más comercial. Es algo así como las películas de carreras de Roger Corman […] Lo que le da el toque Cronenberg, a pesar de la total ausencia de sus temas comunes, es la forma en que rueda a los coches: al igual que las espantosas aberraciones que dominan usualmente su cine, los bolidos se convierten en una proyección física de las energías hostiles de sus dueños, armas que usan para expresar los conflictos psicológicos que les torturan fuera de la pista». (Dave Kehr).

Sesión gratuita hasta completar el aforo.

 

Miércoles 5 de octubre


19:00 · Sala 2 ·
Claire Denis. Cuerpos en tensión

Man No Run (Claire Denis, 1989). Francia. 35 mm. VOSE. Color. 92’.

Filmación de la gira que el grupo de música camerunés Les Têtes Brulees hizo por Francia a finales de los años 80, cuando la banda se había convertido en una sensación al combinar los sonidos tradicionales bikutsi con guitarras eléctricas.

«Los personajes de Denis no son muy expresivos en cuanto a diálogo, pero sus cuerpos, cómo se colocan en el espacio o sus gestos y movimientos, incluso cuando se muestran de forma ocasional o muy estilizada, ofrecen mucha información. Al mismo tiempo, su existencia está siempre marcada por la sensación, más o menos marcada, de estar fuera de lugar. […] Para la banda africana que recorre Europa en el cómico documental Man No Run, el viaje, puntuado por aburridos periodos de conducción e impersonales habitaciones de hotel, es en parte una experiencia llena de extrañamiento y nostalgia del hogar». (Martine Beugnet)

Sesión gratuita hasta completar aforo.

 

Jueves 6 de octubre


19:00 · Sala 1 ·
Día del Cine Español

Canciones para después de una guerra (Basilio Martín Patino, 1976). España. DCP. Color y B/N. 104’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

Mediante el montaje de canciones populares de la época y materiales tan diversos como fotografías, documentos del NO-DO y fragmentos de películas, Canciones para después de una guerra recorre la España de los primeros años de la dictadura de Franco.

«Una película sobre la cultura o subcultura de unos años trágicos, patéticos, y que conviene no olvidar. Un film-recuerdo, en el que la objetividad de lo que se nos muestra y se nos hace oir se complementa y adquiere su verdadero sentido con la subjetividad con que esto (lo visto, lo oído) ha sido manejado». (César Santos Fontenla).

Sesión gratuita hasta completar el aforo, requiere recoger la invitación en las taquillas del cine Doré, disponibles a partir del sábado 1 de octubre. Antes de la proyección tendrá lugar el acto de celebración del Día del Cine Español, presentado por el actor Aníbal Gómez y en el que actuará la cantante Judeline.

Duración total aproximada de la sesión: 150’.

Segunda proyección el M11 de octubre a las 18.00 h.

 

Viernes 7 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Limite (Mario Peixoto, 1931). Int.: Olga Breno, Tatiana Rey, Raul Schnoor, Brutus Pedreira. Brasil. DCP. B/N. 115’. Copia restaurada por la Cinemateca Brasileira y la Cineteca di Bologna, en colaboración con el World Cinema Project de The Film Foundation, Arquivo Mario Peixoto, Saulo Pereira de Mello y Walter Salles. Restauración financiada por Armani, Cartier, Qatar Airways y Qatar Museum Authority.

La única película rodada por el poeta y escritor Mario Peixoto es una pieza vanguardista y alegórica sobre tres personas que se abandonan al recuerdo en una barca a la deriva. Pese a ser habitualmente considerada una de las mejores películas de la historia del cine brasileño, la degradación de la única copia existente hizo que no pudiera verse durante varias décadas del siglo pasado, convirtiéndose en uno de los mayores mitos de la cinefilia mundial.

«En un momento en el que cineastas como Eisenstein, Murnau, Dreyer o Epstein intentaba destilar la experiencia cinematográfica dentro de su propia especificidad, afirmando su independencia de las otras artes, Mario Peixoto abrazo un grado de impureza e indiferencia hacia los aparentes límites del cine sorprendente. […] ¿Es la vocación del cine la prosa o la poesía? ¿La alegoría existencial o el estudio de personajes? ¿Argumento o abstracción visual? Limite hace que cada una de estas conjunciones sea irrelevante. La combinación de sensibilidad rigurosa con una creatividad ecléctica y sin límites es lo que convierte a la película en un objeto valioso hoy día, revelando un cine que podría haber sido y que aún está por llegar». (Fábio Andrade).

Segunda proyección el X19 de octubre a las 19.30 h.


20:00 · Sala 2 ·
Clásicos como nuevos

Flaming Ears (Ursula Puerrer, Ashley Hans Scheirl y Dietmar Schipek, 1992). Int.: Susana Helmayr, Ursula Puerrer, Ashley Hans Scheirl, Margarete Neumann. Austria. DCP. VOSE. Color. 89’. Copia restaurada por Kinothek Asta Nielsen con la colaboración de HessenFilm.

Las aventuras y desventuras de tres mujeres que viven en una ciudad distópica del año 2700: una dibujante de cómics en busca de venganza, una artista de performance y su amante, una alienígena obsesionada con los reptiles.

«El juego con lo monstruoso y el placer de romper tabús son los pilares del trabajo de Ashley Hans Scheirl y Ursula Pürrer, junto al deseo femenino y el placer del poder. Con humor e ironía, persiguen romper con la tradición al tiempo que se atreven con aspectos proscritos de la identidad femenina. A medio camino entre el cine de terror y la tira cómica, entre la película trash y el film underground, entre el porno lésbico y género fantástico, las protagonistas operan fuera de todas las esferas de tradición. Son lascivas y brutales y están a la caza, persiguiendo salvajemente sus deseos». (Elke Schüttelkopf).

Segunda proyección el X26 de octubre a las 20.30 h.


21:00 · Sala 1 ·
Another Way Film Festival

Moby Dick (John Huston, 1956). Int.: Gregory Peck, Richard Basehart, Leo Genn, James Robertson Justice, Harry Andrews, Bernard Miles, Noel Purcell, Friedrich von Ledebur. Reino Unido. 35 mm. VOSE. Color. 116’.

Adaptación del clásico literario de Herman Melville que sigue a un joven que se enrola en un barco ballenero capitaneado por un hombre obsesionado con cazar a una monstruosa ballena blanca.

«Es la más importante declaración de principios que he hecho nunca. Achab es el hombre que odia a Dios y que ve en la ballena blanca el rostro pérfido del creador. Considera al creador como un asesino, y se ve a sí mismo con la misión de matarle. En todas las ilustraciones del libro, Achab aparece como un iluminado. Yo, por el contrario, pienso que se trata de un capitán cualquiera, de un hombre lleno de dignidad y de fuerza, que se rebela con toda su razón razonable contra Dios». (John Huston).

Presentación a cargo de José Félix Collazos, periodista cinematográfico y programador de Another Way Film Festival.

Duración total aproximada de la sesión: 135’.

 

Sábado 8 de octubre

 

17:00 · Sala 1 · David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Spider (David Cronenberg, 2002). Int.: Ralph Fiennes, Miranda Richardson, Gabriel Byrne, Lynn Redgrave, Bradley Hall, John Neville. Canadá, Reino Unido, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 98’.

Durante su estancia en una institución psiquiátrica, un esquizofrénico reconstruye su propio pasado.

«Frente a un modelo de cine de la felicidad que puebla la pantalla con una serie de dudosas apuestas fáciles, Cronenberg apuesta por un cine de la infelicidad cargado de tristeza. Frente a unos relatos que hacen visible los entresijos del guion como forma de justificación de la casualidad, el cineasta canadiense reivindica un cine de lo laberintico, en el que el relato esconde sus redes y hace gala de sus incertezas. Frente a un cine de la exuberancia en el que el diseño de producción parece revivir ciertos paraísos artificiales de consumo, Cronenberg nos invita a penetrar en la miseria, convirtiendo la pobreza en una opción estética a contracorriente. El resultado final es una opción altamente a contracorriente que nos otorga libertad para poder contemplar frontalmente el infierno». (Ángel Quintana).


19:30 · Sala 2 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Cortometrajes brasileños: Vereda tropical + Superoutro

- Vereda tropical (Joaquim Pedro de Andrade, 1980). Int.: Cláudio Cavalcanti, Cristina Aché, Carlos Galhardo. Brasil. DCP. VOSE. Color. 25’.

- Superoutro (Edgar Navarro, 1989). Int.: Bertrand Duarte, Nilda Spencer. Brasil. DCP. VOSE. Color. 46’.

Esta sesión reúne dos cortometrajes brasileños cercanos a lo underground y con una indiscutible voluntad subversiva. Vereda tropical, uno de los últimos trabajos del polifacético Joaquim Pedro de Andrade (famoso por Macunaíma), sigue a un hombre obsesionado eróticamente con las frutas y las verduras; pese a las protestas de Andrade, fue automáticamente prohibida por la dictadura militar. Por su parte, Superoutro, ópera prima de Edgar Navarro, sigue las aventuras de un vagabundo de la ciudad de Salvador que sueña con convertirse en un súperheroe y volar lejos de la miseria.

