Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 21/01/2023 hasta el 28/02/2023
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

 

PROGRAMA

 

 

ENERO DE 2023

Este mes continúan las proyecciones de materiales inéditos del archivo fílmico de IVÁN ZULUETA, y comienzan cuatro ciclos dedicados a ACTRICES DIRECTORAS, a dos grandes cineastas: el alemán DOUGLAS SIRK (1897-1987) y el senegalés OUSMANE SEMBÈNE (1923-2007), y a la cantante y actriz LOLA FLORES (1923-1995) en su centenario; este último durará todo el año. Además, habrá sesiones de FILMOTECA JUNIOR y 'SALA: B', dos conciertos de JOTA, líder de Los Planetas, sobre el cine de Zulueta...

 

- Sábado 21 de enero


21:00 · Sala 1 ·
A/Z: Zulueta inédito

Con J de Zulueta

Los días 20 y 21 de enero, el Doré acogerá el concierto con los temas que Jota, líder de Los Planetas, ha compuesto en torno al archivo fílmico de Iván Zulueta.

Cuando Jota recibió la propuesta de Filmoteca Española para sonorizar los materiales fílmicos inéditos sin sonido que habían aparecido en el archivo de Iván Zulueta no pudo negarse. La única condición puesta desde Filmoteca Española era que las películas no podían alterarse en su metraje, tenían que presentarse tal y como han llegado hasta nosotros. Solo en el caso de las películas del fondo que no estaban realizadas por Iván Zulueta, sino por sus progenitores o por alguno de sus hermanos, se podía jugar con el montaje. Para ello Jota ha contado con la complicidad del cineasta Andrés Duque, realizador de la magnética Ivan Z (2004).

Durante los meses que Jota ha estado buceando en las varias horas de material y documentándose al respecto de la figura de Iván Zulueta, los temas han ido surgiendo de manera fluida. Las conexiones entre los universos creativos de uno y otro, de Iván y Jota, de Jota e Iván, se activaron desde el primer momento. El resultado final es que la sucesión de películas y temas articula un arco narrativo que supone a la vez un homenaje y una investigación por parte del músico granadino al artista vasco. Esta es la primera vez que Jota aborda personalmente un ejercicio de estas características, en el que su música tiene que dialogar con unas imágenes preexistentes, pero el resultado ha sido tremendamente satisfactorio, no solo por la interacción entre cada uno de los temas y las películas a los que se asocian, sino también por el concepto que cruza y engloba todo el proyecto. Casi un año y veinte canciones más tarde, todo está listo para tomar la forma del directo, en el que Jota, junto a una banda compuesta por músicos muy cercanos, amigos de largo recorrido, presentará los temas en directo en el cine Doré. En primavera llegará "Zulueta" la edición discográfica del proyecto y su presentación en salas y festivales.

A continuación ofrecemos la lista de temas del concierto y las películas que las acompañan:

1. Para todas las Anas / Montaje I de películas familiares realizado por Andrés Duque (1936-1959)
2. Tormenta eléctrica / Montaje II de películas familiares realizado por Andrés Duque (1936-1959)
3. Dueña / Londres cuca (c. 1967)
4. Cuando el destino / El loco (1959)
5. La estoy perdiendo / California (bobina 1) (1975)
6. El sonido de la confusión / California (bobina 1) (1975)
7. A flúor / California (bobina 1) (1975)
8. Diario de viaje / California (bobina 1) (1975)
9. Luces de neón / Tomas de Londres nocturno (1958)
10. Natalia dice / Te veo (1973)
11. Romeras stn / Maquillaje colas negras (c. 1977)
12. Era una flecha / Negro + cama con varios Morería
13. Fandangos de la lucha de géneros / Hotel (1975)
14. Los desalmados / Hotel (1975)
15. Arrebato (Un buen día para Iván) / Cine Album Kodak 3 (c. 1977)
16. Amén / Perros piscina (c. 1979)
17. Jaleo de la calle / Ugarte
18. Película de plata / Sin título [Eusebio Poncela y Will More] (c. 1978)
19. Échame a mí la culpa / Cine Album Kodak 5 (1973)
20. Así es la vida / AlohaNieveDespegueAvionMiEgo Títulos Mi ego está en Babia (cofre, guantes …) PAPELA FINAL (c. 1978)

Duración total aproximada de la sesión: 90’.

 

- Domingo 22 de enero


17:00 · Sala 1 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Borom sarret + La noire de…

Borom sarret (Ousmane Sembene, 1963). Int.: Ly Abdoulay, Albourah. Senegal, Francia. DCP. VOSE. B/N. 20’.

La noire de… (Ousmane Sembene, 1966). Int.: Mbissine Thérèse Diop, Anne-Marie Jelinek, Robert Fontaine, Momar Nar Sene. Senegal, Francia. DCP. VOSE. B/N. 65’.

Copias restauradas por Cineteca di Bologna, con el apoyo de The Film Foundation, Doha Film Institute, Sembene Estate, Institut National de l’Audiovisuel, Éclair, y el Centre National de Cinématographie.

Esta sesión reúne el primer cortometraje de Sembene, a su vez también la primera película rodada en África por un africano subsahariano, y su primer largometraje, la historia de una joven que se marcha de su Senegal natal para convertirse en empleada doméstica en Francia.

«Si los africanos no cuentan sus propias historias, África desaparecerá dentro de poco». (Ousmane Sembene).

Duración total de la sesión: 85’


18:00 · Sala 2 ·
A/Z: Zulueta inédito

Programa 5: Viaje al final de la noche

• BR (c. 1969)
• Mondra 1 (1980)
• Mondra 2 (1980)
• La novia de Frankenstein (c. 1970)
• CampbellsWillMore1978 79 (1978-1979)
• GISIA BAILE EDURNE Pedro A. Party Carlos Astiarraga
• Fiesta Ceci Clara / Party Cecilia Roth (c. 1980)
• Party de Barcelona. BARNA BOLLS (c. 1977)

Sesión que recupera filmaciones de fiestas con amigas y conocidos, encuentros desenfrenados y parties sinfín. El goce como expresión artística y política. La celebración y el placer, también con su lado oscuro.

Duración total de la sesión: 85’.


20:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

La golondrina cautiva (Zu neuen Ufern, Douglas Sirk, 1937). Int.: Zarah Leander, Willy Birgel, Edwin Jürgensen, Viktor Staal. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 106’.

Cuando se descubre a un noble caído en desgracia cometiendo un delito, una actriz que está perdidamente enamorada de él acepta encubrirle e ir a prisión en su lugar.

«Es una obra de crítica social, de la clase que a mí me gusta. Detesto el término de “crítica social” porque se ha convertido en un cliché, pero no parece que exista otra expresión para describir este tipo de película. Además, la palabra “crítica” (criticism) tiene dos aspectos en inglés. Lo que yo hago en una película como esta es simplemente mostrar cosas; la crítica tiene que empezar en el público. Yo trato simplemente de incitar al público al conocimiento de las circunstancias. La golondrina cautiva es una buena película para hablar de ella porque tiene dos elementos que son fundamentales en mi cine: este aspecto de conciencia social y también el tipo de personaje que siempre me había interesado, tanto en el cine como en el teatro, y que procuré mantener también en el melodrama, el indeciso, el ambiguo, el inseguro». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de La golondrina cautiva se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 135’.

