Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 15/11/2022 hasta el 11/12/2022
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

 

PROGRAMA

 

 

NOVIEMBRE DE 2022

 

"En noviembre llega al Doré un nuevo ciclo diseñado en colaboración con el Museo Reina Sofía, en este caso centrado en el cine dirigido por mujeres cineastas en los países de la órbita soviética durante la segunda mitad del siglo XX. Además, dedicamos una retrospectiva completa al estadounidense James Gray (que acudirá al Doré a presentar su último trabajo y hablar con el público); celebramos los cien años del nacimiento de María Casares; acogemos la retrospectiva que el Festival Márgenes dedica a la francesa Patricia Mazuy; indagamos en la relación entre el cine y otras disciplinas artísticas en un ciclo diseñado conjuntamente con la Academia de Bellas Artes de San Fernando; y mucho, mucho más".

 

Martes 15 de noviembre


17:30 · Sala 1 ·
Las bellas artes en el cine

Ensayo de orquesta (Prova d'orchestra, Federico Fellini, 1978). Int.: Balduin Baas, Clara Colosimo, Elizabeth Labi, Ronaldo Bonacchi. Italia, RFA. DCP. VOSE. Color. 72’.

Una orquesta se reúne un antiguo sepulcro convertido en auditorio para ensayar su próximo concierto, pero la presencia de un equipo de televisión enciende las iras de los músicos.

«El film se va haciendo como un concierto, según se van incorporando los instrumentos, y por ello no tiene banda sonora propiamente dicha hasta que se empieza a ensayar, bajo la batuta del director. Es comparable a lo que sucede en El jeque blanco, cuando el director de fotografía de la fotonovela da órdenes desde lo alto de la plataforma como si dirigiera una orquesta y a la vez disparara: sólo entonces la música cobra vida. Al principio hay sonidos parciales, aislados, de cada instrumento, pero como caracterización de los personajes y sus relaciones, no de la obra de Fellini. Y suelen sufrir contrapuntos carnavalescos y rebajantes de los discursos verbales y poéticos de los músicos sobre el propio instrumento –la opción metaforica musical de Fellini es el leitmotiv de toda la película- van avanzando, la obra musical, como la propia película, cobra forma y cuerpo». (Pilar Pedraza y Juan López Gandía).

Presentación a cargo de Tomás Marco, director de la Real Academia de Bella Artes de San Fernando, y Fernando Lara, coordinador del ciclo.

Duración total aproximada de la sesión: 100’.


20:30 · Sala 1 · 
James Gray. Lazos de sangre

Armageddon Time (James Gray, 2022). Int.: Anne Hathaway, Jeremy Strong, Banks Repeta, Anthony Hopkins, Jessica Chastain, Jaylin Webb. EEUU, Brasil. DCP. VOSE. Color. 115’.

Retrato de la vida de un niño en el Nueva York de los años 80, desde sus problemas en la escuela hasta sus relaciones familiares.

«Una película sobre crecer en Queens en los años 80; sobre padres que quieren lo mejor para sus hijos, aunque a veces sea a costa de los hijos de otros padres; sobre las cosas que un adulto puede decir que, sin darse cuenta, destrozan a un niño. Es sobre una época y un lugar (una casa, un vecindario, una ciudad, un país) en las que la gente se encuentra en encrucijadas morales incluso cuando están haciendo la cena o sentados en un pupitre escolar o pasando el rato con su adorado abuelo. La idea central, quizá, es que las encrucijadas morales son los pequeños momentos». (Stephanie Zacharek).

Presentación a cargo del director, James Gray. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración total aproximada de la sesión: 180’.

 

Miércoles 16 de noviembre


17:30 · Sala 1 · María Casares. Una estrella en el exilio

Los niños del paraíso (Les enfants du paradis, Marcel Carné, 1945). Int.: Arletty, Jean-Louis Barrault, Pierre Brasseur, María Casares, Pierre Renoir, Marcel Herrand, Louis Salou, Gérard Blain. Francia. DCP. VOSE. B/N. 190’.

La historia de una actriz y sus cuatro pretendientes, todos inmersos en el mundo del espectáculo del París de principios del siglo XIX.

«Marca la culminación de la Edad de Oro del cine francés. Nunca más la cinematografía francesa volvería a producir una película tan descaradamente culta y fastuosa. Entre los filmes de ficción posteriores a la guerra, sigue sin haber sido superada en lo que respecta a la calidad de la interpretación de sus estrellas y la riqueza de su trama, psicología y reconstrucción del periodo. Los franceses consideran a Marcel Carné un tesoro nacional por las seis películas que dirigió entre 1937 y 1945, pero su reputación internacional proviene de Los niños del paraíso. Hasta el improbable día en que los espectadores de cine no estén interesados en un alarde impecable de exaltada forma y fondo, Los niños del paraíso seguirá teniendo una posición privilegiada entre las obras maestras del cine». (Edward Baron Turk).

Segunda proyección el S26 a las 19.30 h.


21:30 · Sala 1 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

While Shooting a Film (Kur po Xhirohej një film, Xhanfize Keko, 1981). Int.: Gentian Basha, Violetta Dede, Viktor Zhusti, Marieta Ljarja. Albania. DCP. VOSE. B/N. 64’.

Durante el rodaje de una película de época, una pareja recientemente divorciada se ve obligada a enfrentarse el uno al otro de nuevo. Su hijo, actor en la película, observa el choque soñando con que vuelvan a estar juntos.

«Aborda el escasamente explorado tema del divorcio, considerado tabú en la época por la mirada negativa que se consideraba que podía ofrecer de las sociedades socialistas. […] La directora, Xhanfise Keko, que rodó once largometrajes entre los años 70 y 80, en muchos casos centrados en la vida y la perspectiva de los niños, fue una de las pocas cineastas de este periodo que consiguió exhibir sus películas más allá de las fronteras de su país». (Dorota Lech).

Segunda proyección en diciembre.

 

Jueves 17 de noviembre


18:00 · Sala 1 · 
Sesión especial

Nueve cartas a Berta (Basilio Martín Patino, 1966). Int.: Emilio Gutiérrez Caba, Mary Carrillo, Elsa Baeza, Antonio Casas, Montserrat Blanch, José María Resel, María Elena Flores. España. DCP. B/N. 90’. Copia restaurada por Filmoteca Española y Filmoteca de Castilla y León.

Tras pasar unos días en el extranjero, un joven regresa a su Salamanca natal y a la rutina de su vida universitaria. Sin embargo, no puede dejar de pensar en Berta, la hija de un intelectual exiliado que conoció durante su viaje.

«Este proyecto de película no abriga pretensión alguna moralizante y rechaza absolutamente como su objeto cualquier complacencia en lastimar a nadie. Por el contrario, en su pequeña medida no intenta más que indagar un poco en el porqué de algunas actitudes “difíciles”; esclarecer, si es posible, ciertas formas de incomprensión y de esterilidad en el concreto engranaje de nuestra convivencia. […] no partimos de otro objetivo que el de aportar un poco de luz en el estudio de las particulares relaciones humanas que se afrontan; ni otro condicionamiento, por lo menos también en el deseo, que el de la más sincera objetividad». (Basilio Martín Patino).


19:00 · Sala 2 · James Gray. Lazos de sangre

La otra cara del crimen (The Yards, James Gray, 2000). Int.: Mark Wahlberg, Joaquin Phoenix, Charlize Theron, James Caan, Faye Dunaway, Ellen Burstyn, Chad Aaron, Andrew Davoli, Steve Lawrence, Victor Argo, Tomas Milian, Tony Musante.. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 115’.

Tras pasar un tiempo en la cárcel por un robo, un joven regresa a su casa con la intención de mantenerse dentro de la legalidad. Sin embargo, tanto su familia como su mejor amigo empiezan a empujarle en dirección contraria.

«A veces hay que arriesgarse. En algunos momentos de Rocco y sus hermanos, momentos que adoro, Visconti lleva el tono a lo extravagante. Es tan operístico que casi resulta risible. […] Esa era mi ambición con La otra cara del crimen: hacer algo popular y artístico, operístico y muy emocional, pero no sentimental. De hecho, en el set de rodaje solía ponerle a los actores operas de compositores como Puccini y Mascagni para que influyese en su interpretación. […] El trabajo de los actores se impregna de la música que les pones en el set, y de ellos pasa al tono general de la película, así que empecé a usar música incluso en los ensayos con dialogo». (James Gray).


21:00 · Sala 1 ·
María Casares. Una estrella en el exilio

Las damas del Bois de Bologne (Les dames du Bois de Boulogne, Robert Bresson, 1945). Int.: Paul Bernard, María Casares, Elina Labourdette, Lucienne Bogaert. Francia. DCP. VOSE. B/N. 86’. Copia restaurada.