Duración total de la sesión: 71’.


21:30 · Sala 1 ·
Another Way Film Festival

Tabú (Tabu: A Story of the South Sea, Friedrich Wilhelm Murnau, 1931). Int.: Matahi, Anne Chevalier, Hitu, Bill Bambridge. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 86’. Copia restaurada por la Murnau-Stiftung.

En la isla de Bora Bora, dos jóvenes ven como su amor se convierte en una relación prohibida cuando ella es considerada una virgen sagrada por la tribu.

«La última película de Murnau, probablemente el más grande de todos los directores de cine mudo. Enteramente rodada en los Mares del Sur con un reparto no profesional y una fotografía fabulosa a cargo de Floyd Crosby, la película empezó como una colaboración entre el gran documentalista Robert Flaherty, que mantiene un crédito en el argumento, aunque resulta evidente que el romanticismo alemán de Murnau predomina, especialmente en las poses heroicas de los isleños y en el trabajo de composición, marcado por las diagonales. […] Por muy desfasado que puedan parecer algunos aspectos del idealismo etnográfico de la película, su arrebatadora belleza y destreza la convierten en un visionado indispensable». (Jonathan Rosenbaum).

Presentación a cargo de José Félix Collazos, periodista cinematográfico y programador de Another Way Film Festival.

Duración total aproximada de la sesión: 110’.

 

Domingo 9 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Dios y el diablo en la tierra del sol (Deus e o Diabo na Terra do Sol, Glauber Rocha, 1964). Int.: Geraldo del Rey, Yoná Magalhães, Othon Bastos, Maurício do Valle. Brasil. DCP. VOSE. B/N. 120’. Copia restaurada por Metrópoles y Paloma Cinematográfica a partir de materiales conservados por la Cinemateca Brasileira.

A mediados del siglo XX, una pareja huye hacia los yermos parajes del norte de Brasil tras matar a su despótico jefe. Allí entraran en contacto con los últimos bandidos.

«El Cinema Novo afrontó la tarea de reelaborar las tradiciones populares como trampolín de una crítica de la realidad social, pensada para transformar dicha realidad, de diversas maneras. Dios y el diablo en la tierra del sol es una película clave porque incorpora en su propia estructura las contradicciones del proyecto. Evita cualquier respaldo a lo “popular” como fuente de toda la sabiduría, pero al mismo tiempo desacredita el reduccionismo etnocéntrico que ve la cultura popular como poco más que superstición sin sentido y primitivismo irracional, desbancada por el progreso y el racionalismo burgueses. Adoptando una fórmula didáctica, Dios y el diablo… difumina los trazos de su discurso y, al contrario que el discurso dogmático y “edificante” de la escuela de los “modelos para la acción”, nos desafía con un puñado de agresivos interrogantes». (Ismail Xavier).

Antes de la proyección de Dios y el diablo en la tierra del sol se podrá ver una intervención grabada de Paloma Rocha, supervisora de la restauración de la película.

Duración total de la sesión: 123’.


20:00 · Sala 2 ·
David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Vinieron de dentro de… (Shivers, David Cronenberg, 1975). Int.: Paul Hampton, Joe Silver, Lynn Lowry, Barbara Steele. Canadá. DCP. VOSE. Color. 88’. Copia restaurada por el Toronto International Film Festival.

Un científico siembra el caos en el edificio en el que reside al introducir, usando el cuerpo de una muchacha, un parásito que provoca una insaciable fiebre sexual y asesina.

«Lo normal es pensar que [rodar tu primera película] va a ser uno de los momentos más estimulantes de tu vida: realmente esto va a suceder, pero lo cierto es que yo me sentí invadido por la más profunda melancolía. En ese momento tuve una increíble sensación de pérdida: aquello ya no me pertenecía. Era un acontecimiento de todos, algo compartido. Era un adiós a cierta clase de cine en la que haces de todo, si puedes conseguir que un par de amigos te ayuden. (…) De repente, tenía quince días para aprender cómo se hace una película. No sabía cómo hacer una película, solo sabía de cine». (David Cronenberg).

Antes de la proyección del largometraje se podrá ver el cortometraje The Death of David Cronenberg (David Cronenberg, 2021, DCP).

Duración total de la sesión: 89’.


20:30 · Sala 1 ·
Another Way Film Festival

Robinson Crusoe (Luis Buñuel, 1954). Int.: Dan O’Herlihy, Jaime Fernández, Felipe de Alba, Chel López. México, EEUU. 35 mm. VISE. Color. 89’.

Adaptación de la novela de Daniel Defoe que sigue a un joven de clase acomodada que, tras sobrevivir al naufragio del barco en el que viajaba, se ve obligado a vivir en una isla aparentemente desierta.

«Un vaso de agua, para un neorrealista, es un objeto de cristal que sirve para beber agua y nada más. Pero según el grado de afectividad que pongamos en esa contemplación, por simple compulsión irracional, y por la intervención del subconsciente, ese vaso puede evocar para mi un caballo desbocado, o el recuerdo de mi madre o lo que sea. Eso no quiere decir que me propuse hacer un Robinson “a lo Buñuel”. Creo que, en general, me atuve a los hechos principales del libro». (Luis Buñuel).

Presentación a cargo de José Félix Collazos, periodista cinematográfico y programador de Another Way Film Festival.

Duración total aproximada de la sesión: 110’.

 

Martes 11 de octubre


18:00 · Sala 1 · Mes del archivo

Canciones para después de una guerra (Basilio Martín Patino, 1976). España. DCP. Color y B/N. 104’. Copia restaurada por Filmoteca Española y AC/E.

Mediante el montaje de canciones populares de la época y materiales tan diversos como fotografías, documentos del NO-DO y fragmentos de películas, Canciones para después de una guerra recorre la España de los primeros años de la dictadura de Franco.

«Una película sobre la cultura o subcultura de unos años trágicos, patéticos, y que conviene no olvidar. Un film-recuerdo, en el que la objetividad de lo que se nos muestra y se nos hace oir se complementa y adquiere su verdadero sentido con la subjetividad con que esto (lo visto, lo oído) ha sido manejado». (César Santos Fontenla).

Sesión gratuita hasta completar aforo.


21:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Pechos eternos (Chibusa yo eien nare, Kinuyo Tanaka, 1955). Int.: Yumeji Tsukioka, Ryôji Hayama, Junkicho Orimoto, Hiroko Kawasaki. Japón. DCP. VOSE. B/N. 106’. Copia restaurada por Nikkatsu.

Una mujer trata de conciliar su vocación como poeta con el cuidado de sus hijos y la deteriorada relación con su marido adultero.

«Asombra por su honesto retrato del cuerpo femenino. […] Al final, Pechos eternos destaca por ser una película sorprendentemente feminista realizado dentro de una cultura dominada por los hombres, tanto dentro como fuera de la industria japonesa del cine. Al igual que Ida Lupino, otra actriz que dio el salto a la dirección para hablar de temas controvertidos en sus películas independientes de la etapa de la posguerra, Tanaka demostró que era una directora autosuficiente con una poderosa voz feminista». (Gwendolyn Audrey Foster).

 

Jueves 13 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Los bajos fondos (Les bas-fonds, Jean Renoir, 1936). Int.: Jean Gabin, Suzy Prim, Louis Jouvet, Jany Holt. Francia. DCP. VOSE. B/N. 95’. Copia restaurada por Gaumont a partir de una copia conservada en los archivos fílmicos del Centre national du cinema et de l’image animée.

Un barón arruinado y un ladrón profesional se mudan a un alberge para vagabundos gobernado por un viejo avaro y poblado por extravagantes personajes.

«Los bajos fondos no es, sin duda, el mejor film francés del autor de El río. No consigue ni el equilibrio de La gran ilusión, ni la poesía de Una partida de campo, ni la suma de todas aquellas calidades que se dan en La regla del juego. Pero puede ser considerado, sin embargo, después de éste último film, como la más interesante realización francesa de Renoir, la más sabrosa y la que mejor revela las más profundas ideas de este director. Basado en una novela de Gorki, mezcla curiosamente los tonos y los géneros. De una historia sombría, realista y dramática, Renoir casi ha hecho un filme cómico, o al menos no se ha privado de cambiar de registro». (André Bazin).


18:00 · Sala 2 · Mes del archivo

Mario Camus en el IIEC:

- Práctica de segundo curso: Mario Camus (Mario Camus, 1959). España. DCP. B/N. 7’.
- La espera (Mario Camus, 1961). Int.: Luisa Muñoz Schneider, Andrés Resino. España. DCP. B/N. 5’.
- La visita (Mario Camus, 1961). Int.: Esmeralda Adam García, María Hevia, Camilo Murillo, Manolo Serrano. España. DCP. B/N. 9’.
- El borracho (Mario Camus, 1962). Int.: Esmeralda Adam García, Sergio Mendizábal, Felipe Martín Puerta, Wifredo Casado. España. DCP. B/N. 19’. Copia de El borracho restaurada por Filmoteca de Cantabria.