 

- Martes 24 de enero


17:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

The Girl from the Marsh Croft (Das Mädchen vom Moorhof, Douglas Sirk, 1935). Int.: Hansi Knoteck, Ellen Frank, Kurt Fischer-Fehling, Eduard von Winterstein. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 82’.

Adaptación de una novela de Selma Lagerlöf, sigue a una joven que llega a un pueblo para ayudar a una familia en las tareas de la casa y es recibida con creciente hostilidad.

«No elegí personalmente la historia, pero como el Ibsen que hice a continuación (Pillars of Society), Lagerlöf era muy conocida. Había ganado el premio Nobel. Era enormemente popular en la zona que va desde Escandinavia hasta Alemania, aunque nada por supuesto en Inglaterra. Quizá sea comparable a Knut Hamsun; prosigue la tradición de las sagas islandesas. Tiene una simplicidad monumental que es buena para el cine». (Douglas Sirk).


20:30 · Sala 1 ·
Sesión especial

La trastienda (Jorge Grau, 1976). Int.: María José Cantudo, Frederick Stafford, Rosana Schiaffino, Ángel del Pozo, José Suárez, Pep Munné, Carmen de Lirio, Maruchi Fresno, Pedro Ignacio Paul, Joaquín Hinojosa, Susana Estrada. España. 35 mm. Color. 102’.

Con la esperanza de salvar su matrimonio, un médico intenta que trasladen a otro hospital a una enfermera por la que se siente una fuerte atracción. Convertida en uno los emblemas del cine de la transición democrática por mostrar en pantalla el primer desnudo integral desde el inicio de la dictadura, esta producción de José Frade resultó un enorme éxito de taquilla en el momento de su estreno.

Presentación a cargo del cineasta y arquitecto Patxi Burillo.

Duración aproximada de la presentación: 10’ (Total sesión: 110’).

 

- Miércoles 25 de enero


17:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Outrage (Ida Lupino, 1950). Int.: Mala Powers, Tod Andrews, Robert Clarke, Raymond Bond. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 75’.

Tras ser violada cuando volvía del trabajo, una mujer huye de su hogar y se refugia en una granja con una identidad falsa.

«La intersección del #MeToo con el ascenso en años recientes del discurso crítico e industrial sobre los desafíos a los que se han enfrentado las mujeres cineastas ha convertido a Outrage en un texto fundacional […] Junto a Johnny Belinda (Jean Negulesco, 1948), fue la primera película comercial de Hollywood que trató el tema de la violación y sus consecuencias, con un énfasis especial en la experiencia subjetiva de la mujer superviviente. Pero, al contrario que en la película de Negulesco, la violación no es un suceso acotado en el pasado, sino algo que tiene lugar en el presente». (Alexandra Heller-Nicholas).


19:30 · Sala 2 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

La Habanera (Douglas Sirk, 1937). Int.: Zarah Leander, Ferdinand Marian, Karl Martell, Julia Serda. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 98’. Copia restaurada por Murnau Stiftung.

Mientras visita Puerto Rico con su tía, una mujer sueca se enamora de un poderoso noble puertorriqueño y a las pocas semanas se casan. Sin embargo, diez años más tarde su amor se ha convertido en una condena.

«Fuimos a Tenerife, que estaba en manos franquistas, para rodarla. Era en medio de la guerra civil española. Era terrible lo que estaba pasando allí: había un enorme campo de concentración, algo que yo no había visto en Alemania. […] Pero, volviendo a la película, era otra muestra de lo que he llamado crítica social. […] Era una película anticapitalista, cosa que caía bien en Alemania en aquel momento». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de La Habanera se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 130’.


20:30 · Sala 1 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Mandabi (Ousmane Sembene, 1968). Int.: Makhouredia Gueye, Ynousse N’Diaye, Isseu Niang, Mustapha Ture. Senegal, Francia. DCP. VOSE. Color. 105’.

La vida de un senegalés se pone patas arriba cuando recibe la notificación de un modesto envío de dinero por parte de su sobrino, que está trabajando en Francia.

«Quería mostrarle a los africanos las deplorables condiciones de vida en las que viven. Cuando creas, no piensas en el mundo, sino en tu propio país. Al fin y al cabo, serán los africanos los que traerán el cambio a África, no los estadounidenses, los franceses, los chinos o los rusos». (Ousmane Sembene).

 

- Jueves 26 de enero

 

18:30 · Sala 1 · Flores en la sombra

Barajas (Juan Antonio Bardem, 1950). España. DCP. B/N. 21’.

Mientras cursaba el tercer año de Dirección en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, Juan Antonio Bardem rodó veinte minutos de material en 16 mm para un cortometraje documental que habría de retratar la actividad diaria del aeropuerto de Madrid-Barajas. Probablemente debido a las difíciles circunstancias económicas por las que pasaba el IIEC, esos brutos quedaron sin montar y sonorizar, olvidados en los archivos de la institución. Con motivo del centenario del nacimiento de Juan Antonio Bardem, Filmoteca Española ha digitalizado esos materiales, que se podrán ver acompañados de una musicalización compuesta e interpretada por Juan Bardem Aguado, músico especializado en cine y televisión e hijo de Juan Antonio Bardem.

Presentación de la edición impresa del guion de Regreso a Calle Mayor, la secuela de Calle Mayor escrita por Juan Antonio Bardem, a cargo de Bernardo Sánchez Salas, autor del estudio introductorio con el que empieza el volumen.

Duración aproximada de la presentación: 40’ (Total sesión: 60’).


20:00 · Sala 2 ·
«Sala:B»

«Sala:B» y las artes marciales

Made in China (John Liu, 1982). Int.: John Liu, Mirta Miller, Raquel Evans, José María Blanco. España, Hong Kong. 35 mm. Color. 95’.

Kárate contra mafia (Ramón Saldías, 1981). Int.: Agustín Denis, Carolina Yao, Paco Romero, Francisco del Barco. España. 35 mm. Color. 82’.

«Los programas dobles de artes marciales reinaron en los cines de barrio de los 70 y 80. Casi a última hora llegaron estas dos delirantes aportaciones españolas.