Al comprender que su amante ha dejado de quererla, una mujer prepara una elaborada venganza. Adaptación de la novela Jaqcues el fatalista y su maestro, de Denis Diderot, escrita para el cine por Jean Cocteau.

«Por si quedase alguna duda sobre la voluntad de estilización aplicada por Bresson al universo que se trataba de poner en escena, basta remitirse a las indicaciones que daba a María Casares (memorable protagonista) y que resumen, en su admirable concisión, el espíritu con el que el cineasta abordaba su trabajo: “Muy simple en la dicción y con mucho sentimiento en la expresión”. Como veremos va a ser, justamente, la simplicidad la que va a asegurar la intensidad expresiva». (Santos Zunzunegui).

Segunda proyección el D27 a las 20.30 h.

 

Viernes 18 de noviembre


17:30 · Sala 1 ·
James Gray. Lazos de sangre

Z, la ciudad perdida (The Lost City of Z, James Gray, 2016). Int.: Charlie Hunnam, Robert Pattinson, Sienna Miller, Tom Holland. EEUU. DCP. VOSE. Color. 141’.

Relato que sigue los viajes del explorador Percy Fawcett, que a principios del siglo XX y acompañado por su hijo, se adentró en la Amazonia en busca de una legendaria civilización desaparecida.

«Tenía la sensación de que en el fracaso de Fawcett había un cierto grado de trascendencia. Eso es lo que quería comunicar. […] parece que alcanzo cierta capacidad para aceptar la existencia independiente del Otro. La idea de Fawcett comprendiendo esto, aunque fuese de forma limitada y racista, implicaba un grado de trascendencia que no estaba presente en otras películas, creo. Aguirre [en Aguirre, la cólera de Dios] está muy centrado en su obsesión y su codicia. No creo que ese sea el caso con Fawcett, que estaba más obsesionado por el miedo a no encontrar nunca una forma de huir de la sociedad a la que pertenecía. En cierto modo, el Amazonas era una excusa como cualquier otra para evitar el lugar del que quería escapar, la Inglaterra de 1905». (James Gray).


21:00 · Sala 1 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

Day Is Longer Than Night (Dges game utenebia, Lana Gogoberidze, 1983). Int.: Darejan Kharshiladze, Tamari Skhirtladze, Guram Pirtskhalava, Irakli Khizanishvili. URSS. DCP. VOSI/E. Color. 138’.

La vida de una mujer en una aldea de Georgia, marcada por un matrimonio trágico, otro infeliz y el progresivo abandono de la vida rural en favor de la ciudad.

«Conduce a los espectadores a un periodo olvidado. La protagonista ha conocido el amor, la vida y a los hombres, y los tres la han traicionado en algún momento u otro. Sus ochenta años de existencia están puntuados por la revolución, la guerra civil, las políticas económicas soviéticas y el arduo proceso de colectivización. […] La directora, cuya madre fue una de las primeras cineastas acreditadas de la historia del cine soviético antes de convertirse en una víctima de las purgas de Stalin, ahonda sin descanso en la insatisfacción de la protagonista. Su sufrimiento tiene como trasfondo la belleza natural de las montañas de Georgia, con estallidos de música tradicional y bailes que hacen de esta película uno de los trabajos más conmovedores e imaginativos de Lana Gogoberidze». (Dorota Lech).

Segunda proyección en diciembre.

 

Sábado 19 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Mi Primer Festival de Cine

Gabi, Between Ages 8 and 13 (Gabi, 8 till 13 ar, Engeli Broberg, 2021). DCP. VOSE. Color. 79’.

Gabi tan sólo quiere ser Gabi. Un deseo que parece sencillo pero que no lo es. Gabi se siente diferente. Aunque en sus ocho años de vida nunca le ha supuesto ningún problema decir las cosas claras, cuando la familia se traslada a un pequeño pueblo y llega a la pubertad todo empieza a cambiar.

«Es una historia grande construida a base de pequeños momentos de una vida. Con su elocuencia y capacidad para la introspección, Gabi se siente fuera de todo. La cámara se convierte en algo así como un confidente: su presencia constante anima a Gabi a expresar sus preocupaciones. A lo largo de los cinco años que cubre la película, se enfrenta a una importante cantidad de momentos que alteran su vida de forma dramática, desde la llegada de sus nuevos hermanos hasta una mudanza y un nuevo colegio en el que sus compañeros resultan estar menos abiertos a la diferencia que en el anterior». (Allan Hunter).

Presentación y breve cinefórum posterior a cargo de la cineasta María Pérez Sanz.

Duración total aproximada de la sesión: 110’.


20:00 · Sala 2 ·
María Casares. Una estrella en el exilio

Orfeo (Orphée, Jean Cocteau, 1950). Int.: Jean Mararais, María Casares, François Périer, Marie Déa, Edouard Dermithe, Juliette Greco, Henri Crémieux, Roger Blin. Copia restaurada por SNC (GroupeM6) con la colaboración del Centre national du cinéma et de l'image animée.

Un poeta de mediana edad cuyos mayores éxitos parecen haber quedado ya en el pasado es testigo de un accidente de tráfico en el que muere un joven escritor. Ese suceso le lleva a conocer a la Muerte y enamorarse de ella.

«Un clamoroso triunfo cinematográfico, un trabajo de perfección casi clásica meticulosamente realizado que posee un hipnótico sentido de la maravilla. Al mismo tiempo, su resplandeciente superficie llena de dobles, réplicas e inversiones está rodada con un ingenio autoparódico y juguetón que socava su “total modernismo” de belleza, verdad y profundidad, como decía Noel Oxenhandler (aunque, si eso hace de Orfeo una obra en cierto modo posmoderna es otra cuestión diferente). Sin embargo, la película es también un relato de auténtica decepción e incluso melancolía». (James M. Williams).


21:30 · Sala 1 · James Gray. Lazos de sangre

La noche es nuestra (We Own the Night, James Gray, 2007). Int.: Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Eva Mendes, Robert Duvall, Danny Hoch, Tony Musante. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 117’.

En el Nueva York de los años 80, marcado por la lucha contra el tráfico de drogas, dos hermanos, uno policía y el otro gerente de un club nocturno, se encuentran amenazados por la mafia rusa.

«La noche es nuestra ofrece un destino distinto para cada uno de los dos hermanos, pero las circunstancias obligan a que uno ocupe el lugar del otro desplazándolo; como si se hubiera cometido un error y hasta entonces la primogenitura la ocupara el hermano equivocado. Sin embargo, corregir ese error del destino siempre tiene un precio, que incluye a terceros, y exige una elección, un sacrificio, una pérdida. […] James Gray se suma a la tradición norteamericana de cineastas obsesionados por la delación, que va de Elia Kazan a Martin Scorsese, todos ellos emigrantes (o hijos de emigrantes). Y es que, para Gray, la delación no es solo una traición, es traicionar a la propia identidad: una inversión del “nosotros” y el “ellos”, el sacrificio de una comunidad por otra (a veces incluso en aras de unos valores), y, como tal, una figura fundamental para las identidades duales». (Alberto Hernando).

 

Domingo 20 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

Squandered Sunday (Zabitá nedele, Drahomíra Vihanová, 1969). Int.: Ivan Palúch, Míla Myslíková, Otakar Zebrák, Petr Skarke. Checoslovaquia. 35 mm. VOSE. B/N. 78’.

Tras una noche de borrachera, un soldado se despierta en los míseros barracones en los que vive y pasa la resaca recordando las decisiones vitales que le han conducido hasta ese momento.

«Rodada poco después de que la Primavera de Praga fuera aplastada, esta sombría y desafiante película supuso para su directora la inhabilitación hasta 1977, además de estar prohibida hasta 1990. […] La inteligente y enérgica manipulación que Vihanová hace del tiempo nos obliga a considerar todos los aspectos de la vida que se nos presenta, como si fuera un paciente en la mesa de operaciones, y nos anima a que aventuremos conclusiones sobre el estado mental del protagonista, su viaje y su precario lugar en el mundo». (Dorota Lech).

Segunda proyección en diciembre.


19:00 · Sala 2 ·
Sesión especial

Histoire(s) du cinéma III:

- Une vague nouvelle (Jean-Luc Godard, 1999). Francia, Suiza. BDG. VOSE. Color. 27’.

- Le controle de l’univers (Jean-Luc Godard, 1999). Francia, Suiza. BDG. VOSE. Color. 27’.

- Les signes parmi nous (Jean-Luc Godard, 1999). Francia, Suiza. BDG. VOSE. Color. 38’.