Este programa recopila los cuatro cortometrajes rodados por Mario Camus durante su paso por el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (más tarde conocido como Escuela Oficial de Cinematografía). Las tres primeras piezas, que nunca fueron sonorizadas (como era habitual en los trabajos de segundo año), han sido recientemente digitalizadas, mientras que El borracho, la práctica con la que Camus se diplomó, ha sido digitalizada y restaurada.

Presentación a cargo de Antonio Navarro, director de Filmoteca de Cantabria. Duración total aproximada de la sesión: 60’


20:30 · Sala 1 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Fieras humanas (Selva trágica, Roberto Farias, 1964). Int.: Reginaldo Faria, Rejane Medeiros, Aurélio Teixeira, Maurício do Valle. Brasil. DCP. VOSE. B/N. 104’. Copia restaurada por Cinelimite.

Un joven se gana la vida robando en las plantaciones de yerba mate de una gran compañía brasileña. Cuando la compañía le descubre, el joven acaba trabajando para ellos en condiciones de esclavitud para pagar su deuda. Cuando conoce a una joven en una situación similar, ambos empiezan a diseñar un plan de huida. La película, adaptación de la novela homónima de Hernâni Donato, es paradigmática de la primera etapa de la corriente artística conocida como Cinema Novo.

 

Viernes 14 de octubre


18:00 · Sala 1 ·
Mes del archivo

Viva la muerte (Fernando Arrabal, 1971). Int.: Anouk Ferjac, Núria Espert, Mahdi Chaouch, Ivan Henriques, Víctor García. Francia. DCP. VOSE. Color y B/N. 90’. Copia restaurada por la Cinémathèque de Toulouse.

Al poco de terminar la guerra civil española, un niño empieza a sospechar que su madre puede haber jugado algún papel en la detención de su padre, acusado de rojo por los franquistas.

«El estreno de Viva la muerte es un triunfo de la joven democracia española y una prueba de la vitalidad del pueblo español. […] Ir a España siempre es una fiesta. España es el país más libertario del mundo. He comprobado que presenciar por primera vez Viva la muerte es un gran momento de emoción. Hace nueve años que se estrenó en Francia, con muchos problemas, ya que fue seleccionada para el Festival de Cannes y la Embajada de España presionó para que no se exhibiera. Recuerdo que coincidió con el nacimiento de mi hija, y le dije al ministro francés de Cultura que no podía cortar ninguna escena, porque me iba a sentir avergonzado ante mi hija. […] Sartre me dijo una vez que cuando la película se pusiera en España ese sería el día de la libertad». (Fernando Arrabal, en 1980).

Presentación a cargo del director, Fernando Arrabal; Albert Serra, cineasta; y Franck Loiret, director de la Cinémathèque de Toulouse. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración total aproximada de la sesión: 150’.


19:30 · Sala 2 ·
David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Rabia (Rabid, David Cronenberg, 1977). Int.: Marilyn Chambers, Joe Silver, Howard Ryshpan, Patricia Gage. Canadá. EEUU. DCP. VOSE. Color. 91’. Copia de Rabia restaurada por Shout! Factory.

Tras un tratamiento experimental de regeneración de la piel, una joven descubre bajo su axila un apéndice fálico sediento de sangre.

«La turbulencia venerea que bullía en la torre de apartamentos de Vinieron de dentro de… se derrama aquí por un neblinoso apocalipsis en Quebec, un paisaje invernal golpeado por una convulsión psicosexual tras otra. La atmósfera de omnipresente crisis nerviosa va acompañada de chistes anárquicos, sangre brillante que brota de una mano enguantada, martillos neumáticos que golpean una limusina o el Santa Claus de un centro comercial desplomado sobre un trono cubierto de balazos. En el centro de todo este torbellino se encuentra el estudio que hace Cronenberg del provocador y extrañamente tierno hieratismo de Marilyn Chambers […] El cine como un prolongado episodio febril, una defensa melancólica de Pandora, un mundo que se ve obligado a familiarizarse con nuevos deseos y nuevas enfermedades». (Fernando F. Croce).

Antes de la proyección del largometraje se podrá ver el cortometraje The Death of David Cronenberg (David Cronenberg, 2021, DCP).

Duración total de la sesión: 92’.


21:30 · Sala 1 ·
Sesión especial

Honor de cavalleria (Albert Serra, 2006). Int.: Lluís Carbó, Lluís Serrat, Albert Pla, Glynn Bruce. España. DCP. VOSE. Color. 103’.

Adaptación muy libre de las aventuras de Don Quijote de la Mancha y su escudero Sancho Panza.

«A pesar de que este verdadero desmontaje del héroe más singular de la literatura española se antoja casi ofensivo, no caben dudas respecto a que hay detrás de la operación un atinado trabajo de reflexión no ya sobre qué significa adaptar un texto clásico, o su virtual imposibilidad, para ser más precisos, sino un cuidadoso discurso cinematográfico hecho desde la más honda tradición de la experimentación, con guiños indisimulables al cine de Robert Bresson, al quietismo poético de Yasujiro Ozu, que Serra reconoce como una de sus influencias mayores, y hasta de Ermanno Olmi y su despojado sentido del realismo. Está rodada en condiciones de luminosidad limítrofes, en ocasiones, con la pura sombra; resultará ofensiva a quienes se acerquen a ella esperando encontrarse con el reconfortante Quijote de siempre; pero para quien esto firma es una de las más arriesgadas, valientes y decididamente marcianas propuestas nacidas del cine catalán en muchos, muchos años». (Casimiro Torreiro).

 

Sábado 15 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos / Filmoteca Junior

El héroe del río (Steamboat Bill, Jr., Charles Reisner y Buster Keaton, 1928). Int.: Buster Keaton, Tom McGuire, Ernest Torrence, Tom Lewis. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 70’. Copia restaurada por The Cohen Media Group.

El capitán de un barco mercante se reencuentra con su hijo, al que no ha visto en años, y descubre que no está en absoluto preparado para la vida del marinero. Sin embargo, cuando se desate una enorme tormenta, el joven tendrá que hacer todo lo posible para salvar a su padre y a la joven que ama.

«No me parece exagerado escribir que en los últimos veinte minutos de El héroe del río se desencadena la mayor sucesión de gags en el cine de Buster Keaton. Por una parte, sus clásicas caídas, volteretas, saltos, piruetas, cabriolas, corvetas, acrobacias, carreras, trepas y malabarismos. Aquí, su lucha contra el viento, el combate que disputa contra la fuerza del aire para poder avanzar, o erguirse, o simplemente moverse es un estricto portento de expresión coporal, de pantomima mostrada con unos planos lo suficientemente alejados para que permitan contemplar su inquebrantable perfección. Por otra parte, las situaciones cómicas que provienen del propio ritmo narrativo, o de la composición visual del plano, o de los efectos del decorado, o de la narración en sentido estricto». (Joan M. Minguet).


19:00 · Sala 2 · David Cronenberg. Aberraciones de la carne

M. Butterfly (David Cronenberg, 1993). Int.: Jeremy Irons, John Lone, Barbara Sukowa, Ian Richardson, Vernon Dobtcheff. Estados Unidos, Canadá. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 101’.

Un diplomático francés se enamora de una cantante de ópera china y, después de veinte años, descubre que ella no es quien dice ser. Adaptación de la obra de teatro homónima de David Henry Hwang.

«”Solo un hombre sabe cómo debería comportarse una mujer”. Esa fue la frase del guion, y antes de la obra, que hizo que quisiera hacer la película; la idea de que la sexualidad femenina es una invención del hombre. La idea de que la sexualidad de cada uno de nosotros es una fantasía acordada que, tanto el hombre como la mujer, creamos para la otra persona. En ciertos aspectos, es algo muy dulce, aunque, en otros, es algo bastante terrorífico porque significa que, en cierto sentido, no hay una realidad de la sexualidad: no existen la masculinidad absoluta ni la femineidad absoluta». (David Cronenberg).


21:30 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Driver (The Driver, Walter Hill, 1978). Int.: Ryan O’Neill, Bruce Dern, Isabelle Adjani, Ronee Blakley, Matt Clark. EEUU. DCP. VOSE. Color. 91’. Copia restaurada por StudioCanal.

El juego del ratón y el gato que se establece entre un hombre que se gana la vida conduciendo el coche de huida en robos, una jugadora profesional que le protege durante una rueda de reconocimiento y el policía obsesionado con capturar al conductor.