Las películas de kung-fu se extendieron como la pólvora con la popularidad de Bruce Lee, convirtiéndose en un fenómeno de explotación internacional. Nadie se las tomaba entonces muy en serio y se distribuían de cualquier manera, con montajes, doblajes y títulos improvisados a gusto de cada país. Made in China es el resultado de esa fiebre destajista: una película firmada por un célebre luchador taiwanés, aunque en realidad nadie iba al volante de este producto incalificable. John Liu es un personaje tan oscuro como fascinante que intentó modelarse una carrera de éxito al estilo Bruce Lee, inventando un arte marcial, el Zen Kwan Do, y usando el cine como trampolín. Su plan consistió en producir tres películas interpretándose a sí mismo y mezclando más ficción que realidad, exhibiendo sus premios, sus portadas y supuestos contactos con la CIA, el KGB o la NASA. Made in China fue la segunda entrega, coproducida con dos veteranos, Bermúdez de Castro y Enrique Esteban, tras producir en Francia Liu en París y seguir con Dragón Blood: Liu en México, rodada en Tenerife. Cada una con estrellas locales de la serie B, en nuestro caso con Mirta Miller, José María Blanco Raquel Evans y Víctor Israel. Otro personaje digno de estudio, el baladista austriaco, karateca y conspiranoico Christian Anders, que había hecho sus pinitos en el cine erótico y de kung-fu, participó también en Made in China como actor invitado y compositor. Las tres películas comparten metraje y tramas, que se remezclan con material nuevo, rodado aquí entre Barcelona y Girona. Existen además montajes diferentes, y en clave más o menos erótica para complacer a todos los exhibidores. La versión española, coescrita por Esteban y remontada por Josep María Aragonés (montador de Sebastián D’Arbó), incluye escenas y tramas de control mental que no aparecen en otras. Es sin duda la versión más desnortada, incluyendo imágenes reales de un accidente de aviación que tuvo lugar en Girona en junio de 1981, ¡con una disculpa en voice-over! Made in China solo puede entenderse como un encargo colectivo, un pastiche inconexo que alcanza cotas de surrealismo propias del trío Zucker y Abrahams.

Kárate contra mafia sigue muy de cerca los resultados de la anterior, pero la escasez de medios es aún más patente. Autoproducida por Ramón Saldías en Las Palmas, simulando ser Hong Kong, cuenta con Albino Graziani, actor local habitual de los rodajes canarios de Jess Franco –con quien Saldías había trabajado de operador– y con Agustín Denis, otro karateca convertido en protagonista de un solo título, eso sí, de culto». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de John Tones, crítico cultural en Xataka, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 200’).


21:00 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Girls of the Night (Onna bakari no yoru, Kinuyo Tanaka, 1961). Int.: Chisako Hara, Akemi Kita, Kyoko Kagawa, Chikage Awashima. Japón. B-R. VOSE. B/N. 93’.

Tras pasar por un correccional que pretende ayudarlas a su reintegración en la sociedad, un grupo de mujeres que en el pasado se dedicaron a la prostitución se enfrentan al estigma social.

«Entre una película y otra, Kinuyo Tanaka abordó una gran gama de géneros, de la comedia romántica al biopic o el drama de época. Es capaz de ejecutar cambios de tono sorprendentes, alcanzar explosiones de emoción o de estirar la tensión (especialmente la sexual) de forma firme pero delicada. Y, aun así, durante toda su carrera, estas muestras de destreza fueron minusvaloradas bajo la asunción de que era una cineasta aupada por sus colaboradores y sus mentores masculinos. La académica Ayako Saito explica que Kenji Mizoguchi, cuya oposición a que Tanaka entrase en el Gremio de Directores de Japón es bien conocida, podría haber llegado a decir: “Kinuyo no tiene el cerebro para ser director de cine”». (Kelley Dong).

 

- Viernes 27 de enero


17:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Be Pretty and Shut Up! (Sois belle et tais-toi!, Delphine Seyrig, 1981). Francia. DCP. VOSI/E. B/N. 115’. Copia restaurada por Centre audiovisuel Simone de Beauvoir en los laboratorios del BNF.

Documental que recoge entrevistas a una veintena de actrices en las que hablan sobre sus experiencias laborales y la forma en que la industria las convierte en objetos.

«En la cima de su fama como actriz, cuando empezó a desafiar su imagen de musa etérea, Delphine Seyrig dirigió este sobrio documental sobre la industria del cine, cómo está dominada por los hombres, las presiones que ejercen sobre las actrices y la escasez de papeles realmente complejos. Alistando a veinticuatro actrices francesas y estadounidenses, incluyendo a Jane Fonda, Maria Schneider, Ellen Burstyn, Jill Clayburgh, Anne Wiazemsky y Julie Berto, para entablar una serie de conversaciones sorprendentemente sinceras sobre los obstáculos y la alienación a las que se habían enfrentado en sus carreras, Seyrig se enfrentó, hace más de 40 años, a esa misoginia enraizada en la industria de la que hoy seguimos discutiendo». (Andréa Picard)


19:00 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata / Clásicos como nuevos

Concierto en la corte (Das Hofkonzert, Douglas Sirk, 1936). Int.: Martha Eggerth, Johannes Heesters, Kurt Meisel, Herbert Hübner. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 85’. Copia restaurada por Förderprogramm Filmerbe.

Relato musical sobre los encuentros y desencuentros amorosos de una cantante en busca de su padre.

«Es una obra de pastelería vienesa. Tras la gravedad de La novena sinfonía, sentí la necesidad de hacer algo ligero y por eso la hice: requería un tono ligero. La rodé en Würzburg en el verano de 1936. Por las fotos puedes ver que era una película de gran presupuesto. Tenía en ella a Martha Eggerth, que era una famosa soprano de la época. Pude hacer algunos experimentos con la iluminación y la cámara. Tenía un operador muy bueno; Weihmayr hizo aquí un magnífico trabajo y lo mantuve para el resto de mis películas alemanas». (Douglas Sirk).


21:00 · Sala 1 · Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Mooladé (Ousmane Sembene, 2004). Int.: Fatoumata Coulibaly, Maimouna Hélène Diarra, Salimata Traoré, Dominique Zeïda. Senegal, Burkina Faso, Marruecos, Túnez, Camerún, Francia. DCP. VOSI/E. Color. 124’.

Cuando se acerca el día en que un grupo de niñas serán sometidas a la ablación genital, una mujer de la aldea las acoge y se niega a que eso ocurra.

«Es el tipo de película que solo puede hacer un director cuyo corazón esté en sintonía con su mente. Es una película política y furiosa, pero también una película bella, llena de humor y un profundo amor por la naturaleza humana. Generalmente, las películas que trabajan con temas controvertidos tienden al exceso de rabia o sentimentalismo. Sembene, que rodó la película con 81 años, ha debido vivir lo suficiente, sufrido lo suficiente y reído lo suficiente para haber encontrado la sabiduría de la edad». (Roger Ebert).

Segunda proyección en febrero.

 

- Sábado 28 de enero

 

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

La bruja novata (Bedknobs and Broomsticks, Robert Stevenson, 1971). Int.: Angela Lansbury, David Tomlinson, Ian Weighill, Cindy O’Callaghan. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 117’.

Una bruja en ciernes, tres niños y un mago estafador se alían para buscar el fragmento perdido de un encantamiento que ayudará a Inglaterra a combatir a los nazis.

«Roger Ebert calificó a la película con dos estrellas y media, comentando que a los niños les gustan “las reinas malvadas, los reyes tiránicos, los piratas y los cocodrilos. SABEN que no traman nada bueno. Pero un niño de 5 años no sabe automáticamente que los nazis son los malos (y una película Disney no es lugar para aprenderlo, en cualquier caso)”. […] Sin embargo, el empeño de Disney por no huir de la realidad sociopolítica de la historia es una de las fortalezas de la película. […] Muchos niños tienen una comprensión de la realidad y la maldad más compleja de lo que Ebert y otros críticos creen. Al igual que los niños protagonistas, Angela Lansbury tuvo que ser evacuada de Londres durante los bombardeos en su juventud. El caos de La bruja novata, con su partido de fútbol entre seres vivos y dibujos animados y su invasión nazi, refleja la caótica realidad de la vida». (Rebecca Long).