«Historia(s) del cine parte de un proyecto de conferencias dictadas por Godard en otoño de 1978 en el Conservatorio de Arte Cinematográfico de Montreal, dirigido por Serge Losique, que había acogido el año anterior a Langlois. Las conferencias pronunciadas por Godard fueron recogidas bajo el título Introducción a una verdadera historia del cine, editado en París por ediciones Albatros en 1980. Posteriormente, y en el curso de casi veinte años, el autor compuso el poema-ensayo titulado Historia(s) del cine publicado en París por ediciones Gallimard-Gaumont en 1998. Éste sirvió, con variadas modificaciones, como guion del film del mismo nombre, finalmente registrado en cinco CDs en Munich por ECM en 1999.

De una Introducción a una verdadera historia del cine a Historia(s) del cine, entre Canadá y Francia, entre la conferencia pública y el trabajo solitario de laboratorio, se traza un arco donde Godard excava en memoria del siglo XX como testigo privilegiado del material audiovisual y de las grandes obras de escritura y pensamiento moderno. Entre ambos libros –el primero coloquial, el segundo poemático- emerge el film como resultado de diez años de trabajo clandestino (1988-1998), donde el autor monta una empresa de producción compuesta por un solo hombre.

Historia(s) del cine insiste en un imperativo: “no vayas a mostrar/ todos los aspectos de las cosas/ reserva para tí/ un margen/ de indefinición”. El imperativo dice: avanza por aproximaciones sucesivas, no te expongas plenamente, guarda una reserva, porque sólo allí radica la libertad del arte. Y también indica que todos los aspectos de las cosas serían inalcanzables para revelar las imágenes de un siglo. La libertad del arte se dice exponiendo y reservando. Lo que expresa de ese modo es el decir poético y la libertad de éste consiste en no ser dominante, porque expone las marcas de un alma y de un cuerpo consciente de estar en el medio de una historia, al que le escapa cualquier totalización. Tal gesto expone al testigo, que narra su siglo sólo a través de los enlaces sensibles y de las constelaciones espirituales que lo ligan a él. El gran desafío consiste en hacer ver sin totalizar, allí donde la representación unificada no hace sino ocultar. Elogiando la sagacidad de Bazin, Godard reclama y reconoce como condición ontológica del arte cinematográfico, la posibilidad de hacer visible lo invisible, de forzar sensiblemente lo impensado. Pero la visibilidad encierra no solo la revelación de lo que no visto sino también el riesgo a la exposición de aquello que nos abisma en la noche. En un tiempo donde las imágenes tienen pretensión de justeza y completud, Godard insiste con la fórmula que lo acompañara desde los años sesenta hasta el presente: “no una imagen justa, sino justamente una imagen”. En la simpleza e indefinición, la imagen conserva su enigma que provoca al pensamiento en el movimiento del ser y del mundo. Movimiento que al ocultar exige un esfuerzo de exégesis, un trabajo de develamiento. Entre sus fuentes, Godard reconoce en la composición de Historia(s)… la singularidad de algunos pensamientos que mantienen la intersección abierta entre arte y filosofía, entre precepto y concepto, y dejan su marca en la interrogación del siglo XX. Nombres propios que prueban la intersección en la búsqueda de una forma que piensa, y que como pensamientos de un siglo conviven en un estado de tensión que definitivamente no aspira a una síntesis totalizadora». (Adrián Cangi).

Duración total de la sesión: 92’.


21:00 · Sala 1 · 
James Gray. Lazos de sangre

El sueño de Ellis (The Inmigrant, James Gray, 2013). Int.: Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner, Dagmara Dominczyk. EEUU. DCP. VOSE. Color. 120’.

A principios del siglo XX, dos hermanas abandonan su Polonia natal en busca de una nueva vida en Estados Unidos. Pero nada más llegar a su destino las cosas se tuercen.

«En 1923, mis abuelos entraron en los Estados Unidos a través de Ellis Island. Por supuesto, había oído muchas historias de ese lugar, así que acabe un tanto obsesionado con él. La primera vez que pude visitarlo, en 1988, la isla aún no había sido restaurada. Era casi como si hubiera quedado congelada en el tiempo, con los suelos llenos de formularios de inmigración a medio completar. Me parecía como si estuviera habitada por fantasmas, los fantasmas de mi familia. Quería hacer una película que recogiese esa emoción». (James Gray).

 

Martes 22 de noviembre


17:00 · Sala 1 · Las bellas artes en el cine

Goya en Burdeos (Carlos Saura, 1999). Int.: Francisco Rabal, José Coronado, Maribel Verdú, Eulàlia Ramon, Dafne Fernández, Emilio Gutiérrez Caba. España, Italia. 35 mm. Color. 100’.

Retrato de los últimos días de Francisco de Goya, exiliado en Burdeos, enfermo y sumido en meditaciones sobre el pasado, su amor por la pintura y la fuerza creativa.

«Goya en Burdeos toma a la pintura de diferentes maneras, pero todas ellas tienen como común denominador el que las convierte en movimiento, lo que proporciona una dimensión que está fuera de la propia obra. Solo en contados momentos intenta descifrar el significado de las obras que nos presenta, y cuando lo hace es en forma de breve comentario que aporta una dirección en la que inferir algún aspecto del cuadro. Lo más frecuente es que se convierta en un constructor de signos a partir de Goya. Estos son los puntos de partida. Podríamos decir que no se recrea en Goya (y en otros pintores como Rembrandt y Velázquez), sino que Goya y su obra son más una inspiración que un objeto de análisis». (Agustín Gómez Gómez).

Presentación a cargo de Víctor Nieto, delegado del museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Duración total aproximada de la sesión: 130’.


20:30 · Sala 1 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

Stolen Meeting (Varastatud kohtumine, Leida Laius, 1989). Int.: Maria Klenskaja, Andreas Kangur, Kaie Mihkelson, Lembit Peterson. URSS. 35 mm. VOSE. Color. 97’.

Tras salir de un campo de prisioneros en Rusia, una mujer regresa a su hogar en Estonia y empieza a buscar al hijo que tuvo que ceder en adopción.

«El emocionante guion fue escrito por la autora teatral Maria Zverjeva y notablemente dirigido por Leida Laius. Por razones relacionadas con su propia historia, Laius centró su carrera en dirigir documentales y obras de ficción que exploran los temas de la maternidad y el hogar. Stolen Meeting desgrana las múltiples tragedias que impregnaron las vidas de tantas y tantas mujeres durante los años de ocupación soviética». (Dorota Lech).

Segunda proyección en diciembre.

 

Miércoles 23 de noviembre


20:00 · Sala 1 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

The Monalisa Without a Smile (Gioconda fara surîs, Malvina Ursianu, 1968). Int.: Silvina Popovici, Ion Marinescu, Gheroghe Cozorici, Lucia Muresan. Rumanía. 35 mm. VOSE. B/N. 92’.

Tres antiguos compañeros de colegio se encuentran y recuerdan los años que pasaron juntos.

«Tras ser perseguida políticamente, enviada a prisión e inhabilitada para dirigir durante una década, Malvina Ursianu pudo finalmente rodar su debut en 1968. […] Aparte de poder leerse como una sutil crítica al régimen de Ceausescu, la película de Ursianu (uno de los pilares del cine rumano de la modernidad) también ofrece una poco común reflexión sobre las diferencias de clase en las sociedades comunistas». (Dorota Lech).

Presentación a cargo de la comisaria del ciclo, Dorota Lech.

Duración total aproximada de la sesión: 130’.

Segunda proyección en diciembre.


21:00 · Sala 2 ·
Festival Márgenes: Patricia Mazuy

Saint-Cyr (Patricia Mazuy, 2000). Int.: Isabelle Huppert, Jean-Pierre Kalfon, Simon Reggiani, Jean-François Balmer. Francia, Alemania, Bélgica. DCP. VOSE. Color. 119’.

Una mujer de orígenes humildes aprovecha su poder en la corte de Luis XIV para abrir una escuela para niñas.

«Al principio de la película, se dice de la protagonista: “Ella no tenía miedo de nada, salvo quizá del infierno”. Y a mí lo que me guiaba en Saint-Cyr, pues no estoy tan embebida en la historia como Yves Thomas [guionista de Saint-Cyr], fue la lectura de Oraciones fúnebres, de Bossuet. Porque el miedo al infierno era algo muy concreto y muy real en el siglo XVII. La cinta cuenta eso mismo: cómo, para dar un paso hacia adelante, podemos dar dos pasos atrás. El personaje de Huppert, Madame de Maintenon, quiere hacer una escuela de niñas utópica y, al final, no está pensando más que en ella». (Patricia Mazuy).

 

Jueves 24 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Las bellas artes en el cine

Dancing Beethoven (Arantxa Aguirre, 2016). España, Suiza. DCP. VOSE. Color. 80’.