«El hieratismo de los personajes nos niega la posibilidad de sondear sus rostros en busca de pistas de lo que ocultan en su interior; al contrario, cualquier intento resbala por la superficie del film. El antecedente artístico de Hill es Robert Bresson, pasado por el tamiz de Jean-Pierre Melville. El metodo de reducción de Bresson nos acerca a lo físico para tomar contacto con lo metafísico, con una puesta en escena estilizada y desdramatizada que llama la atención sobre la superficie de la realidad. Melville marida esta estética con el cine de género estadounidense. […] la monástica quietud de los modelos de Bresson se convierte en una representación de la represión. Siguiendo los pasos de Melville, Hill toma estas estrategias para representar lo metafísico y las aplica a su trabajo con el género». (John Edmond).

 

Domingo 16 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Nostalgia (Nostalghia, Andrei Tarkovski, 1983). Int.: Oleg Yankovskiy, Erland Josephson, Domiziana Giordano, Patrizia Terreno. Italia, URSS. DCP. VOSE. Color y B/N. 125’. Copia restaurada por Cineteca nazionale en colaboración con Rai Cinema.

Un poeta ruso viaja a Italia para investigar sobre la vida de un compositor. Durante el viaje, acompañado solo de una traductora, el poeta empieza a tener un fuerte sentimiento de nostalgia hacia su tierra natal.

«Estoy buscando un principio de montaje que me permita mostrar la lógica subjetiva en lugar de la lógica de lo filmado… mostrar cosas que no tengan que estar necesariamente conectadas de manera lógica. Es el movimiento de las ideas el que permite que se unan interiormente». (Andrei Tarkovski)


19:30 · Sala 2 · Mes del archivo

Home Movie Day

Como en anteriores ocasiones, celebramos el día internacional del cine amateur y casero con una sesión que recupera materiales digitalizados en los últimos años, incluyendo algunos trabajos realizados en el formato de 9.5 mm, que este año cumple 100 años desde su invención.

Duración total aproximada de la sesión: 60’


21:30 · Sala 1 · 
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Cinema, aspirinas e urubus (Mauricio Gomes, 2005). Int.: João Miguel, Peter Ketnath, Maddalena Accioly, Jeane Alves. Brasil. 35 mm. VOSI/E. Color. 99’.

En 1942, un alemán recorre los pueblos de la zona norte de Brasil vendiendo analgésicos. En sus viajes conoce a un vagabundo brasileño y los dos se hacen amigos. Pero, cuando Brasil declara la guerra a Alemania, el vendedor de aspirinas se encuentra ante una encrucijada.

«La película no tiene revelaciones de último minuto ni grandes epifanías: no hay asesinatos ni drama ni sangre en la alfombra. Es, por el contrario, la historia de dos personas corrientes sin motivaciones o lealtades políticas, dos hombres que no están preocupados por la historia, solo por sobrevivir un día más. De vez en cuando, alguno de ellos enciende la radio y la guerra se siente un poco más cerca, pero en su mayoría se trata de una película sobre el tipo de individuos ordinarios que sobreviven a los momentos extraordinarios, más que triunfar en ellos». (Manohla Dargis).

 

Martes 18 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Anatomía de un asesinato (Anatomy of a Murder, Otto Preminger, 1959). Int.: James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, Arthur O’Connell, Eve Arden, George C. Scott, Murray Hamilton, John Qualen. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 161’. Copia restaurada por Sony Pictures.

Un abogado en horas bajas se enfrenta a un complicado caso: demostrar que un hombre de temperamento violento mató al violador de su esposa en un arrebato de locura.

«Escalofriante, irónica y escéptica, es mucho menos respetuosa con la ley que otros filmes judiciales […] El virtuosismo con que está llevada la acción y la tensión de la intriga tiende a crear un clima de ambigüedad moral al servicio del discurso liberal del cineasta: a pesar de todo es mejor absolver a un culpable que condenar a un inocente. Pero al director le interesa menos jugar con los personajes sórdidos de un tenso melodrama judicial, rico en peripecias, artimañas y golpes bajos de toda clase, que realizar una certera radiografía de la América de los 50, sus tabués y sus diferencias sociales». (José de Diego).


21:00 · Sala 1 · Restauraciones del cine ucraniano

The Night Coachman (Nochnoj izvozchik, Georgi Tasin, 1929). Int.: Amvrosi Buchma, Maria Dyusimeter, Karl Tomski, Yuri Shumsky. URSS. DCP. MRR/E. B/N. 55’. Copia restaurada por el Dovzhenko Center.

Un cochero con varios clientes dentro del ejército ruso descubre que su hija se ha unido a los bolcheviques y está protegiendo a un compañero buscado por la justicia por imprimir propaganda.

Proyección con música en directo a cargo del pianista Igor Prokopiuk a partir de una partitura compuesta por el músico Luke Carradine.

 

Miércoles 19 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Restauraciones del cine ucraniano

The White Bird Marked with Black (Bilyy ptakh z chornoyu oznakoyu, Yuri Ilyenko, 1971). Int.: Larisa Kadochnikova, Ivan Mykolaychuk, Bogdan Stupka, Yuriy Mykolaychuk. URSS. DCP. VOSIE. Color. 99’. Copia restaurada por el Dovzhenko Center.

Pese a que cada uno toma caminos diferentes, las vidas de cuatro hermanos músicos se cruzan durante los años en torno a la Segunda Guerra Mundial. El director Yuri Ilyenko, que trabajó como director de fotografía para Sergei Parajanov en Los corceles de fuego, chocó en numerosas ocasiones con el gobierno soviético por la importancia que daba a la identidad ucraniana en sus obras.

«Una brutal, sangrienta y en ocasiones surrealista visión de los eventos de Bukovina en los años de la Segunda Guerra Mundial y la posguerra». (Antonín J. Liehm y Drahomira N. Liem).


19:30 · Sala 2 · Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Limite (Mario Peixoto, 1931). Int.: Olga Breno, Tatiana Rey, Raul Schnoor, Brutus Pedreira. Brasil. DCP. B/N. 115’. Copia restaurada por la Cinemateca Brasileira y la Cineteca di Bologna, en colaboración con el World Cinema Project de The Film Foundation, Arquivo Mario Peixoto, Saulo Pereira de Mello y Walter Salles. Restauración financiada por Armani, Cartier, Qatar Airways y Qatar Museum Authority.

La única película rodada por el poeta y escritor Mario Peixoto es una pieza vanguardista y alegórica sobre tres personas que se abandonan al recuerdo en una barca a la deriva. Pese a ser habitualmente considerada una de las mejores películas de la historia del cine brasileño, la degradación de la única copia existente hizo que no pudiera verse durante varias décadas del siglo pasado, convirtiéndose en uno de los mayores mitos de la cinefilia mundial.

«En un momento en el que cineastas como Eisenstein, Murnau, Dreyer o Epstein intentaba destilar la experiencia cinematográfica dentro de su propia especificidad, afirmando su independencia de las otras artes, Mario Peixoto abrazo un grado de impureza e indiferencia hacia los aparentes límites del cine sorprendente. […] ¿Es la vocación del cine la prosa o la poesía? ¿La alegoría existencial o el estudio de personajes? ¿Argumento o abstracción visual? Limite hace que cada una de estas conjunciones sea irrelevante. La combinación de sensibilidad rigurosa con una creatividad ecléctica y sin límites es lo que convierte a la película en un objeto valioso hoy día, revelando un cine que podría haber sido y que aún está por llegar». (Fábio Andrade).


20:00 · Sala 1 · Mes del archivo

Don Quintín el amargao (Luis Marquina, 1935). Int.: Ana María Custodio, Alfonso Muñoz, Luisita Esteso, Fernando Granada. España. DCP. B/N. 88’. Copia restaurada por Filmoteca Española y el Centro Buñuel Calanda.

Un hombre echa de su casa a su mujer embarazada tras acusarla de haberle sido infiel. Con el tiempo, se arrepiente y empieza a buscar a su hija desaparecida.

«El guion, en colaboración con Eduardo Ugarte, era de Luis Buñuel. Como yo me encargué del montaje de la película, lo leí repetidas veces y me pareció que estaba muy bien construido y perfectamente planificado. Así, se inició el rodaje; Luis Marquina dirigía, Buñuel supervisaba y corregía, y yo montaba. Buñuel era exigente, cosa que me agradaba porque yo también lo era con mi trabajo, de modo que no sucedió ningún incidente. […] Aunque Buñuel no quedó del todo convencido –lo cual era natural dadas sus preferencias-, a mí me pareció que era de lo mejor que se había producido referente a películas costumbristas españolas». (Eduardo García Maroto).

Presentación a cargo de Jordi Xifra, director del Centro Buñuel Calanda.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.

 

Jueves 20 de octubre

 

17:00 · Sala 1 · Mes del archivo

Gigantes y cabezudos (Florián Rey, 1926). Int.: Carmen Viance, José Nieto, Marina Torres, Guillermo Muñoz. España. DCP. B/N. 72’. Copia restaurada por Filmoteca Española y Filmoteca de Zaragoza.