19:00 · Sala 2 ·
A/Z: Zulueta inédito

Programa 6: Alrededor de Arrebato:

• Rodaje Laura’s Hamburguesas (1979)
• Cecilia Roth. Material para Arrebato (1979)
• Mate mal y bien (c. 1978)
• Arrebato Party (1979)
• Will More. Material para Arrebato (1979)
• (Sin título) (1979)

Arrebato es una de las películas más celebradas del cine español. Su presencia se ha expandido y desborda los límites de la producción original abriendo múltiples pistas para acercarse a sensaciones y momentos de todo tipo. Esta sesión ensancha un poco más, si cabe, ese universo, sobre el que surgen nuevos destellos constantemente.

Duración total de la sesión: 70’.


21:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Lumière (Jeanne Moreau, 1976). Int.: Lucía Bosé, Francine Racette, Caroline Cartier, Jeanne Moreau. Francia, Italia. DCP. VOSE. Color. 102’. Copia restaurada por Fondation Jeanne Moreau.

Cuatro actrices se reúnen para hablar de sus experiencias sentimentales y profesionales.

«Lo que hace de Lumière una película tan diferente a los demás relatos sobre el cine es que seguimos el punto de vista de una actriz capaz de hacer observaciones inusuales desde el interior del entramado. El fascinante microcosmos de los actores a veces resulta incomprensible a los ojos del profano, y este corre el riesgo de percibir solo los aspectos superficiales de las cosas… y de la película, que en realidad está surcada por una dimensión más compleja. Jeanne Moreau intenta mostrar las dificultades de las interacciones sociales, todavía más complicadas en una profesión que exacerba las pasiones y acelera el paso del tiempo». (Jean-Claude Moireau).

Segunda proyección en febrero. 

 

- Domingo 29 de enero

 

17:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

La novena sinfonía (Schlußakkord, Douglas Sirk, 1936). Int.: Willy Birgel, Lil Dagover, Mária Tasnádi Fekete, Maria Koppenhöfer. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 100’.

Obligada a emigrar a Estados Unidos, una mujer alemana decide ceder a su bebé en adopción. Cuando regresa a Alemania tiempo después, se introduce como niñera en la casa de la familia que acogió a su hijo para poder estar cerca de él.

«Es una película bastante importante en mi carrera. […] Era la primera vez que prescindía del material literario. […] Me di cuenta de que debía romper por completo con mi pasado teatral. […] Al principio estaba terriblemente atado a la literatura. A partir de La novena sinfonía me liberé de ella y traté de desarrollar un estilo cinematográfico. Empecé a comprender que aquí la cámara es lo importante […] El movimiento es emoción, en un modo en el que nunca puede serlo en el teatro». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de La novena sinfonía se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 130’.


19:00 · Sala 2 ·
A/Z: Zulueta inédito

Programa 7: Apuntes y bocetos:

• Kodak Virg Virg
• Chicago 1980
• ReyesEtcAcuariumVersionCompleta (c. 1975)
• Fuegos Artifi Foro Proyecto (c. 1971)
• Materiales originales Amalgama Roma (c. 1975)
• Nenes (c. 1972)
• Cine Album Kodak 6 (c. 1969)
• TitulosMiEgoEsta_RefilmacionIrureta (c. 1978)

El mundo de Zulueta se expande. Los bocetos, pruebas y experimentos aquí reunidos permiten lanzar nuevas hipótesis sobre su cine. Si bien todas las sesiones del programa incluyen, de uno u otro modo, materiales que pueden funcionar como ambiciosas hipótesis de hasta dónde puede llegar la obra de Zulueta, en esta última esa, y no otra, es la línea de puntos que lo proyecta al futuro.

Duración total de la sesión: 85’.


20:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Broken Sky (Brusten Himmel, Ingrid Thulin, 1982). Int.: Thommy Berggren, Susanna Käll, Margaretha Krook, Agneta Eckemyr. Suecia. DCP. VOSE. Color. 99’. Copia restaurada por el Swedish Film Institute.

Harta de su familia y de la pesada atmósfera de su hogar durante los años de la Segunda Guerra Mundial, una adolescente se refugia en su propio mundo. El único largometraje dirigido en solitario por la actriz Ingrid Thulin, más conocida por sus trabajos en películas como Fresas salvajes (Ingmar Bergman, 1957), Los cuatro jinetes del apocalipsis (Vincente Minelli, 1962) o La caída de los dioses (Luchino Visconti, 1969).


- Martes 31 de enero

 

17:30 · Sala 1 · Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Xala (Ousmane Sembene, 1975). Int.: Thierno Leye, Myriam Niang, Seune Samb, Fatim Diagne. Senegal. DCP. VOSE. Color. 123’.

Coincidiendo con el proceso de independencia de Senegal, un funcionario roba dinero público para pagar la boda con su tercera mujer. Todo parece ir bien hasta que llega a la noche de bodas.

«Salvo casos excepcionales, en las obras de Sembene (tanto literarias como cinematográficas) abundan los personajes femeninos fuertes y elocuentes frente a los hombres débiles y superficiales. Aunque creció en una comunidad musulmana, Sembene pasó buena parte de su vida fuera de un contexto estrictamente musulmán. Y, como humanista que desea dar una nueva forma a África, rompe con la norma aceptada de que la sociedad ha de estar dominada por los hombres […] Sembene defiende que la mujeres africanas han sido, tradicionalmente, las guardianas y transmisoras de la auténtica identidad africana». (Françoise Pfaff).


20:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Triad (Dreiklang, Hans Hinrich, 1938). Int.: Lil Dagover, Paul Hartmann, Rolf Moebius, Helga Marold. Alemania. 35 mm. VOSE. B/N. 95’.

Melodrama que sigue la historia de un padre y un hijo que se enamoran de la misma mujer. Escrita por Douglas Sirk, aunque dirigida por otro habitual de la UFA, Hans Hinrich.

«Era una película que tenía muchas ganas de hacer. Yo mismo había escrito el guion, basado en dos relatos rusos: El disparo, de Pushkin, y Primer amor, de Turgueniev. […] Creo que el tratamiento era muy bueno. Era una historia muy interesante, típica de cierta tendencia de mi obra. Es una historia de amor, pero una de esas historias de amor imposible que a menudo he intentado hacer, esta era la primera. Es también una historia de amor en circunstancias extremas de amor socialmente condicionado. […] Elegí las localizaciones y todo para la película, el vestuario, los decorados, todo. Y entonces me tuve que ir de Alemania». (Douglas Sirk).

 

 

FEBRERO DE 2023

 

Este mes continúan las retrospectivas de los directores Douglas Sirk y Ousmane Sembene, se proyectan nuevos títulos de "Devolver la mirada. Actrices directoras" y de Lola Flores, se celebran los 70 años de Filmoteca Española, se dedican varias sesiones al guionista y realizador Fernando Merinero, así como a la vanguardia cinematográfica ucraniana, y se ofrece un pequeño homenaje a la técnica de la rotoscopia. Además, y como casi todos los meses, habrá sesiones de Serie:B, Filmoteca Junior otras especiales.