Documental que sigue los esfuerzos de un grupo de bailarines y músicos de cara a la representación de una adaptación que el coreógrafo Maurice Béjart hizo de la Novena Sinfonía de Beethoven.

«Cuando uno ve un gran espectáculo de danza no imagina todo lo que hay detrás. Y aún menos si se trata de algo como la coreografía de Béjart inspirada en la Novena Sinfonía de Beethoven, creada en 1964, que volvió a montarse en Tokio con la Filarmónica de Israel, dirigida por Zubin Mehta. Quería transmitir no solo el proceso sino la fuerza de la obra de Béjart y su significado. Aunque el ballet es mejor disfrutarlo siempre en directo en un teatro, he intentado trasladar al cine toda la belleza y plasticidad de esta pieza con planos cenitales y un sonido espectacular. Es una película hecha para ver en cine, en pantalla grande». (Arantxa Aguirre).

Presentación a cargo de José Luis García del Busto, secretario general de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y la directora, Arantxa Aguirre.

Duración total aproximada de la sesión: 110’.


20:00 · Sala 1 ·
Festival Márgenes: Patricia Mazuy

Bowling Saturne (Patricia Mazuy, 2022). Int.: Arieh Worthalter, Y-Lan Lucas, Leïla Muse, Achile Reggiani. Francia. DCP. VOSI/E. Color. 114’.

Tras la muerte de su padre, un oficial de policía y su hermanastro reciben en herencia una bolera. Al empezar a gestionar el local, se adentran inesperadamente en un mundo de violencia.

«Necesito tener un lugar fuerte como escenario de mis películas. Me gustaba la idea de una bolera porque es un lugar muy tranquilo cuando está cerrado, y muy ruidoso cuando está abierto. Me parecía que era un espacio gráfico de alguna manera, con líneas y formas claras. Me gustaba el hecho de tener un lugar subterráneo que representara el descenso del personaje principal a las entrañas del padre». (Patricia Mazuy).

Presentación a cargo de la directora, Patricia Mazuy. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración total aproximada de la sesión: 180’.

 

Viernes 25 de noviembre


17:00 · Sala 1 · 
Sesión especial

Privilege (Yvonne Rainer, 1990). Int. : Daniel Martin Berkey, Blaire Baron, Gabrielle Made, Novella Nelson. EEUU. DCP. VOSE. Color. 103’.

Documental de carácter subversivo y experimental en torno a la menopausia.

«Representa una de las aportaciones más interesantes de una artista mucho más conocida por su contribución como coreógrafa y bailarina a la evolución de la danza contemporánea. […] Es especialmente interesante plantearse lo que significa que una mujer que viene de la danza llegue también a la dirección. Más en un momento, los años 70, cuando florecen las vanguardias feministas, la teoría fílmica feminista y las primeras prácticas con conciencia claramente feminista que quieren subvertir el papel del cuerpo de las mujeres frente a la cámara». (Eulàlia Iglesias).

Presentación del libro 'Un trayecto por los feminismos fílmicos. 30 años de la Muestra Internacional de Filmes de Mujeres de Barcelona' a cargo de Marta Selva y Anna Solá, asesoras de la Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona, y María Zafra, directora de la Mostra.

Duración total aproximada de la sesión: 135'.


19:00 · Sala 2 ·
«Sala:B»

«Sala:B» y la comedia “raruna”:

- La vida láctea (Juan Estelrich, 1993). Int.: Mickey Rooney, Marianne Sägebrecht, William Hootkins, Emma Suárez, Jack Taylor, Feodor Atkine, Juan Luis Buñuel, Angie Gray. España, Francia, Alemania. 35 mm. Color. 79’.

- El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur (Jorge Grau, 1987). Int.: José Sacristán, Serena Vergano, Emma Cohen, Teresa Gimpera, José María Blanco, Gabino Diego. España. 35 mm. Color. 100’.

«Dos comedias excéntricas y malditas que ponen el foco en las crisis de la edad y la masculinidad con dos actores inimitables: Mickey Rooney y José Sacristán

Cuando acabó el guion de La vida láctea, Juan Estelrich pensó que Mickey Rooney era el actor ideal para Barry Reilly, un millonario que a los 80 años decide volver a comportarse y vestirse como un bebé para recuperar el cariño de su familia, repleta de buitres malcriados. Rooney, el eterno niño prodigio de Hollywood, aceptó sin dudar este personaje que viste pañales y contrata los servicios de una nodriza profesional, la actriz alemana Marianne Sägebrecht. El amamantamiento hace el cariño y entre ellos surge un curioso romance que amenaza la buena vida de sus herederos. Y esto es solo el principio de La vida láctea, una muy peculiar comedia rodada entre Madrid y Portugal, con reparto internacional (Emma Suárez, Féodor Atkine, Jack Taylor…) y no pocos medios a primera vista. Se trata del debut de Juan Estelrich Revesz, hijo de Juan Estelrich March, director de El anacoreta (1976) y productor de Buñuel, Berlanga o Jess Franco. No sorprende por tanto que en este trabajo encontremos influencias de esa comedia española esperpéntica y surrealista, adornada además con una estética casi daliniana. El rodaje fue interrumpido de pronto por los productores y Estelrich no pudo dar por bueno el montaje final. A pesar de que se estrenó en el Festival de Berlín, La vida láctea acabó mal distribuida y enterrada. Hoy permanece como una de las comedias más bizarras y menos vistas del cine español.
 
A Jordi Grau le conocemos por títulos fundamentales del fantaterror como Ceremonia sangrienta o No profanar el sueño de los muertos, pero también dirigió dos comedias, y las dos con José Sacristán. El extranger-oh! de la calle Cruz del Sur es la segunda, que comparte con la anterior, El secreto inconfesable de un chico bien (1976), una visión crepuscular y desmitificadora de aquello del macho ibérico. Ambos filmes coloreados con brochazos de surrealismo felliniano que encajan muy bien en esta sesión. Grau aprovecha además para incluir guiños autobiográficos y referencias a su obra como el número de revista con vampiras, o el desnudo integral que rima con el de la Cantudo en La trastienda, esta vez con Sacristán. El reparto femenino es una reunión de musas de la Escuela de Barcelona, donde Grau participó, como Teresa Gimpera, Serena Vergano o Emma Cohen». (Álex Mendíbil).

Presentación a cargo del director Juan Estelrich y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración total aproximada de la sesión: 210’.


20:30 · Sala 1 ·
Festival Márgenes: Patricia Mazuy

Peaux de vaches (Patricia Mazuy, 1989). Int.: Sandrine Bonnaire, Jean-François Stévenin, Jacques Spiesser, Salomé Stévenin. Francia. DCP. VOSE. Color. 90’.

La vida de dos hermanos cambia radicalmente cuando, en una noche de borrachera, uno de ellos prende fuego a la granja familiar, matando accidentalmente a un vagabundo.

«Lo que me sorprendió al volver a ver la película fueron los puntos en común con Paul Sanchez: ambas están muy inscritas en un territorio, ese lado wéstern; el punto de partida en ambas es la exploración de un suceso de la prensa… Nunca lo había pensado y es increíble. Al principio, cuando me lancé a escribir el guion de Peaux de vaches, copié un poco El fuera de la ley, de Clint Eastwood. […] Antes había hecho un corto en el que había preparado todo hasta el menor detalle y ¿sabes qué?, fue pésimo. Cuando vives este tipo de cosas, sacas esta conclusión: “¡Mejor no preparar nada!” En Peaux de vaches no había preparado realmente nada, lo cual es una locura. Por suerte, en la segunda parte del rodaje pude remontar la corriente, pero incluso al final, no sabía muy bien lo que estaba contando». (Patricia Mazuy).

Presentación a cargo de la directora, Patricia Mazuy.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.

 

Sábado 26 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Flores en la sombra / Filmoteca Junior

Érase una vez… (José Escobar y Alexandre Cirici-Pellicer, 1950). España. DCP. Color. 75’. Copia restaurada por Filmoteca de Catalunya.

Ambiciosa producción animada que adapta La cenicienta de Charles Perrault, se trata de una de las pocas producciones cinematográficas en las que estuvo involucrado Escobar, padre de personajes del tebeo como Zipi y Zape o Carpanta.

«Las pocas copias conservadas eran en blanco y negro, a pesar de que la película se rodó originalmente usando el sistema Cinefotocolor. El rescate y recuperación de los colores originales ha supuesto un trabajo de siete años […] Para poder llevarlo a cabo, se se han tenido que localizar diversos coleccionistas que tenían más de un centenar de fotogramas originales en color, extraídos de copias que estaban a punto de ser destruidas, como era obligatorio una vez caducaba la licencia de exhibición. También había un álbum de 158 cromos, pero partían de imágenes en blanco y negro y los colores no eran fiables. Por último, conseguimos algunos de los fondos originales de la película. […] Gracias a esto y otras pistas, podemos estar seguros de que el color que hemos conseguido es idéntico o muy similar al de la película original en casi todo su metraje». (Luciano Berriatúa).