Dos jóvenes compiten por el amor de una mujer. Cuando todo parece estar encauzándose para uno de ellos, recibe la noticia de su movilización para ir a la guerra en Cuba.

«Quinta película dirigida por Florián Rey, y cuarta zarzuela que adapta tras La Revoltosa, La Chavala y Los chicos de la escuela, supone el reencuentro de su realizador con su tierra natal, las tradiciones y el folclore de su pueblo. Siguiendo la línea ya trazada desde su primer film La Revoltosa, Rey somete los materiales de partida de la obra original a una reelaboración en la que introduce pasajes inexistentes en el libreto original y prioriza aquellos que le resultan más útiles para traducir a la pantalla la vertebración musical de la zarzuela». (Joaquín Cánovas Belchí).

Proyección con música en directo a cargo del pianista y compositor Marcos Ortiz. Presentación a cargo de Ana Marquesán, directora de Filmoteca de Zaragoza, y Toña Estévez, responsable de Programación de Filmoteca de Zaragoza.

Duración total aproximada de la sesión: 100’.


19:30 · Sala 2 · 
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Cabra marcado para morrer (Eduardo Coutinho, 1984). Brasil. DCP. VOSE. Color y B/N. 119’. Copia restaurada.

A principios de los 60, Eduardo Coutinho empezó a rodar un documental sobre el asesinato de un líder campesino en el norte de Brasil, pero tuvo que detenerlo cuando se produjo el golpe de estado de 1964. Diecisiete años después, Coutinho regresó al mismo lugar en busca de los supervivientes de la tragedia.

«La yuxtaposición de una familia desgarrada por el golpe y una película interrumpida dieron lugar al choque creativo del arte y la vida, mostrando una lucha obstinada contra el olvido. Elizabeth (viuda de Pedro Teixeira, líder campesino asesinado) y Eduardo Coutinho reactualizaron de corazón un momento mágico en el que cine y política caminaron juntos, equivocándose y acertando, pero sobre todo repartiendo una generosidad olvidada». (José Mário Ortiz Ramos).


21:00 · Sala 1 · Restauraciones del cine ucraniano

Famine 33 (Holod 33, Oles Yanchuk, 1991). Int.: Galina Sulima, Georgiy Morozyuk, Aleksey Gorbunov, Maksim Koval. Ucrania. DCP. VOSIE. Color. 97’. Copia restaurada por el Dovzhenko Center.

Adaptación de la novela Yellow Prince, de Vasyl Barka, que sigue a una familia durante la gran hambruna de 1933, conocida como el “Holocausto ucraniano” y favorecida por el régimen soviético, en la que murieron millones de personas. La película se rodó durante el proceso de independencia de Ucrania.

 

Viernes 21 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Pixote, la ley del más debil (Pixote: A Lei do Mais Fraco, Hector Babenco, 1980). Int.: Fernando Ramos da Silva, Jorge Julião, Gilberto Moura, Edilson Lino. Brasil. DCP. VOSI/E. Color. 128’. Copia restaurada por Cineteca di Bologna y The Film Foundation en los laboratorios de L’Immagine Ritrovata y World Cinema Project en colaboración con JLS Facilitações Sonoras y Cinemateca Brasileira. Restauración financiada por la Hobson/Lucas Family Foundation.

Un niño que ha huido de su casa termina encerrado en un brutal internado. Junto a otros jóvenes en la misma situación, huye de allí y se sumerge en una vida de crimen en las calles de São Paulo.

«La intención original era hacer un documental, pero Babenco comprendió rápidamente que rodar en un reformatorio sería imposible. Conocidos en Brasil como FEBENs, se trataba de lugares brutales y notablemente infradotados en los que se arrojaba periódicamente a los niños callejeros para ocultarlos, al menos temporalmente, de la imagen pública. […] La película es muy gráfica en su representación de la violencia física y sexual. El protagonista, un niño de diez años, logra librarse de los peores abusos que se cometen en el FEBEM, pero Babenco se asegura de que seamos conscientes de que los ha visto, los ha oído y sabe cuáles son sus consecuencias». (Stephanie Dennison).


19:00 · Sala 2 · David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Stereo (Tile 3B of a CAEE Educational Mosaic) (David Cronenberg, 1969). Int.: Ronald Mlodzik, Jack Messinger, Paul Mulholland, Iain Ewing. Canadá. DCP. VOSE. B/N. 65’.

Un grupo de personas se somete a un experimento para establecer la relación entre la telepatía y los comportamientos sexuales.

«Los planos de Stereo, casi todos fijos, están cuidadosamente compuestos, buscando el equilibrio entre las diagonales de las superficies inclinadas y las horizontales, usando de una manera hábil la dura y fría arquitectura brutalista del Scarborough College de la Universidad de Toronto donde se rodó; como ejemplo se pueden citar los planos de sus largos y casi desiertos pasillos con la cámara colocada por debajo de la altura de los ojos humanos para así poder también encuadrar los uniformes y opresivos techos. La voz en off le va dando a Stereo un carácter monótono y distanciado, casi como de documental antropológico, donde no se entendiese lo que se está diciendo por culpa de una jerga excesivamente técnica y al mismo tiempo fuese creíble todo el discurso». (Jorge Gorostiza y Ana Pérez)

Antes de la proyección de Stereo se podrán ver los cortometrajes Transfer (David Cronenberg, 1966, DCP, VOSE) y From the Drain (David Cronenberg, 1967, DCP, VOSE).

Duración total de la sesión: 86’.


21:30 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

F for Fake (Orson Welles, 1973). Francia, Irán, RFA. DCP. VOSE. Color y B/N. 89’. Copia restaurada por la Cinémathèque française, en colaboración con Les Films de l’Astrophore, Documentaire sur grand écran, Cinémathèque suisse y el l’Institut audiovisuel de Monaco.

A partir de diversos casos célebres, este documental construye una reflexión sobre la naturaleza de la verdad y el engaño en la vida y en el arte.

«Que Welles indicase en pantalla que F for Fake es “un film de Orson Welles” ha sido siempre motivo de controversia, ya que gran parte del material fue rodado por François Reichenbach, Pero el extenso y muy personal trabajo de remontaje que hizo Welles con ese material, aparte del que él rodó, sin duda hace que esa polémica resulte irrelevante. Al introducir con honestidad estas dudas, Welles no hace más que reafirmarse en lo que indicaba a “Cahiers du Cinéma en una entrevista en 1958: “en mi estilo, mi visión del cine, el montaje no es solo un aspecto, es el aspecto central… El único momento en el que realmente puedes ejercer tu control sobre la película es en el montaje”». (Joseph McBride).

 

Sábado 22 de octubre


17:00 · Sala 1 · David Cronenberg. Aberraciones de la carne

El almuerzo desnudo (Naked Lunch, David Cronenberg, 1991). Int.: Peter Weller, Judy Davis, Ian Holm, Julian Sands, Roy Scheider, Nicholas Campbell. Reino Unido, Canadá, Japón. 35 mm. VOSE. Color. 115’.

Un exterminador y su mujer se vuelven adictos a la sustancia que él usa para acabar con los insectos. Tras un trágico incidente, el exterminador se ve involucrado en una compleja y surrealista trama de narcóticos.

«El hecho de proponer una metáfora en la que comparas la imaginación con la enfermedad es iluminar determinado aspecto de la imaginación humana que, tal vez, no haya sido percibido o visto así antes. Creo que la imaginación y la creatividad son algo completamente natural y también, en determinadas circunstancias, bastante peligroso. El hecho de que sean peligrosas no significa que no sean necesarias o que haya que reprimirlas. Todo tipo de tiranos perciben esto de la manera más sencilla. La misma existencia de la imaginación significa que puedes propone una existencia diferente a la que estás viviendo. Si estás intentando crear una sociedad represiva en la que la gente se someta a todo aquello que les des, el mero hecho de que pueda imaginarse otra cosa, no necesariamente mejor, tan solo diferente, es una amenaza. Por eso, incluso ya a ese sencillo nivel, la imaginación es algo peligroso». (David Cronenberg).


19:00 · Sala 2 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Películas restauradas de Helena Solberg:

- A entrevista (Helena Solberg, 1966). Brasil. DCP. VOSE. B/N. 19’.

- Meio-dia (Helena Solberg, 1970). Brasil. DCP. VOSE. B/N. 11’.

- From the Ashes… Nicaragua Today (Helena Solberg, 1982). Nicaragua, EEUU. DCP. Color. 60’.

Esta sesión acoge tres piezas dirigidas por Helena Solberg y recientemente restauradas por Cinelimite, una asociación no-gubernamental dedicada a la preservación de cine brasileño. Las tres piezas trabajan en torno a los temas centrales de la obra de Solberg: América Latina y feminismo.

Duración total de la sesión: 90’.