 

- Miércoles 1 de febrero

 

17:30 · Sala 1 · Los mil y un embrujos de Lola Flores

Pena, penita, pena (Miguel Morayta, 1953). Int.: Lola Flores, Luis Aguilar, Antonio Badú, Fernando Soto. México, España. DCP. Color. 103’.

Una joven que se gana la vida vendiendo lotería termina, por puro azar, viajando a México en busca de su antiguo novio.

«La más exitosa, por ende recordada, de las coproducciones hispano-mexicanas urdidas por el productor Cesáreo González bajo la premisa argumental/conceptual “gitana andaluza en México”, buscando el lucimiento de estrellas folclóricas de ambos países implicados. Dirigida y escrita por Miguel Morayta, español exiliado, constituye una obra honesta y definida, apreciable y nada aburrida, dentro de sus concesiones o limitaciones, en la cual existe un interesante equilibrio entre los rasgos culturales españoles y mexicanos […] En términos musicales, sobresale la zambra homónima, desde entonces uno de los temas emblemáticos de la estrella; ahora bien, estéticamente llama la atención la escena donde Lola Flores recita, y muy bien, el poema Muerto de amor, de Rafael de León». (Carlos Aguilar y Anita Haas).


19:00 · Sala 2 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Accord final (Ignacy Rosenkranz, 1938). Int.: Käthe von Nagy, Jules Barry, George Rigaud, André Alerme. Francia, Suiza. 35 mm. VOSN/E. B/N. 76’.

En una fiesta, un músico con propensión a hacer apuestas imposibles asegura que se va a casar con la décima mujer que entre en el conservatorio de Ginebra al día siguiente. Aunque Douglas Sirk no aparece acreditado, fue el responsable de rodar buena parte de este largometraje durante su estancia en Zúrich tras huir de Alemania y de los nazis con su esposa.

Segunda proyección el M7 a las 21.30 h.


21:00 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Capitanes de abril (Capitães de Abril, Maria de Medeiros, 2000). Int.: Stefano Accorsi, Maria de Medeiros, Joaquim de Almeida, Fele Martínez. Portugal, España, Italia, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 123’.

Largometraje de ficción que sigue los sucesos que desembocaron en la Revolución de los claveles, una revuelta pacífica que supuso el final de la dictadura en Portugal y un suceso fundamental en el proceso de independencia de varias colonias portuguesas.

«En una parte de la literatura y el cine bélico, el hombre, enfrentado a la experiencia límite de la destrucción, revela lo que Edward Bond llama “la inocencia radical”, algo así como el núcleo duro de la humanidad. En los “capitanes de abril” he encontrado ese contraste entre la familiaridad con la brutalidad de la muerte y el deseo conmovedor de comprender esos actos, de subvertir la lógica de la obediencia ciega, de la ausencia de pensamiento». (Maria de Medeiros).

Segunda proyección el D26 a las 17.00 h.

 

- Jueves 2 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Extraña confesión (Summer Storm, Douglas Sirk, 1944). Int.: Linda Darnell, George Sanders, Edward Everett Horton, Anna Lee, Sig Ruman. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 106’.

Tras la Revolución Rusa, un ex aristócrata empobrecido ofrece a la dirigente de una editorial las memorias de un amigo que vivió la caída del Imperio Ruso.

«El flashback cuenta la historia por anticipado, pero no toda la historia. Lo utilicé para destruir el suspense a fin de crear suspense, un tipo diferente de suspense, o antisuspense. No me siento bien con el suspense normal. Siempre traté de evitarlo y generalmente lo conseguí. O bien tienes que ser Hitchcock y entonces puedes hacerlo. […] Las peculiaridades de la mente de los personajes de una película o una obra de teatro deberían ser encubiertas por el autor, o el director, para estimular así la curiosidad y la emoción del espectador. Me parece que el único modo de provocar el suspense y la participación auténtica del espectador es precisamente este». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el D19 a las 17.00 h.


20:00 · Sala 1 ·
Fernando Merinero. Hijo del viento

Los hijos del viento (Fernando Merinero, 1995). Int.: Rosa Estévez, Magaly Santana, Felicitas García, Fernando Merinero. España. 35 mm. Color. 115’.

Un abogado madrileño viaja a Canarias para reencontrarse con una antigua clienta a la que ayudó a huir de la justicia.

«Es una historia de almas perdidas, de personajes al límite que se entregan al amor y sucumben a él. Fundamentalmente refleja la esencia del amor. Es como un dardo dirigido al corazón de nuestras conciencias». (Fernando Merinero).

Presentación a cargo del director, Fernando Merinero. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60'.

Duración total de la sesión: 1 hora y 55 minutos.

 

- Viernes 3 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata / Clásicos como nuevos

La Habanera (Douglas Sirk, 1937). Int.: Zarah Leander, Ferdinand Marian, Karl Martell, Julia Serda. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 98’. Copia restaurada por Murnau Stiftung.

Mientras visita Puerto Rico con su tía, una mujer sueca se enamora de un poderoso noble puertorriqueño y a las pocas semanas se casan. Sin embargo, diez años más tarde su amor se ha convertido en una condena.

«Fuimos a Tenerife, que estaba en manos franquistas, para rodarla. Era en medio de la guerra civil española. Era terrible lo que estaba pasando allí: había un enorme campo de concentración, algo que yo no había visto en Alemania. […] Pero, volviendo a la película, era otra muestra de lo que he llamado crítica social. […] Era una película anticapitalista, cosa que caía bien en Alemania en aquel momento». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de La Habanera se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 130’.

Sesión gratuita hasta completar el aforo.


19:00 · Sala 2 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Faat Kiné (Ousmane Sembene, 2001). Int.: Venus Seye, Mame Ndoumbé, Awa Sene Sarr, Tabata Ndiaye. Senegal. 35 mm. VOSE. Color. 117’.

A pesar de la presión de su entorno para que deje de ser madre soltera, Faat Kiné rechaza todas y cada una de las propuestas de matrimonio que le hacen para defender su independencia.

«Las dos últimas películas de Sembene -que forman parte de una trilogía inacabada titulada "El heroísmo de la vida cotidiana"- se centraron en los problemas a los que se enfrentan las mujeres en el África contemporánea. Faat Kiné presenta una imagen fascinante de la evolución del papel de la mujer en la sociedad senegalesa. Quizá lo más destacable de la película sea su capacidad para captar el comportamiento bullicioso, a menudo escandaloso, y el humor subido de tono de Faat Kiné y sus amigas. Lejos de las vírgenes virtuosas y las viejas madres sabias de la "tradición", son seres humanos complejos con sus propias necesidades sexuales y emocionales, capaces de sobrevivir sin los hombres». (David Murphy y Patrick Williams).

Segunda proyección el D12 a las 20.30 h.


21:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Vivre ensemble (Anna Karina, 1973). Int.: Anna Karina, Michel Lancelot, Monique Morelli, Vivianne Blassel. Francia. DCP. VOSE. Color. 92’. Copia restaurada por Celluloid Angels.