Presentación a cargo de Luciano Berriatúa, supervisor de la restauración del color de Érase una vez...

Duración total aproximada de la sesión: 90’.


19:30 · Sala 1 ·
María Casares. Una estrella en el exilio

Los niños del paraíso (Les enfants du paradis, Marcel Carné, 1945). Int.: Arletty, Jean-Louis Barrault, Pierre Brasseur, María Casares, Pierre Renoir, Marcel Herrand, Gérard Blain. Francia. DCP. VOSE. B/N. 190’.

La historia de una actriz y sus cuatro pretendientes, todos inmersos en el mundo del espectáculo del París de principios del siglo XIX.

«Marca la culminación de la Edad de Oro del cine francés. Nunca más la cinematografía francesa volvería a producir una película tan descaradamente culta y fastuosa. Entre los filmes de ficción posteriores a la guerra, sigue sin haber sido superada en lo que respecta a la calidad de la interpretación de sus estrellas y la riqueza de su trama, psicología y reconstrucción del periodo. Los franceses consideran a Marcel Carné un tesoro nacional por las seis películas que dirigió entre 1937 y 1945, pero su reputación internacional proviene de Los niños del paraíso. Hasta el improbable día en que los espectadores de cine no estén interesados en un alarde impecable de exaltada forma y fondo, Los niños del paraíso seguirá teniendo una posición privilegiada entre las obras maestras del cine». (Edward Baron Turk).


20:00 · Sala 2 ·
Festival Márgenes: Patricia Mazuy

Sport de filles (Patricia Mazuy, 2011). Int.: Marina Hands, Bruno Ganz, Josiane Balasko, Amanda Harlech. Francia, Alemania. DCP. VOSE. Color. 101’.

Una entrenadora de caballos entra en crisis tras la venta de un animal con el que había desarrollado un vínculo especial y termina trabajando en un establo a las órdenes de una figura legendaria dentro del mundo de la hípica.

«Patricia Mazuy se mueve con la destreza de un funambulista entre diferentes líneas narrativas de trasfondo muy dispar […] La fuerza de la película radica precisamente en que no se decanta por ninguno de estas líneas, sino que se mantiene en el filo de todas, mezclándolas hasta llegar al cortocircuito. El resultado es un género híbrido e inesperado, lejos de “la buena películita francesa” y su monótono devenir». (Isabelle Zribi).

 

Domingo 27 de noviembre

 

17:00 · Sala 1 · Festival Márgenes: Patricia Mazuy

Paul Sanchez est revenu! (Patricia Mazuy, 2018). Int.: Laurent Lafitte, Zita Hanrot, Philippe Girard, Idir Chender. Francia, Bélgica. DCP. VOSI/E. Color. 110’.

Diez años después de que asesinase a su mujer y sus hijos, un testigo asegura haber visto a Paul Sanchez en una estación de tren. Sin embargo, solo una persona parece creérselo: una joven policía deseosa de enmendar un error del pasado.

«Esta película me gusta mucho, la siento muy cercana a mí: es un film que explora las ganas de ser otra cosa, de actuar sin reflexionar, de vivir con mucha intensidad, incluso a costa de volverse majara. Fue una peli muy agradable e intensa a la hora de hacerla, con un equipo compuesto tanto de gente mayor como joven. […] ensayamos mucho. Puede que fuera porque me daba miedo trabajar con actores de teatro, algo que me interesaba explorar y que, por suerte, nos permitió rodar muy rápido. Rodamos en invierno, sobre todo en exteriores; a las cinco ya era de noche… Durante los ensayos, tienes tiempo de buscar, de equivocarte. Y ahí, al contrario de lo que pensaba al principio, cuando preparas de antemano en absoluto pierdes esa especie de virginidad». (Patricia Mazuy).


19:30 · Sala 2 ·
James Gray. Lazos de sangre

Ad Astra (James Gray, 2019). Int.: Brad Pitt, Tommy Lee Jones, Ruth Negga, Donald Sutherland, Liv Tyler. EEUU, China, Brasil. DCP. VOSE. Color. 123’.

Un astronauta atraviesa el Sistema Solar en busca de su padre y de la solución para una crisis que amenaza con acabar con la vida en el planeta Tierra.

«Aunque se llama 2001, una odisea en el espacio, no es como La odisea, no es un mito sobre el ser humano, es un mito sobre los dioses. En realidad no sabes nada sobre Keir Dullea [el actor protagonista de 2001], te importa más el ordenador. Así que intenté activamente construir un relato de ciencia ficción que fuera un mito sobre el ser humano, que me parece que es poco habitual. Así que pensé, vamos a hacer algo desde el punto de vista de Telemaco […] su padre, Ulises, lleva fuera 20 años, ¿cómo le hace sentir eso? Y de repente la historia tomó forma, y resultó estar llena de similitudes con Z, la ciudad perdida y un par de películas más que he hecho». (James Gray).


20:30 · Sala 1 ·
María Casares. Una estrella en el exilio

Las damas del Bois de Bologne (Les dames du Bois de Boulogne, Robert Bresson, 1945). Int.: Paul Bernard, María Casares, Elina Labourdette, Lucienne Bogaert. Francia. DCP. VOSE. B/N. 86’.

Al comprender que su amante ha dejado de quererla, una mujer prepara una elaborada venganza. Adaptación de la novela Jaqcues el fatalista y su maestro, de Denis Diderot, escrita para el cine por Jean Cocteau.

«Por si quedase alguna duda sobre la voluntad de estilización aplicada por Bresson al universo que se trataba de poner en escena, basta remitirse a las indicaciones que daba a María Casares (memorable protagonista) y que resumen, en su admirable concisión, el espíritu con el que el cineasta abordaba su trabajo: “Muy simple en la dicción y con mucho sentimiento en la expresión”. Como veremos va a ser, justamente, la simplicidad la que va a asegurar la intensidad expresiva». (Santos Zunzunegui).

 

Martes 29 de noviembre

 

17:00 · Sala 1 · José Luis López Vázquez: Coda

F.E.N. (Antonio Hernández, 1979). Int.: Héctor Alterio, Joaquín Hinojosa, José Luis López Vázquez, José María Muñoz, Luis Politti, Laura Cepeda, Mary Carrillo, May Heatherly, Vicente Hernán, William Layton, Miguel Narros, Yolanda Ríos. España. 35 mm. Color. 114’.

Haciéndose pasar por sacerdotes, dos antiguos alumnos de un colegio religioso hacen pasar por toda clase de penurias a los que fueron sus profesores.

«Yo quería hacer una denuncia clara y contundente de la educación en los colegios religiosos. Cuando empezamos a elaborar el guion se estrenó Arriba Azaña, con la que había puntos de contacto, aunque esta se centraba más en la parábola política. Nosotros queríamos contar las experiencias del internado y planteamos la estructura narrativa del guion, que puede haber salido bien o mal, buscando una forma nueva. Queríamos presentar de entrada una situación dad y que el espectador fuera descubriendo todo a través de los pocos elementos que dábamos». (Antonio Hernández).

Presentación de la nueva edición del libro 'José Luis López Vázquez. Los disfraces de la historia'.

Duración total aproximada de la sesión: 140’.


20:30 · Sala 1 ·
Las bellas artes en el cine

Rodin (Jacques Doillon, 2017). Int.: Vincent Lindon, Izïa Higelin, Séverine Caneele, Bernard Verley. Francia, Bélgica, EEUU. DCP. VOSE. Color. 119’.

Retrato del escultor Auguste Rodin, su trabajo y su relación con la artista Camille Claudel.

«Rodin vivía para crear. Se despertaba y se ponía a trabajar. Y sólo lo dejaba cuando le faltaba la luz. Los meses de invierno eran muy tristes para él, porque tenía menos horas para trabajar. Cuando tienes a un escultor tan inmenso hay que interesarse por sus relaciones con Monet, Victor Hugo, Cézanne… pero lo esencial de esta película es su trabajo. Si lo hubiera reducido a la historia de amor y a sus relaciones con los demás faltarían muchas cosas en la película». (Jacques Doillon).

Presentación a cargo de la académica Blanca Muñoz.

Duración total aproximada de la sesión: 150’.

 

Miércoles 30 de noviembre


18:00 · Sala 1 ·
María Casares. Una estrella en el exilio

El testamento de Orfeo (Le testament d'Orphée ou ne me demandez pas pourquoi, Jean Cocteau, 1960). Int.: Jean Cocteau, Edouard Dermithe, Henri Crémieux, María Casares, Charles Aznavour, Jean-Pierre Léaud, Lucía Bosé, François Perier, Daniel Gélin, Yul Brynner. Francia. DCP. VOSE. B/N. 77’. Copia restaurada.