21:30 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Tommy (Ken Russell, 1975). Int.: Roger Daltrey, Ann-Margret, Oliver Reed, Elton John, Paul Nicholas, Tina Turner, Eric Clapton, Keith Moon, Barry Winch, John Entwistle, Robert Powell, Jack Nicholson, Victoria Russell, Pete Townshend. Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 111’. Copia restaurada por Sony Pictures.

Una experiencia traumática lleva a un joven a quedarse sordo, ciego y mudo. Poco después, al descubrir que tiene un talento sin igual para el pinball, se convierte en una celebridad. Adaptación del disco conceptual de The Who.

«Incluso con todo el trabajo de sintetizadores añadido por Pete Townsend para la película, la banda sonora tiene la fiereza de una actuación en directo de The Who, en lugar de la meticulosidad de una composición para cine. Por su lado, la sensibilidad operística de Ken Russell le lleva a tratar de superarse de una escena a otra, pasando de una imagen de mujeres en ropa interior con máscaras de gas a una escena en una iglesia devota de Marilyn Monroe en la que los devotos se dedican a ingerir whisky y somníferos […] Y, aún así, también intenta ofrecer una película real, con interpretaciones basadas en emociones auténticas». (Noel Murray).

 

Domingo 23 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

De cierta manera (Sara Gómez, 1977). Int.: Mario Balmaseda, Yolanda Cuéllar, Mario Limonta, Isaura Mendoza. Cuba. DCP. B/N. 78’. Copia restaurada por Arsenal – Institut für Film und Videokunst.

Retrato documental de la relación sentimental que se establece entre una maestra y un obrero que viven en una barriada de la Cuba de los años 60.

«Una obra fundamental del cine cubano, tanto por su radicalidad estética y política, como por tratarse del único largometraje de Sara Gómez, primera directora del cine cubano. Durante sus escasos 31 años de vida, esta cineasta afrocubana estudió música y etnografía y se formó en la dirección cinematográfica con Agnés Varda, Tomás Gutiérrez Alea, Margarita Alexandre y Julio García Espinosa. Como resultado de aquel aprendizaje, que combinaba el interés por la música y la etnografía con las corrientes pioneras del documental y la ficción del momento, Sara Gómez desarrolló una obra tan breve como coherente. […] Con De cierta manera puso la mirada sobre las diversas facetas de la marginalidad en la Cuba revolucionaria desde la abolición de las fronteras entre ficción y documental». (Sonia García López).


19:30 · Sala 2 · David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Crimes of the Future (David Cronenberg, 1970). Int.: Ronald Mlodzik, Jon Lidolt, Tania Zolty, Jack Messinger. Canadá. B-R. VOSE. Color. 63’.

Un dermatólogo busca una solución a la plaga que, provocada por el uso de un nuevo cosmético, ha acabado con la vida de millones de mujeres.

«Hablo de un mundo en el que no hay mujeres. Los hombres han de absorber la femineidad que ha desaparecido del planeta. No se puede dejar de existir por el hecho de que no haya mujeres. Esto hace que la femineidad aflore más aún, porque esa dualidad y equilibrio son necesarios. La versión definitiva sería que un hombre muriera y resurgiera como mujer y fuera completamente consciente de su vida anterior como hombre. De una forma extraña esta sería una fusión muy física de sus dos mitades». (David Cronenberg).


21:30 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Atrapados (Caught, Max Ophüls, 1949). Int.: James Mason, Barbara Bel Geddes, Robert Ryan, Frank Ferguson. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 88’. Copia restaurada por Paramount.

Una mujer se casa con un millonario. Lo que empieza como un sueño hecho realidad acaba convirtiéndose en una pesadilla según ella va descubriendo que él es un tirano manipulador y sádico.

«En su paso por Hollywood, Max Ophüls sigue explorando el tema esencial de su obra, el deseo irrefrenable de la mujer por ser amada y recibir constantes pruebas de ello, pero disecciona críticamente ese deseo. La distancia entre lo que las heroínas quieren y lo que el encuadre carcelario muestra provoca una visión contrastada de ese laberinto de confusiones. Las heroínas de Carta a una desconocida (1948), Atrapados (1949) y Almas desnudas (1949) no saben distinguir, tampoco, entre su deseo y la realidad, por lo que esa lucidez trágica que hacía oscilar a sus predecesoras europeas de la opresión a la felicidad queda exagerada en aras de un tipo de vivencia amorosa que nunca coincide con la experiencia real». (Núria Bou y Xavier Pérez).

 

Martes 25 de octubre


17:00 · Sala 1 · 
José Luis López Vázquez: Coda

Un millón en la basura (José María Forqué, 1967). Int.: José Luis López Vázquez, Julia Gutiérrez Caba, Juanjo Menéndez, Aurora Redondo, Rafael López Somoza, Guillermo Marín, Carlos Lemos, José Sazatornil 'Saza', José Sacristán. España. 35 mm. B/N. 90’.

Un barrendero se encuentra una importante suma de dinero en un cubo de basura. Su esposa intenta convencerle de que lo devuelva, pero la situación empieza a complicarse.

«Fue una película estupenda. Me acuerdo que nos dimos una paliza enorme… Teníamos que levantarnos muy temprano a regar las calles, íbamos Juanjo Menéndez y yo de regadores. Rodábamos en el centro porque era Navidad, estaba iluminado y tenía más gracia… […] Una mañana, mientras estaban montando un plano en exteriores, aproveché que estábamos junto a casa de un amigo mío, joyero, de la calle de Goya y, para calentarme un poco porque el frío era te-rri-ble, decidí, ataviado con mi humilde atuendo de la película, hacerle una visita. […] la puerta se entreabrió levemente y observé, un instante, el rostro de mi amigo que me espetó de manera escueta “No, no, ya hemos dado” y acto seguido me cerró la puerta en las narices». (José Luis López Vázquez).


19:30 · Sala 1 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Lúcio Flávio, o passageiro da agonia (Hector Babenco, 1977). Int.: Reginaldo Faria, Ana Maria Magalhães, Milton Gonçalves, Paulo César Peréio. Brasil. DCP. VOSE. Color. 118’. Copia restaurada por HB Filmes.

La historia de un ladrón de bancos que pone en jaque a la policía brasileña desenmascarando una trama de corrupción dentro de las fuerzas de seguridad.

«Las películas de Hector Babenco son crónicas de la brutalidad intolerable en la que viven todos esos forajidos y marginados creados por la despiadada miseria que atenaza a los pobres en Brasil. Babenco retrata la lucha por la supervivencia en sus términos más duros, pero al mismo tiempo es capaz de evocar momentos de una exquisita ternura, amor abnegado, honor, lealtad y fortaleza moral». (George Csicsery).

Presentación a cargo de Myra Arnaud Babenco, coordinadora del proyecto de digitalización y restauración de la obra cinematográfica de Hector Babenco.

Duración total aproximada de la sesión: 150’.

 

Miércoles 26 de octubre


17:00 · Sala 1 · 
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

Garrincha – Alegría do povo (Joaquim Pedro de Andrade, 1963). Brasil. DCP. VOSE. B/N. 60’.

Documental que, con la excusa de retratar al jugador Mané Garrincha, analiza el fenómeno del futbol en Brasil, convertido en válvula de escape de los problemas sociales.

«Por primera vez en un documental brasileño, hubo una tentativa consciente de captar algo de la realidad y de la actualidad de nuestra manera de ser, como pueblo y como gente, individual y colectivamente». (Alex Viany).

Antes de la proyección se podrán ver dos videopresentaciones: una de Kleber Mendonça Filho y otra de la Cinemateca Brasileira. Acto seguido tendrá lugar la mesa redonda “El patrimonio cinematográfico de Brasil”, con la participación de Gabriela Trujillo, directora de la Cinémathèque de Grenoble; Anabela Roque, investigadora especialista en cine latinoamericano, periodista y cineasta; Helion Ramalho, productor y guionista brasileño; y moderada por Aline Casagrande, productora y autora.

Duración total aproximada de la sesión: 140'.


20:30 · Sala 2 ·
Clásicos como nuevos

Flaming Ears (Ursula Puerrer, Ashley Hans Scheirl y Dietmar Schipek, 1992). Int.: Susana Helmayr, Ursula Puerrer, Ashley Hans Scheirl, Margarete Neumann. Austria. DCP. VOSE. Color. 89’. Copia restaurada por Kinothek Asta Nielsen con la colaboración de HessenFilm.

Las aventuras y desventuras de tres mujeres que viven en una ciudad distópica del año 2700: una dibujante de cómics en busca de venganza, una artista de performance y su amante, una alienígena obsesionada con los reptiles.

«El juego con lo monstruoso y el placer de romper tabús son los pilares del trabajo de Ashley Hans Scheirl y Ursula Pürrer, junto al deseo femenino y el placer del poder. Con humor e ironía, persiguen romper con la tradición al tiempo que se atreven con aspectos proscritos de la identidad femenina. A medio camino entre el cine de terror y la tira cómica, entre la película trash y el film underground, entre el porno lésbico y género fantástico, las protagonistas operan fuera de todas las esferas de tradición. Son lascivas y brutales y están a la caza, persiguiendo salvajemente sus deseos». (Elke Schüttelkopf).