Un profesor de historia casado rompe con su vida cuando se enamora de una joven idealista. Sin embargo, la relación se complica cuando empiezan a vivir juntos. El debut como directora de la actriz Anna Karina, que también escribió el guion, aunque en un principio lo firmó con el pseudónimo de Michel Wally: “Puse otro nombre para que la gente pensase que era un hombre, para no tener que escuchar sus discursos habituales”.

 

- Sábado 4 de febrero


17:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior

El señor de los anillos (Lord of the Rings, Ralph Bakshi, 1978). EEUU, Reino Unido, España. 35 mm. VOSE. Color. 132’.

Adaptación animada de las famosas novelas de J.R.R. Tolkien, que siguen al joven Frodo en su viaje a la tierra de Mordor para deshacerse de una poderosa reliquia deseada por el malvado Sauron.

«Mi planteamiento inicial no era rodar la película entera en imagen real, hasta que empecé a ver lo bien que funcionaba. Aprendí muchas cosas durante el proceso, por ejemplo sobre ondulaciones. En una escena, hay una serie de figuras de pie sobre una colina y las azota una ráfaga de viento; las sombras moviéndose arriba y abajo según sus ropas se agitan generan una animación increíble. De otra forma no creo que pudiera generar la sensación de frío, salvo mostrando la nieve o poniendo un témpano en la nariz de alguien. Los personajes tienen peso y se mueven correctamente». (Ralph Bakshi).


18:30 · Sala 2 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Entre nosotras (Coup de foudre, Diane Kurys, 1983). Int.: Miou-Miou, Isabelle Huppert, Guy Marchand, Jean-Pierre Bacri, Christine Pascal, Patrick Bauchau. Francia. DCP. VOSE. Color. 110’. Copia restaurada.

En la Francia de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, dos mujeres con un pasado trágico se conocen en el colegio de sus hijos e inician una relación sentimental.

«No es ese tipo de película que parece un relato, sino una novela, el tipo de novela que se construye perfectamente a partir de vívidos incidentes. Solo al final te das cuenta de cuánto territorio, social y psicológico, ha cubierto y lo fácilmente que lo ha hecho. […] Igual de admirable que la distancia con la que observa sus sujetos es la belleza y el humor que imprime en sus momentos más aparentemente vulgares. Es maravillosa la manera en que mira al aburrimiento y la felicidad de la vida familiar, a las crisis más nimias y las más grandes». (Vincent Canby).


21:00 · Sala 1 · Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Ceddo (Ousmane Sembene, 1977). Int.: Tabata Ndiaye, Alioune Fall, Moustapha Yade, Matoura Dia. Senegal, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 120’.

Los Ceddo tratan de evitar su conversión forzada al Islam secuestrando a la hija de un monarca que se ha aliado con los musulmanes.

«En Ceddo […] la historia senegalesa vuelve a ser escrutada y revalorizada porque, según Sembene, "nuestra historia no fue enseñada a la gente de mi generación. Conocemos las fechas, las leyendas, pero no vemos claramente lo que ocurrió. Nuestro objetivo aquí es dramatizar la historia y enseñarla para no dejar que otros nos la enseñen a nosotros". […] Para muchos senegaleses y otros conocedores de la historia senegalesa, el título de la película evoca inmediatamente el espíritu inquebrantable de los Ceddo, que no son un grupo étnico, sino un pueblo unido por un pensamiento común. Para los Wolof, Serer, Soce y Pular, "ser un Ceddo" es un estado de ánimo. Tradicionalmente, los Ceddo han sido los guardianes y defensores de la identidad africana, rebelándose inicialmente contra la expansión musulmana en Senegal». (Françoise Pfaff).

Segunda proyección el J23 a las 17.30 h.

 

- Domingo 5 de febrero


17:00 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Más fuerte que la ley (Shockproof, Douglas Sirk, 1949). Int.: Cornel Wilde, Patricia Knight, Howard St. John, John Baragrey, Esther Minciotti. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 79’.

Una mujer sale con libertad condicional tras cumplir cinco años en prisión por asesinato. El agente encargado de vigilarla se enamora de ella.

«Recuerdo que Sam Fuller (a quien nunca conocí) llevó un guion a Columbia, que supuestamente iba a rodar yo. Me gustaba muchísimo el guion. Pero en contra de mi deseo llamaron a Helen Deutsch para que lo modificara. Yo no tuve ninguna influencia en el guion […] Había algo muy visceral en el guion de Fuller. El personaje del poli era interesante. Se enamoraba. Dejaba su trabajo. Se escondía. Y acaba luego tiroteándose con el otro policía. Poli contra poli. Era muy melodramático, por supuesto, pero entre las secuencias de peleas había situaciones extremas, amor socialmente condicionado… e imposible. En el final de Fuller el tipo había cambiado. Algo había empezado a florecer en su maldita alma de poli». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el X22 a las 21.00 h.


19:00 · Sala 2 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Camp de Thiaroye (Ousmane Sembene y Thierno Faty Sow, 1988). Int.: Sidiki Bakaba, Hamed Camara, Ismaël Lô, Philippe Chamelat. Senegal, Argelia, Túnez. 35 mm. VOSE. Color. 152’.

Partiendo de los sucesos históricos que llevaron a la conocida como “matanza de Thiaroye”, la película narra la escalada de injusticias que el ejército francés cometió contra un grupo de soldados del África colonial.

«La idea de la resistencia a la autoridad es fundamental en la visión del mundo de Sembene, y sus películas están impregnadas de una ira ardiente contra todas las formas de injusticia. Tras una educación truncada, trabajó como mecánico, albañil y carpintero, antes de alistarse en los tirailleurs sénégalais (tropas coloniales africanas de Francia) en la Segunda Guerra Mundial, donde sirvió en Alemania y el norte de África. En 1946, Sembene regresó a Senegal, donde participó en la huelga de ferroviarios de 1947-48 (que más tarde se convertiría en el tema de la novela de Los trozos de madera de Dios), pero en dos años regresó a Francia, donde permaneció hasta 1960. Su trabajo como estibador en Marsella le llevó a convertirse en funcionario sindical de la Confédération Générale du Travail (CGT) comunista, y el acceso a la biblioteca del sindicato le inspiró para iniciar un curso intensivo de lectura que abarcaba tanto el marxismo como los textos clave del canon literario francés, que pronto inspiraron sus propias ambiciones literarias». (David Murphy y Patrick Williams).

Segunda proyección el X15 a las 20.00 h.


20:30 · Sala 1 ·
Fernando Merinero. Hijo del viento

El viaje de Penélope (Fernando Merinero, 2010). Int.: Glauca, Fernando Merinero, Mar Sotorrio, Adrián Jordán. España. DCP. Color. 84’.

Reinterpretación del relato homérico que sigue a Ulises y Penélope y lo que les sucede cuando el primero se marcha y la segunda es acosada por pretendientes.

«Penélope es un hombre y Ulises una mujer… Y Telémaco está interpretado por un hombre y una mujer indistintamente. La película es, en esencia, un espejo del amor de nuestro tiempo». (Fernando Merinero).