El poeta Jean Cocteau viaja a través del espacio y el tiempo, encontrándose con personajes de sus anteriores creaciones y viviendo innumerables vidas.

«Un extraordinario testamento artístico y un acto de voluntad poética, el primero de su clase dentro de la historia del cine, cumple un función clara: construir una imagen definitiva para la posteridad con la que Cocteau sea recordado siempre. Por supuesto, teniendo en cuenta la importancia excepcional que Cocteau le concedió siempre al cine, habría sido imposible que plantease algo así en otro medio. Por tanto, la película comienza y se desarrolla como una reflexión sobre el propio cine, algo común en el cine de Cocteau». (James S. Williams).


21:00 · Sala 1 · James Gray. Lazos de sangre

Little Odessa (Cuestión de sangre) (Little Odessa, James Gray, 1994). Int.: Tim Roth, Edward Furlong, Moira Kelly, Vanessa Redgrave, Maximilian Schell, Paul Guilfoyle. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 98’.

Un asesino profesional regresa al barrio de su infancia para realizar un “trabajo”. Sin embargo, el retorno a sus raíces va poco a poco quebrándole por dentro.

«Supongo que mi estilo visual es el resultado de ver muchísimas películas y escoger de cada una de ellas lo que me gustaba. También de mi fanatismo por la pintura, de niño quería ser pintor. Little Odessa es una película de un ritmo muy pausado. Fue una decisión intencionada, por desgracia. En cierto modo, el ritmo es parte de tu estilo visual. La longitud de un plano es lo que permite que el ojo vague por el encuadre. Una película de montaje tipo-MTV, muy frenética, tiene su propio estilo visual. Así que el estilo visual no depende solo de lo que haya en el encuadre, sino también de la disposición temporal de los materiales». (James Gray).

Antes de la proyección de Little Odessa (Cuestión de sangre) se podrá ver el cortometraje Cowboys and Angels (James Gray, 1991, DCP, VOSE).

Duración total de la sesión 110’.

 

DICIEMBRE DE 2022

 

Jueves 1 de diciembre

 

17:00 · Sala 1 · Las bellas artes en el cine

El manantial (The Fountainhead, King Vidor, 1949). Int.: Gary Cooper, Patricia Neal, Raymond Massey, Kent Smith, Robert Douglas, Henry Hull, Ray Collins. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 114’.

A pesar de estar pasando por un difícil momento económico, un arquitecto se niega a hacer revisiones de un proyecto para evitar que caiga en lo convencional.

«Las decisiones estilísticas de Vidor son fundamentales para el impacto de la película. La atmósfera de amenaza de El manantial se logra [en palabras de Raymond Durgnat y Scott Simon] “tomando prestadas las angulaciones y el tenebrismo del noir, su paranoia, su interés por el individuo asediado o atormentado. En ese sentido, el noir es antipopulista. Cada hombre camina solo por calles oscuras”. La amenaza de la manada se expresa de forma simbólica y la soledad del verdadero creador se torna palpable. Pero, a diferencia del protagonista habitual del noir, el héroe de El manantial no está inevitablemente abocado a la destrucción». (Dan Shaw).

Presentación a cargo de Luis Fernández-Galiano, arquitecto y académico.

Duración aproximada de la presentación: 30’ (Total sesión: 135’).


20:30 · Sala 1 · 
Sesión especial

Donde acaba la memoria (Pablo Romero-Fresco, 2022). España, Reino Unido. DCP. Color. 70’

En 1933, Luis Buñuel viajó a Las Hurdes, una región aislada y empobrecida del centro de España, para realizar el histórico documental Tierra sin pan. 85 años después, el hispanista y biógrafo Ian Gibson hizo el mismo viaje para completar el trabajo de una vida. Donde acaba la memoria recorre Las Hurdes y la Residencia de Estudiantes con la colaboración de Mike Dibb, Carlos Saura y Román Gubern para construir el retrato de Ian Gibson, detective literario que ha dedicado su vida a recuperar la memoria reciente de España a través de las biografías de tres de sus genios más reconocidos: Buñuel, Dalí y Lorca. El viaje finaliza en Granada, donde, tras una búsqueda de 50 años, Gibson está más cerca que nunca de encontrar los restos de Lorca como símbolo de reconciliación de un país que se niega a hacer las paces con su pasado.

Presentación a cargo del director, Pablo Romero-Fresco, e Ian Gibson, hispanista y biógrafo. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total de la sesión: 130’).

 

Viernes 2 de diciembre


17:30 · Sala 1 · 
10 años del PICE. Acción Cultural Española AC/E

La inocencia (La innocència, Lucía Alemany, 2019). Int.: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued. España. DCP. VOSE. Color. 92’.

Una adolescente que sueña con convertirse en artista de circo y salir de su pueblo decide mantener en secreto la relación con su novio, unos años mayor que ella.

«Es tan fiel a la realidad de sus arquetipos que parece un trozo de vida robada de un pueblo de Castellón, con esa atmósfera de compadreo callejero entre los adolescentes combinada con un espíritu de vigilancia y cotilleo opresivos, con los sueños de libertad encarnados en una escuela de circo en la gran ciudad y el miedo de haber metido la pata que hace madurar a la protagonista […] Su historia la hemos visto un montón de veces, pero lo que la hace nueva y emocionante es la frescura de sus diálogos, la verdad que transmiten las situaciones más cotidianas, y, sobre todo, su empecinamiento en no juzgar a ninguno de sus personajes, por muy cafres, machistas, chafarderos o imprudentes que parezcan». (Sergi Sánchez).

Presentación a cargo de la directora, Lucía Alemany; Isabel Izquierdo, directora de Programación de AC/E; y Carlota Moseguí, crítica y programadora cinematográfica. Después de la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 55’ (Total de la sesión: 145’).


19:00 · Sala 2 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

The Monalisa Without a Smile (Gioconda fara surîs, Malvina Ursianu, 1968). Int.: Silvina Popovici, Ion Marinescu, Gheroghe Cozorici, Lucia Muresan. Rumanía. DCP. VOSE. B/N. 92’.

Tres antiguos compañeros de colegio se encuentran y recuerdan los años que pasaron juntos.

«Tras ser perseguida políticamente, enviada a prisión e inhabilitada para dirigir durante una década, Malvina Ursianu pudo finalmente rodar su debut en 1968. […] Aparte de poder leerse como una sutil crítica al régimen de Ceausescu, la película de Ursianu (uno de los pilares del cine rumano de la modernidad) también ofrece una poco común reflexión sobre las diferencias de clase en las sociedades comunistas». (Dorota Lech).


21:00 · Sala 1 ·
Antonio Isasi-Isasmendi. Un cine sin fronteras

Las Vegas, 500 millones (Antonio Isasi-Isasmendi, 1968). Int.: Gary Lockwood, Elke Sommer, Lee J. Cobb, Jack Palance, Jean Servais, Georges Géret, Fabrizio Capucci, Roger Hanin, Gustavo Re. España, Italia, Francia, RFA, EEUU. 35 mm. VE. Color. 125’.

Un crupier de casino se alía con la secretaria de un empresario especializado en transporte de dinero para realizar un espectacular robo a un furgón blindado.

«Era como haber llegado al cenit dorado de mis aspiraciones. No iba a Hollywood, pero una pequeña parte de sus conglomerados lo traía a casa. En mis manos tenía, por fin, un buen asunto, un reparto fantástico con nombres sonoros en todo el mundo, autonomía absoluta en las decisiones, mi equipo de siempre y un presupuesto holgado –un millón de dólares de aquel tiempo y los actores a cargo de la parte americana- que me permitía trabajar con cierta tranquilidad. Solo quedaba lo más fácil, hacer la película. […] La habilidad en la intercalación de las escenas filmadas en Estados Unidos y la fiel reproducción del ambiente en que se iba a desarrollar la historia –prácticamente todo se iba a rodar en España- tenían que dar el resultado perseguido: que Las Vegas, 500 millones pareciera realmente una producción americana. Ese era el reto». (Antonio Isasi-Isasmendi).

 

Sábado 3 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior

Las aventuras de Tadeo Jones (Enrique Gato, 2012). España, Francia. 35 mm. Color. 92’.

Un albañil que sueña con convertirse en un arqueólogo se ve envuelto por accidente en una carrera por encontrar un legendario tesoro inca. La primera de las películas de Tadeo Jones y el debut en el largometraje de Enrique Gato, creador del personaje; Las aventuras de Tadeo Jones se convirtió en la producción animada más exitosa de la historia del cine español (hasta ese momento) y se alzó con tres Goyas en la ceremonia de 2013 (Mejor Película de Animación, Mejor Dirección Novel y Mejor Guion Adaptado).