21:30 · Sala 1 · Mes del archivo

Condenados a vivir (Joaquín Luis Romero Marchent, 1972). Int.: Robert Hundar, Emma Cohen, Alberto Dalbés, Antonio Iranzo, Manuel Tejada, Xan das Bolas, Mabel Karr. España. DCP. Color. 90’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

Un grupo de condenados a cadena perpetua es conducido por un sargento y su hija a trabajar en una mina. Tras un altercado, este explosivo grupo se verá obligado a continuar su camino a pie a través de una feroz montaña nevada. En este inusual wéstern, Romero Marchent se alejó del tono clásico de sus películas más populares (Antes llega la muerte y El sabor de la venganza) para ofrecer un relato de una notable turbiedad moral y una violencia tan gráfica que a ratos parece hermanado con el cine de terror de los 70. Tanto es así que, como reclamo publicitario para su estreno en Estados Unidos (donde se ha convertido en obra de culto), la distribuidora ofrecía a los espectadores una “máscara del terror”, pensada para que los más impresionables se tapasen el rostro en los momentos sangrientos.

 

Jueves 27 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

A hora da estrela (Suzana Amaral, 1985). Int.: Marcelia Cartaxo, José Dumont, Tamara Taxman, Fernanda Montenegro. Brasil. DCP. VOSE. Color. 96’. Copia restaurada por el Centro de Pesquisadores do Cinema Brasileiro (CPCB).

Partiendo de la novela hómonima de Clarice Lispector, la película narra la historia de una joven que se muda de su pueblo a São Paulo después de la muerte de su tía.

«En su adaptación para el cine, A hora da estrela pierde el narrador-personaje de la novela, dejando en su lugar que la imagen y el sonido introduzcan a la protagonista. La Macabéa de la película no está atada a la mediación del narrador, así que puede actuar directamente. En la pantalla, el personaje adquiere una voz propia, a pesar de tener menos tiempo de exposición, y como no hay interferencias de ningún tipo podemos observar su existencia, marcada por la precariedad y la pasividad. Convertida en imágenes gracias a la mirada de Suzana Amaral, la opacidad e incompetencia de Macabéa se torna poética y lúdica». (Gleyda Cordeiro).

Presentación a cargo de Aline Casagrande, autora del libro sobre Clarice Lispector, 'Yo, Clarice'.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.


20:00 · Sala 1 ·
Mes del archivo

Nueve cartas a Berta (Basilio Martín Patino, 1966). Int.: Emilio Gutiérrez Caba, Montserrat Blanch, Elsa Baeza, Mary Carrillo, Antonio Casas, José María Casaux, Manuel Domínguez Luna, María Elena Flores,. España. DCP. B/N. 90’. Copia restaurada por Filmoteca Española y Filmoteca de Castilla y León.

Tras pasar unos días en el extranjero, un joven regresa a su Salamanca natal y a la rutina de su vida universitaria. Sin embargo, no puede dejar de pensar en Berta, la hija de un intelectual exiliado que conoció durante su viaje.

«Este proyecto de película no abriga pretensión alguna moralizante y rechaza absolutamente como su objeto cualquier complacencia en lastimar a nadie. Por el contrario, en su pequeña medida no intenta más que indagar un poco en el porqué de algunas actitudes “difíciles”; esclarecer, si es posible, ciertas formas de incomprensión y de esterilidad en el concreto engranaje de nuestra convivencia. […] no partimos de otro objetivo que el de aportar un poco de luz en el estudio de las particulares relaciones humanas que se afrontan; ni otro condicionamiento, por lo menos también en el deseo, que el de la más sincera objetividad». (Basilio Martín Patino).

Presentación a cargo del actor Emilio Gutiérrez Caba.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.


21:30 · Sala 2 ·
David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Videodrome (David Cronenberg, 1983). Int.: James Woods, Sonja Smits, Deborah Harry, Peter Dvorsky. Canadá. DCP. VOSE. Color. 89’. Copia restaurada por Arrow Films, la versión que se proyectará es la conocida como el “montaje del director”.

El director de una pequeña cadena de televisión especializada en pornografía y violencia se obsesiona con un programa de contenido extremo, hasta el punto de que su propio cuerpo comienza a mutar.

«Con Videodrome, Cronenberg intentó algo nuevo que más tarde retomó con ciertos cambios en El almuerzo desnudo: una película que se desliza, sin avisar, dentro de las alucinaciones del protagonista. Sin embargo, a diferencia de su fusión con Burroughs, Videodrome prácticamente abandona a los 40 minutos una compleja y fascinante trama de conspiración en favor de un punto de vista en primera persona, del que jamás saldrá. A medida que el protagonista empieza a perder todo sentido de la realidad o la capacidad para controlar la situación, la película se va desintegrando deliberadamente a la vez que su confuso protagonista». (Chris Rodley).

Antes de la proyección del largometraje se podrá ver el cortometraje The Death of David Cronenberg (David Cronenberg, 2021, DCP).

Duración total de la sesión: 90’.

 

Viernes 28 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Festival Cine por Mujeres Madrid

Cine mudo dirigido por mujeres: Estados Unidos, Europa, América Latina y Asia

Dos cortometrajes cómicos de la cineasta Alice Guy Blaché, la primera directora conocida de la historia del cine. Las dos piezas servirán de acompañamiento a la conferencia de Jane Gaines, profesora de Cine en la Columbia University y comisaria del ciclo “Cine mudo dirigido por mujeres: Estados Unidos, Europa, América Latina y Asia”, en la que presentará el Women Film Pioneers Project.

Antes de la proyección de las películas tendrá lugar una presentación de cargo de Carlota Álvarez Basso, directora del Festival Cine por Mujeres Madrid, y María Luque, responsable de Asuntos Culturales de la Fundación Consejo España-EEUU; y una conferencia a cargo de la comisaria de la sesión, Jane Gaines.

Duración total aproximada de la sesión: 105’.


19:30 · Sala 2 ·
«Sala:B»

«Sala:B» y Jack Taylor:

- El buque maldito (Amando de Ossorio, 1974). Int.: Maria Perschy, Jack Taylor, Carlos Lemos, Bárbara Rey. España. 35 mm. Color. 106’.

- El juego del diablo (Jorge Darnell, 1975). Int.: Inma de Santis, María del Puy, Luis Prendes, Jack Taylor. España. 35 mm. Color. 90’.

«Llega Halloween y «Sala:B» abre sus puertas a todos los demonios, con la protección de un veterano en la lucha del bien contra el mal: el gran Jack Taylor.
 
Uno de las presencias más carismáticas del cine de género español y europeo, Jack Taylor (George Brown Randall, 1936) viene a presentarnos dos títulos terroríficos de su larga y aún activa carrera. Este programa doble homenajea a este actor estadounidense afincado en España y además salda una cuenta pendiente con Amando de Ossorio, director coruñés de culto que «Sala:B» debía incluir en su lista de favoritos. Taylor y Ossorio trabajaron juntos en cuatro películas, la primera en 1964 y la última en 1984, siendo El buque maldito de las más celebradas. Se trata de la tercera entrega de la tetralogía de los Templarios, la saga de fantaterror español más icónica y reconocida en todo el mundo. Que nadie se preocupe si no ha visto las anteriores, La noche del terror ciego (1971) o El ataque de los muertos sin ojos (1973), Ossorio las planteó como películas independientes sin otra continuidad que las siniestras apariciones de estos monstruos de su creación: un grupo de caballeros templarios condenados, muertos vivientes –e invidentes– que reclaman venganza desde los tiempos de la Inquisición. En El buque maldito, Taylor, Bárbara Rey y María Perschy se enfrentan a estos cruzados en un galeón errante que sintetiza perfectamente la idea de aquella España tardofranquista que se descomponía frente a la modernidad. Las lecturas políticas de la saga templaria solo resultaron opacas para la ceguera mental de los censores.
 
En El juego del diablo, Jack Taylor está del lado de la ciencia que intenta explicar el mito de la posesión diabólica, en una de las primeras exploitations mediterráneas de El exorcista. Producida por Antonio Cuevas, uno de los participantes del llamado cine de la Tercera Vía, y dirigida por el argentino Jorge Darnell, esta desconocida incursión en el subgénero satánico no debe ser confundida con otras grotescas revisiones del clásico de Friedkin. Inma de Santis añade inocencia y fragilidad al personaje que interpretó Linda Blair, y Darnell prefiere las imágenes inquietantes –y polanskianas– a la truculencia y los vómitos. Una de esas imágenes, con un José Lifante pesadillesco en el Museo de Cera de Madrid, remite a varios críticos al Hombre Alto de Angus Scrimm» (Álex Mendíbil).
 
Presentación a cargo del actor Jack Taylor y Álex Mendíbil
, comisario de «Sala:B».