 

- Martes 7 de febrero

 

17:30 · Sala 1 · Fernando Merinero. Hijo del viento

Capturar + Alumbrar

Capturar: Las 1001 novias (Fernando Merinero, 2017). Int.: Fernando Merinero, Hadelah, Angélica Revert, Montse Berciano. España. DCP. Color. 88’.

Alumbrar: Las 1001 novias (Fernando Merinero, 2017). Int.: Fernando Merinero, Hadelah, Mariu Bárcena, Sauce Ena. España. DCP. Color. 85’.

Sesión que reúne las dos primeras películas de la trilogía de “Las 1001 novias”, definidas por su propio director como una suerte de selfies cinematográficos en los que él mismo parte en busca de sus antiguas novias.

«Cuando pienso en “Las 1001 novias” me siento como un equilibrista caminando por la delgada línea que separa la ficción de la realidad, como un activista del corazón, como un agitador de emociones y a la vez como un seductor trasnochado burlándose de sí mismo y de su obra». (Fernando Merinero)

Duración total de la sesión: 173’.


21:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Accord final (Ignacy Rosenkranz, 1938). Int.: Käthe von Nagy, Jules Barry, George Rigaud, André Alerme. Francia, Suiza. 35 mm. VOSN/E. B/N. 76’.

En una fiesta, un músico con propensión a hacer apuestas imposibles asegura que se va a casar con la décima mujer que entre en el conservatorio de Ginebra al día siguiente. Aunque Douglas Sirk no aparece acreditado, fue el responsable de rodar buena parte de este largometraje durante su estancia en Zúrich, tras huir de Alemania y de los nazis con su esposa.

 

- Miércoles 8 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Boefje (Douglas Sirk, 1939). Int.: Annie van Ees, Albert van Dalsum, Enny Snijders, Piet Bron. Países Bajos. 35 mm. VOSE. B/N. 94’.

Un travieso niño de Rotterdam sueña con convertirse en un pandillero. El encuentro con un pastor local provoca grandes cambios en su vida.

«Tuve una oferta para hacer Boefje, que estaba basada en una novela holandesa de ese título. Escribí el guion con Carl Zuckmayer, un por entonces bastante conocido dramaturgo alemán, que era un emigrado, como yo… […] Rodé personalmente toda la película en Holanda, pero se montó después de marcharme y nunca he visto la versión definitiva. Se estrenó después de mi partida, porque la señora Sirk y yo salimos de Holanda el último día de rodaje, en el último barco que había, el Staatendam… Por lo que recuerdo, la única cosa interesante de ella es que el personaje del chico está interpretado por una chica, Annie van Ees, que había hecho el papel en el teatro. Pero era una película de presupuesto ridículamente pequeño». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el J16 a las 20.00 h.


19:30 · Sala 2 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Guelwaar (Ousmane Sembene, 1992). Int.: Abou Camara, Marie Augustine Diatta, Mame Ndoumbé Diop, Moustapha Diop. Senegal, Francia, Alemania, EEUU. DCP. VOSE. Color. 115’.

Dos hombres, uno musulmán y el otro cristiano, mueren el mismo día. Cuando la familia de uno de ellos recibe el cuerpo equivocado, la situación se torna rápidamente desastrosa.

«Cuando el cadáver de Guelwaar se pierde en la primera mitad del film, aún no hay una base concreta para la relación entre las comunidades cristiana y musulmana; no existían la una para la otra, a pesar de vivir puerta con puerta. Pero el incidente concreto con el cadáver, lo que Žižek llama “un poco de realidad”, se convierte en una disrupción que se cuela en sus espacios autónomos y les obliga a relacionarse, una relación simbólica marcada por el conflicto y la falta de armonía, por la creación de un nuevo espacio en el que la negociación es necesaria». (Kenneth W. Harrow).


20:30 · Sala 1 ·
Fernando Merinero. Hijo del viento

Agujetas en el alma (Fernando Merinero, 1988). Int.: Martxelo Rubio, Myriam Mézières, Bruno Buzzi, Nathalie Seseña, Joan Potau, Carmen Merinero. España. 35 mm. Color. 93’.

De cara a su próximo proyecto, un director de cine comienza a realizar una serie de castings para encontrar a su actriz protagonista, pero cada prueba resulta más surrealista que la anterior.

«Homenajea de alguna forma a esa gente que se aproxima al mundo del cine desde un lado u otro de la cámara, pero trata al mismo tiempo de desmitificar esa figura del actor envuelto en glamour. No he querido mostrar solo la parte hermosa y resplandeciente de la gente que se aproxima a este pequeño gran arte, sino también sus miserias». (Fernando Merinero).

Presentación a cargo de la actriz Myriam Mézières y el director, Fernando Merinero. Duración aproximada de la presentación: 20’.

Duración total de la sesión: 115’. 

 

- Jueves 9 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Hitler's Madman (Douglas Sirk, 1943). Int.: Patricia Morison, John Carradine, Alan Curtis, Howard Freeman, Blanche Yurka, Victor Kilian, Ludwig Stössel. EEUU. 35 mm. VOSF/E. B/N. 84’.

Un comandante de las SS es asesinado por unos partisanos tras una brutal represalia nazi en un pueblo checo.

«Me ofrecieron esta película, que debía rodarse con bastante rapidez: me dieron una semana de rodaje. Me la presentaron específicamente como una película de muy bajo presupuesto, ni siquiera una serie B, sino una serie C o D. Me di cuenta de que representaba a la vez una oportunidad y un peligro. Podía ser útil y podía lanzarme. O podía encasillarme como un director de serie B. Y cuando te sucede esto, da lo mismo lo bueno que seas, puedes quedarte definitivamente encasillado. Ulmer, por ejemplo, creo que es un buen director, pero quedó encasillado en la serie B mientras estuvo en Hollywood». (Douglas Sirk).

Segunda proyección V17 a las 20.30 h.


19:30 · Sala 2 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Yentl (Barbra Streisand, 1983). Int.: Barbra Streisand, Mandy Patinkin, Amy Irving, Nehemia Persoff. Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 133’.

Tras la muerte de su padre, una mujer judía se hace pasar por hombre para poder estudiar.

«Por un lado sentía que estaba preparada para contar esta historia, pero por otro tenía mucho miedo. En aquella época era mucho más difícil para un mujer dirigir, así que me sentía responsable, sabía que si la película era un desastre muchas otras mujeres lo tendrían aún más difícil para conseguir trabajo como directoras». (Barbra Streisand).


20:00 · Sala 1 ·
Flores en la sombra

El filandón (José María Martín Sarmiento, 1985). Int.: Magín Mayo, Julio Llamazares, José María Merino, Luis Mateo Díez. España. DCP REST. Color. 100’. Copia restaurada por Filmoteca de Castilla y León.

Un grupo de personas se congrega en una ermita leonesa para realizar un filandón, una reunión en la que cada uno de los asistentes debe contar una historia.