19:30 · Sala 2 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

The Last Stage (Ostatni etap, Wanda Jakubowska y Wanda Bartówna, 1948). Int.: Wanda Bartówna, Huguette Faget, Tatyana Guretskaya, Antonina Gordon-Górecka. Polonia. DCP. VOSE. B/N. 105’. Copia restaurada por FINA.

Tras llegar a Auschwitz, una judía polaca llama la atención de los guardias por su dominio de varios idiomas y es obligada a trabajar como intérprete.

«El 28 de abril de 1943, Wanda Jakubowska fue transportada en tren de Varsovia a Auschwitz. Tras sobrevivir a los campos de concentración, retrató su experiencia reciente en la monumental The Last Stage, codirigida junto a Wanda Bartówna. Rodada en el propio campo de concentración de Auschwitz y coescrita por Gerda Schneider, una prisionera política que se conviritó en kapo y de la que Jakubowska se hizo amiga, la película se basó en la historia real de Mala Zimetbaum. Habiendo experimentado la brutalidad del Tercer Reich en primera persona, las cineastas se encuentran en una posición excepcional para recordar sus horrores en este desgarrador drama de tragedia y simbolismo». (Dorota Lech).


21:00 · Sala 1 · Euroconexiones

El cebo (Ladislao Vajda, 1958). Int.: Heinz Rühmann, Sigfrit Steiner, María Rosa Salgado, Gert Fröbe. Michel Simon. España, Suiza, RFA. 35 mm. VE. B/N. 90’.

Un vendedor ambulante descubre el cadáver de una niña. Todas las pruebas parecen acusar al buhonero, pero el comisario Matthäi, convencido de su inocencia, emprenderá una búsqueda obsesiva del verdadero asesino.

«Lo primero que llama la atención de este singular film es su tono. Porque la historia pergeñada por el famoso escritor suizo Friedrich Dürrenmatt se prestaba, obviamente, a truculencias de todo tipo. A la hora de la verdad el estilo narrativo no puede ser más distante y más seco. Otro tanto sucederá con la espléndida fotografía de Enrique Guerner y que se aparta, de forma decisiva, del estereotipado “drama claroscuro” en el que cierta critica ha venido situando sus trabajos, en provecho de una gélida iluminación que visualiza, sin innecesarios subrayados, el lado clínico de la historia». (Santos Zunzunegui).

 

Domingo 4 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Antonio Isasi-Isasmendi. Un cine sin fronteras

El aire de un crimen (Antonio Isasi-Isasmendi, 1988). Int.: Francisco Rabal, Chema, Mazo, Germán Cobos, Maribel Verdú, Fernando Rey, María José Moreno, Miguel Rellán, Agustín González, Pedro Beltrán, Rafaela Aparicio, Ovidi Montllor. España. 35 mm. Color. 119’.

España, años 50. Cuando un cadáver aparece en la plaza del pueblo, los habitantes piden ayuda a un militar de un fuerte cercano. Adaptación de la novela homónima de Juan Benet.

«Juan Benet, hombre inteligente y generoso, confió plenamente en mí como director, y con us aparente despreocupación por la película –nuestra película- estimuló mi trabajo. Aunque nunca asistiera al rodaje para que yo no me sintiera coaccionado por su presencia, estábamos en permanente contacto y me fui apoyando en sus sabios consejos y sugerencias. Recuerdo su cara de satisfacción cuando le enseñé la copia terminada: le había gustado mucho». (Antonio Isasi-Isasmendi).


18:00 · Sala 2 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

My 20th Century (Az én XX. századom, Ildikó Enyedi, 1989). Int.: Dorota Segda, Oleg Yankovskiy, Paulus Manker, Péter Andorai. Hungría, RFA, Cuba. DCP. VOSI/E. B/N. 102’. Copia restaurada por el NFI (Hungarian National Film Institute).

Huérfanas y sin medios económicos, dos hermanas se ven obligadas a tomar caminos opuestos desde niñas. Mientras una se convierte en una timadora que quiere mantener su lujoso estilo de vida, la otra es una anarquista que busca vías para la revolución.

«El debut de Ildiko Enyedi mira al futuro a través de la lente del pasado, tentándonos a salir de la caverna con la luz del cine. […] Saltando por el espacio y el tiempo, moteada de ironía y simbolismo, la película reflexiona sobre los origenes de la modernidad y el cine, fenómenos que fueron posibles gracias a la electricidad. Nuestro siglo XX estuvo indiscutiblemente lleno de paradojas y nosotros, como el perro de Pavlov que aparece en el film, sabíamos muy poco del universo más allá de nuestro propio laboratorio». (Dorota Lech).


20:30 · Sala 1 · Euroconexiones

A escape libre (Échappement libre, Jean Becker, 1964). Int.: Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Enrico Maria Salerno, Renate Ewert, Jean-Pierre Marielle, Fernando Rey. Francia, Italia, España, RFA. 35 mm. VE. B/N. 100’.

Un traficante contrata a un contrabandista para que, junto a su novia, viaje desde el corazón de Europa hasta Líbano con un cargamento de oro. Uno de los múltiples proyectos internacionales en los que se involucró la productora de Benito Perojo, destaca por repetir la pareja protagonista de Al final de la escapada (Jean-Luc Godard, 1959), por las apariciones de dos habituales de las coproducciones europeas (Fernando Rey y Gert Fröbe) y por el abanico de localizaciones de rodaje, de Barcelona a Atenas, Beirut, Napoles, Ginebra, Granada, Almería o Marsella.

 

Miércoles 7 de diciembre


18:00 · Sala 1 ·
Antonio Isasi-Isasmendi. Un cine sin fronteras

Tierra de todos (Antonio Isasi-Isasmendi, 1962). Int.: Manuel Gallardo, Fernando Cebrián, Montserrat Julió, Amparo Baró, Elena María Tejeiro, Marcos Martí. España. 35 mm. B/N. 92’.

Durante la guerra civil española, un soldado franquista y otro republicano se ven obligados a refugiarse en la misma casa.

«En el montaje disfruté mucho. Me gustaba la película que estaba saliendo. Rostros de nuevos actores que nunca habían hecho cine: Manuel Gallardo, Amparo Baró, Montserrat Julió, y aquel conjunto de buenos actores secundarios que ayudaban a dar una imagen creíble a la historia. El empleo de los objetivos largos, con su densidad, subrayaba el tono dramático del ambiente aproximando al espectador a los sentimientos de todos los personajes. Los largos travellings, combinados con los movimientos de cámara, transmitían con mayor realidad la dinámica de la puesta en escena. Las localizaciones con los espectaculares paisajes y el maravilloso blanco y negro remataban las intenciones perseguidas». (Antonio Isasi-Isasmendi).


20:30 · Sala 1 · 
10 años del PICE. Acción Cultural Española AC/E

Karen (María Pérez Sanz, 2020). Int.: Alito Rodgers, Christina Rosenvinge, Isabelle Stoffel. España. DCP. Color. 65’.

Retrato de los últimos años que la escritora danesa Karen Blixen (también conocida por su seudónimo, Isak Dinesen) pasó en África, centrado especialmente en la relación con su criado somalí.

«Extraordinario ejercicio de orfebrería fílmica que se aproxima a la figura de Karen Blixen con espíritu heterodoxo, esculpiendo la fascinante personalidad de la escritora danesa mediante una colección de gestos locuaces e imágenes de gran fuerza sensorial. […] la pregnancia de las composiciones diáfanas y la majestuosa presencia de Christina Rosenvinge dan forma a una sosegada y lúcida reflexión sobre el valor de la emancipación personal y la posibilidad del diálogo intercultural más allá de las huellas del colonialismo». (Manu Yáñez).

Presentación a cargo de la directora, María Pérez Sanz, y Carlota Moseguí, crítica y programadora cinematográfica. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 55’ (Total de la sesión: 120’).

 

Viernes 9 de diciembre

 

17:30 · Sala 1 · 10 años del PICE. Acción Cultural Española AC/E

Viaje al cuarto de una madre (Celia Rico Clavelino, 2018). Int.: Lola Dueñas, Anna Castillo, Noemí Hopper, Ana Mena. España. DCP. Color. 90’.

Una madre y una hija se enfrentan al momento en el que, por primera vez, sus caminos vitales se separan.