Duración total aproximada de la sesión: 220’.


21:30 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Los 400 golpes (Les quatre cents coups, François Truffaut, 1959). Int.: Jean-Pierre Léaud, Albert Rémy, Claire Maurier, Guy Decomble. Francia. DCP. VOSE. B/N. 92’. Copia restaurada por MK2 con la colaboración de OCS y el Centre national du cinéma et de l'image animé.

Un colegial con una pésima relación con su familia abandona la escuela y se entrega a una vida de pequeños delitos y vagabundeos por la calle.

«La adolescencia es un estado reconocido por los educadores y los sociólogos, pero negado por la familia, por los padres. De acuerdo con el lenguaje de los especialistas, yo diría que el destete afectivo, el despertar de la pubertad, el deseo de independencia y el sentimiento de inferioridad son los signos característicos de este periodo. Cualquier desconcierto lleva a la rebelión, y a esta crisis se la llama precisamente “juvenil”. El mundo es injusto; es necesario espabilarse y por eso se dan “los cuatrocientos golpes”». (François Truffaut).



Sábado 29 de octubre

 

17:00 · Sala 1 · Festival Cine por Mujeres Madrid

Hara-Kiri (Marie-Louise Iribe y Henri Baudin, 1928). Int. : Marie-Louise Iribe, Constant Rémy, André Berley, Liao Szi-yen. Francia. 35 mm. MRF/E. B/N. 93’.

Una mujer europea casada con un diplomático japonés se enamora de un príncipe. Su historia de amor se torna trágica cuando él viaja a los Alpes.

«Nacida en París y sobrina del diseñador Paul Iribe, Marie-Louise Iribe fue una popular actriz de teatro que hizo su debut interpretativo en el cine en 1913, trabajando para Jacques Feyder y Jean Renoir, entre otros. A finales de los años 20 fundó su propia productora, llamada Les Artistes Réunis. Hara-Kiri, que en ocasiones aparece como codirigida por Iribe y Henri Debain, fue su primer trabajo como directora. Murió con 39 años en 1934. A pesar de no haber sido tan prolífica como Germaine Dulac o Marie Epstein, la breve carrera de Iribe y su implicación en la historia del cine francés de los años 20 está pidiendo a gritos ser objeto de atención por parte de los académicos». (Jane Gaines).

Presentación a cargo de Jane Gaines, comisaria de la sesión.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.


20:00 · Sala 1 ·
David Cronenberg. Aberraciones de la carne

Crímenes del futuro (Crimes of the Future, David Cronenberg, 2022). Int.: Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman. Canadá, Reino Unido, Grecia. DCP. VOSE. Color. 107’.

Un misterioso grupo cuyo objetivo es descubrir el siguiente paso en la evolución del ser humano comienza a interesarse por las actividades de un artista que convierte las mutaciones de su cuerpo en representaciones artísticas.

«Dada la familiaridad de los dones formales y las preocupaciones temáticas de Cronenberg, es mejor ignorar los rumores que acompañaron al reciente pase de la película en el Festival de Cannes, esto es, que iba a horrorizar y escandalizar al público de una forma similar a Crash, otro escándalo típico de Cannes firmado por Cronenberg. Sin duda hay aquí material suficiente para que un espectador poco avisado salte de su butaca y corra hacia la salida […] Pero Cronenberg, como ha demostrado película tras película, no tiene ningún interés en los sobresaltos baratos y la violencia gratuita. Si Crímenes del futuro es algo así como un slasher, es uno en el que cada cuchillada va cargada de intención y elegancia y cada chorro de sangre conlleva una recompensa intelectual». (Justin Chang)

Antes de la proyección de Crímenes del futuro se podrá ver el cortometraje The Death of David Cronenberg (David Cronenberg, 2021, DCP). Duración total de la sesión: 108’


21:30 · Sala 2 · 
Hitos del cine brasileño según Kleber Mendonça Filho

A praga (José Mojica Marins, 1980). Int. : Felipe, Silvia Gless, Wansa Kosmo. Brasil. DCP. VOSE. Color. 51’. Copia restaurada por Heco Produções.

Tras recibir la maldición de una bruja, un joven comienza a sufrir terribles pesadillas y va volviéndose progresivamente más violento. A praga es la única película dentro de la filmografía del cineasta especializado en terror y fantástico José Mojica Marins que se consideraba perdida, hasta que en 2007 se encontraron los negativos de Super-8 mientras se investigaban otros materiales para organizar una retrospectiva completa de su obra. Mediante un largo proceso de digitalización, doblaje y rodaje de nuevas escenas, Marins y el productor Eugenio Puppo pudieron finalmente completar la película.

Antes de la proyección de A praga se podrá ver el documental Mojica’s Last Curse (Cédric Fanti, Eugenio Puppo, Matheus Sundfeld y Pedro Junqueira, 2021, DCP, VOSE).

Duración total de la sesión: 75’.

 

Domingo 30 de octubre


17:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

Häxan (Benjamin Christensen, 1922). Int.: Benjamin Christensen, Elizabeth Christensen, Maren Pedersen, Clara Pontoppidan. Suecia, Dinamarca. DCP. MRI/E. B/N. 81’. Copia restaurada por el Swedish Film Institute.

Ensayo fílmico que recorre la historia de la brujería desde la Edad Media hasta los principios del siglo XX, incidiendo particularmente en los mecanismos de represión utilizados contra mujeres cuyos comportamientos se consideraban “inadecuados”.

«Al igual que el terror folk que la sucedería, Häxan no ofrece una posición fácil para el espectador. Se nos ofrece el lugar del mirón, invitados a disfrutar de los grotescos espectáculos de la choza de la bruja y el desenfreno del Sabbath. Al mismo tiempo, se nos anima a sentir empatía por los empobrecidos y maltratados. La película despierta sensaciones de horror y asco, pero también pena y humor. […] Al otorgar complejidad al ancestral estereotipo de la bruja malvada, Benjamin Christensen no solo inauguró una tradición de continua reinvención de dicha figura en el cine de terror, sino que también ofreció una representación ambigua del poder femenino y la victimización que sigue siendo efectiva hoy en día». (Chloé Germaine Buckley).


19:30 · Sala 2 · Festival Cine por Mujeres Madrid

‘A santanotte (Elvira Notari, 1922). Int.: Eduardo Notari, Rosé Angione, Antonio Palmieri, Elisa Cava. Italia. DCP. MRI/E. B/N. 90’. Copia restaurada por George Eastman House y L’Immagine Ritrovata.

La historia de una joven explotada por su padre, un hombre brutal que se mantiene esquilmando el salario que ella consigue como camarera.

«Directora, actriz, guionista, productora y distribuidora, la figura de Elvira Notari es celebrada hoy en día como la primera y más prolífica directora italiana. […] Está largamente aceptado que las películas de Notari no recibieron el permiso de exhibición por parte de las autoridades censoras de Roma, lo que llevó a que entrasen en los Estados Unidos de contrabando; allí fueron bastante populares, como se puede comprobar en varios anuncios. Sin embargo, algunos documentos encontrados en los archivos del estado de Nueva York indican que la productora de Notari se encontró con los mismos problemas allí. Los informes indican que las escenas violentas de ‘A santanotte, en las que el padre golpea a su hija y la arrastra por el pelo, debían ser eliminadas porque eran “inhumanas e incitaban al crimen”». (Kim Tomadjoglou).


20:30 · Sala 1 · Clásicos como nuevos

Drácula de Bram Stoker (Bram Stoker’s Dracula, Francis Ford Coppola, 1992). Int.: Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, Richard E. Grant, Cary Elwes, Sadie Frost, Tom Waits, Monica Bellucci, Billy Campbell. Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 128’. Copia restaurada por Sony Pictures.

Adaptación de la popular novela de Bram Stoker, particularmente fiel al texto original, que sigue las desventuras de un grupo de personajes que se ven envueltos en las maquinaciones de un misterioso conde.

«Le dije al estudio que si tenía diez dólares quería gastar siete en los trajes y tres en decorados. Para mí el vestuario es algo sensual. La tela con hermosos bordados, por ejemplo, puede ser tremendamente erótica. Aunque en esto yo iba contracorriente. En Hollywood hay un modo estándar de fabricar películas; es una especie de producción en cadena. Cuando un estudio te encarga un film, te adjudica el equipo técnico, que incluye un director de fotografía, un diseñador de decorados, etc. Y cuando te llegan vienen de trabajar en Hook y cuando acaban se marchan a trabajar en Toys. Más o menos tienes que contentarte con lo que te den. Y aquí estaba yo hablando de un vestuario nada usual, decorados prácticamente minimalistas y sin usar la socorrida pantalla azul durante la filmación. Y no es que el equipo técnico estuviera descontento de trabajar conmigo, pero yo comentaba mis ideas y al día siguiente me traían algo totalmente opuesto, en el estilo de lo que siempre se hace en Hollywood». (Francis Ford Coppola)



 

LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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