«Lo sabemos por lo menos desde que los grandes maestros japoneses del cine familiar (Yasujiro Ozu, Mikio Naruse) nos lo mostraron: que la gran lección de este tipo de cine consiste en capturar el paso del tiempo, en rescatar existencias banales para hacer que, en una epifanía de la que solo puede dar cuenta el talento, emerja la irresistible fuerza de la emoción. Película de mujeres, impresionantemente interpretada por Dueñas y esa genial Anna Castillo que, al paso que va, se convertirá en la mejor actriz de su generación, la película rezuma verdad y calidez. Y, no menos importante, también una madurez narrativa que para sí querrían muchos cineastas con más carrera a sus espaldas». (Casimiro Torreiro).

Presentación a cargo de la directora, Celia Rico Clavelino, y Carlota Moseguí, crítica y programadora cinematográfica. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 55’ (Total de la sesión: 140’).


19:00 · Sala 2 ·
Euroconexiones

El hombre de Marrakech (L'homme de Marrakech, Jacques Deray, 1966). Int.: George Hamilton, Claudine Auger, Reanato Baldini, Alberto de Mendoza, Manuel de Blas, Roberto Camardiel, George Rigaud,Tiberio Murgia. Francia, Italia, España. BSP. VE. Color. 92’.

Un grupo de variopintos personajes se prepara para asaltar un transporte blindado y hacerse con su cargamento de oro. Una de las múltiples producciones europeas en las que participó la productora del cineasta Benito Perojo, en este caso con Jacques Deray, famoso por sus trabajos con Alain Delon, al frente. El indispensable reparto de estrellas internacionales, encabezado por el televisivo George Hamilton y Claudine Auger, en ese momento muy popular por su aparición en la última película de James Bond (Operación Trueno, de 1965), viajó por España, Portugal y Marruecos para rodar este thriller de acción.


21:00 · Sala 1 ·
A/Z: Zulueta inédito

Programa 1: Las películas de Consuelo y Antonio

- Boda Zulueta-Vergarajauregui (c. 1936)
- Volcanes y montañas (c. 1936)
- Excursión a Hilo (c. 1936)
- Honolulu (c. 1936)
- Bosques (c. 1936)
- Regatas (c. 1941)
- San Sebastián, Ondarroa y escenas (c. 1941)
- Escenas de Ondarroa y Lequeitio (c. 1941)
- Formentor. Paras y maras, barco y Jaime (c. 1943)
- Bautizo Iván (c. 1944)
- Jaime, perros, Iván pequeño (1944)
- Tomas varias. Parque de atracciones. Viaje. Festival (1958)
- Tomas del Festival y varias en general (1958)
- Viaje a Holanda (c. 1958)
- (Sin título) (c. 1961)
- Parador de Ifach. Playa del Cantal Roig (c. 1960)
- El Loco II. Cowboy (1959)

Sesión dedicada a las películas de Consuelo Vergarajauregui Ubarrechena y Antonio de Zulueta y Besson. El programa propone un recorrido desde su boda y su luna de miel en 1936, sus paseos en barco por el Cantábrico y los primeros años de sus hijos Jaime, Iván y Borja. Incluye uno de los primeros cortometrajes domésticos de Iván Zulueta.

Presentación a cargo de Josetxo Cerdán y Miguel Fernández Labayen, comisarios del ciclo.

Duración aproximada de la presentación: 15’ (Total sesión: 80’).

 

Sábado 10 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior

Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas (Enrique Gato y David Alonso, 2017). España, EEUU. DCP. Color. 85’.

Tadeo Jones y sus amigos viajan por el mundo intentando rescatar a una arqueóloga secuestrada por un malvado millonario obsesionado con hacerse aún más rico.

«Afortunadamente, Enrique Gato y su equipo no se han limitado a reproducir la fórmula de la primera parte en esta secuela, sino que se han esforzado en un ofrecer un producto por encima de las expectativas, mucho más elaborado tanto en la técnica de animación como en la propia estructura de una película que, por fin, consigue tener una personalidad propia más allá de los arquetipos a los que se encuentra supeditada, funcionando de manera independiente y alcanzando esa autonomía y contundencia creativa que tanto necesitaba». (Beatriz Martínez).


19:30 · Sala 2 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

Squandered Sunday (Zabitá nedele, Drahomíra Vihanová, 1969). Int.: Ivan Palúch, Míla Myslíková, Otakar Zebrák, Petr Skarke. Checoslovaquia. DCP. VOSE. B/N. 78’.

Tras una noche de borrachera, un soldado se despierta en los míseros barracones en los que vive y pasa la resaca recordando las decisiones vitales que le han conducido hasta ese momento.

«Rodada poco después de que la Primavera de Praga fuera aplastada, esta sombría y desafiante película supuso para su directora la inhabilitación hasta 1977, además de estar prohibida hasta 1990. […] La inteligente y enérgica manipulación que Vihanová hace del tiempo nos obliga a considerar todos los aspectos de la vida que se nos presenta, como si fuera un paciente en la mesa de operaciones, y nos anima a que aventuremos conclusiones sobre el estado mental del protagonista, su viaje y su precario lugar en el mundo». (Dorota Lech).


21:00 · Sala 1 ·
Antonio Isasi-Isasmendi. Un cine sin fronteras

Un verano para matar (Antonio Isasi-Isasmendi, 1972). Int.: Chris Mitchum, Olivia Hussey, Karl Malden, Raf Vallone, Claudine Auger, Gerard Barray, José Nieto, Gustavo Re. España. 35 mm. VE. Color. 115’.

Tras presenciar el asesinato de su padre a manos de la mafia cuando era un niño, un joven se embarca en un viaje de venganza para acabar con todos los responsables.

«La película fue bien, muy bien, de crítica y de público, y gané con ella un montón de premios… […] A raíz de su estreno en Madrid hubo quien dijo que era mi mejor película, cosa con la que yo no estoy de acuerdo. Lo que, en cambio, no voy a negar es que cumplió con creces el propósito con que la pusimos en marcha: tenía una dignidad indiscutible y en taquilla, literalmente, arrasó». (Antonio Isasi-Isasmendi).

 

Domingo 11 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Antonio Isasi-Isasmendi. Un cine sin fronteras

El perro (Antonio Isasi-Isasmendi, 1977). Int.: Jason Miller, Lea Massari, Marisa Paredes, Aldo Sambrell. España. 35 mm. VE. Color. 114’.

Un preso político, encarcelado por el régimen dictatorial de un anónimo país latinoamericano, huye de su cautiverio y es perseguido por un perro implacable.

«No deja el menor espacio para especular sobre su condición de parábola política, ya que esta queda manifestada nítidamente desde sus primeros minutos. Isasi-Isasmendi se encarga de mostrar la condición simbólica del animal relacionándolo con el dictador de un país anónimo de Sudamérica. Un perro de ataque que tiene muy claro contra quién ha de dirigir su furia, tal y como el esquema del régimen reflejado mantiene la opresión de las clases más desfavorecidas con el fin de mantener el statu quo». (Joaquín Vallet Rodrigo).


18:00 · Sala 2 ·
Desde el Este: Mujeres cineastas y el Telón de Acero (1943-1993)

Without Love (Bez milosci, Barbara Sass, 1980). Int.: Dorota Stalinska, Wladyslaw Kowalski, Zdzislaw Wardejn, Malgorzata Zajaczkowska. Polonia. DCP. VOSI/E. Color. 116’.

Una periodista trata de ascender profesionalmente mientras cuida, con la ayuda de su madre, de su hija ilegítima.

«Aunque está en una situación social complicada, la protagonista también es una periodista con agallas a la que no le importan lo más mínimo las normas de género. Sin ningún tipo de escrúpulo, se entrega a las pastillas mientras avanza en su carrera de cualquier manera, aunque sea acostándose con los editores, decidida a dejar huella. […] Está protagonizada por la gran Dorota Stalinska, que venía de trabajar con Barbara Sass en otras dos películas; Without Love, además de ser la película imprescindible de la obra de Sass, es el trabajo que inició la colaboración entre estas dos mujeres». (Dorota Lech).


20:00 · Sala 1 ·
A/Z: Zulueta inédito

Programa 2: La celebración de la carne

- Astor Garbo Ducha Taquillera (1972-1978)
- Bogui Nenes TV (c. 1969)
- Morgan Sam Coca Sex (c. 1975)
- Ibiza Satyr (c. 1977)
- Desfile Castellana Hilton Final con Will More (c. 1978)
- Manif Gay (1978)
- Cine Album Kodak 1 (c. 1974)
- Ángel T y Juan (c. 1977)
- Apartamento Edificio España Mario (c. 1969)

Si en ocasiones se ha destacado la sensibilidad queer de Zulueta, este programa recoge diversos encuentros con la sexualidad en sus más variadas manifestaciones: animales, sensuales o políticas.

Presentación a cargo de Josetxo Cerdán y Miguel Fernández Labayen, comisarios del ciclo.

Duración aproximada de la presentación: 15’ (Total sesión: 65’).

 

 

LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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