«Hubo dos cosas que acabaron con la tradición: la electricidad y la televisión. La electricidad acaba con la imaginación en gran parte. Imagínate que estás en un pueblo sin luz, pasas por un cementerio y un espino te agarra el jersey. Eso, que sería forzosamente un muerto, con luz sería un espino. La luz apaga la imaginación. Y la televisión, sin pedir permiso, entra en las casas, se presenta como sustitutivo y la gente pasa de ser protagonista a espectadora». (José María Martín Sarmiento).

Presentación a cargo del director, José María Martín Sarmiento, y la directora de Filmoteca de Castilla y León, Maite Conesa. Duración aproximada de la presentación: 30’.

Duración total de la sesión: 130’.

 

- Viernes 10 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

L’Adolescente (Jeanne Moreau, 1979). Int.: Simone Signoret, Francis Huster, Laetitia Chaveau, Edith Clever, Jacques Weber, Jean-François Balmer. Francia, RFA. DCP REST. VOSE. Color. 90’. Copia restaurada por Fondation Jeanne Moreau.

Pocos meses antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, un matrimonio y su hija adolescente pasan el verano en el pueblo de la abuela. Allí, la joven empieza a descubrir el amor, el sexo y la infidelidad.

«Jeanne Moreau define el tema como "el peligroso paso de la infancia a la feminidad, el momento en que despierta la conciencia, cuando el lenguaje de los adultos se vuelve claro en lugar de parecer codificado...". Debido a las localizaciones y a la calidad del silencio, el rodaje tuvo lugar a finales del verano de 1978 en la región francesa de Rouergue, pero el escenario debía ser Auvernia, región vecina en la que nació el padre de Jeanne. El relato evoca el periodo inmediatamente anterior a la guerra, una época en la que ella tenía más o menos la misma edad que su joven heroína. La madre de la protagonista es, como la suya, extranjera. En cuanto a su abuela posadera, una pariente lejana a la que Jeanne llamaba "granny" le sirvió de modelo: de niña, en cuanto enfermaba o convalecía, sus padres la enviaban a Saint-Maurice-de-Pionsat, a casa de Madame Pasquier, que regentaba allí una posada. Jeanne dice que descubrió, gracias a esta mujer a la vez muy fuerte y muy dulce, "la virtud del trabajo, la fuerza de la naturaleza, los misterios de la vida profunda"». (Henriette Jelinek).

Segunda proyección el J16 a las 21.00 h.


18:30 · Sala 2 ·
Fernando Merinero. Hijo del viento

Cortometrajes de Fernando Merinero (Super 8):

• Una jornada desigual (Fernando Merinero, 1986). España. BDG. Color. 3’.
• Si tocas la flauta, ¿por qué no el violín? (Fernando Merinero, 1988). Int.: Ana Kay, Carmen Merinero, Nathalie, Laura Tabanera. España. BDG. Color. 14’.
• Te moriré siempre (con nuestras propias manos) (Fernando Merinero, 1989). Int.: Fernando Merinero, Carmina Clemente, Lara Fraile, Charo Gabella. España. BDG. Color. 29’.
• El oído de la cámara (Fernando Merinero, 1991). España. BDG. Color. 12’.
• Pisa Moreno (Fernando Merinero, 1989). Int.: Viviana de Sans, Carmen del Valle, Charo Gabella, Montserrat Gili. España. BDG. Color. 30’.

Esta sesión reúne una selección de los cortometrajes que Fernando Merinero realizó en formato Super 8 durante los inicios de su carrera. Las copias que se proyectan son digitalizaciones de los Super 8 originales.

Duración total de la sesión: 88’.


21:00 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Alrededor de la medianoche (‘Round Midnight, Bertrand Tavernier, 1986). Int.: Dexter Gordon, François Cluzet, Sandra Reaves-Phillips, Lonette McKee. EEUU, Francia. DCP REST. VOSI/E. Color. 133’. Copia restaurada por Janus Films.

Un saxofonista de jazz devorado por el alcoholismo recibe un encargo para tocar en París. Allí iniciará una amistad que le dará un nuevo sentido a su vida.

«Teníamos una cierta sensación de responsabilidad cuando rodamos la película… Sentía que estaba representando a cientos de gatos callejeros. No todos se habían exiliado en Europa, pero todos eran músicos de jazz que habían trabajado duro y habían terminado sin reconocimiento ni dinero. […] Conseguimos ampliar el personaje protagonista, introduciendo en él un centenar de personalidades. Las de todos mis héroes». (Dexter Gordon).

 

- Sábado 11 de febrero


17:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior

Nimh: El mundo secreto de la señora Brisby (The Secret of Nimh, Don Bluth, 1982). EEUU. DCP. VOSE. Color. 82’.

Cuando uno de sus hijos cae enfermo, una ratona se ve obligada a pedir la ayuda de una comunidad de ratas con un pasado misterioso.

«En 1979, los animadores Don Bluth, John Pomeroy y Gary Goldman abandonaron Disney con la intención de formar su propio estudio, tras años de decepciones por lo que veían como el declive de una gran compañía. Tenían nobles ideales y mucho que demostrar, pero con su primer largometraje estuvieron a la altura del desafío. […] El equipo de Bluth dibujó cada fondo con una abundancia de detalles, texturas, peso y profundidad. Vistieron a los personajes con sombras y reflejos, construyeron el tono de cada escena usando expresivas paletas de colores y planteamientos lumínicos y diseñaron vívidos efectos fotográficos que literalmente hacen que la película resplandezca». (Tasha Robinson).


19:00 · Sala 2 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Obsesión (Magnificent Obsession, Douglas Sirk, 1954). Int.: Rock Hudson, Jane Wyman, Barbara Rush, Agnes Moorehead, Otto Kruger. EEUU. DCP. VOSE. Color. 108’.

Un millonario provoca imprudentemente la muerte de un médico. Como compensación a la viuda, se mantiene unido a ella, lo que hace florecer el amor entre ambos.

«Mi reacción inmediata ante Obsesión fue de desconcierto y de desaliento. Pero aun así, me sentía atraído por algo irracional que había en ella. Algo demencial, en cierto modo; bueno, obsesionado, porque esta es una historia de locos como poca. La ceguera de la mujer. La ironía general; no la ironía en el sentido habitual de la palabra, sino como elemento estructural de antinomia. El doctor Phillips, el marido de esta santa mujer, muere para que otro pueda vivir. Es una ironía euripidiana. [..] Me gusta a la vez el amor y su imposibilidad. Y esto es quizá lo que conseguí en Obsesión, aunque la ironía está un poco soterrada y el “final feliz” es un poquito más que un simple deus ex machina». (Douglas Sirk)

Antes de la proyección de Obsesión se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 135’.

Segunda proyección el V24 a las 21.00 h.


21:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Las hermanas alemanas (Die bleierne Zeit, Margarethe von Trotta, 1981). Int.: Jutta Lempe, Barbara Sukowa, Rüdiger Vogler, Doris Schade. RFA. DCP REST. VOSE. Color. 106’. Copia restaurada por StudioCanal.

En la Alemania de 1968, dos hermanas luchan por cambiar la sociedad a través de caminos muy diferentes: una está entregada al periodismo, mientras que la otra decide unirse a un grupo terrorista.

«Inspirándose en los casos de Gudrun Ensslin -la terrorista de Baader-Meinhof y "suicida" de Stammheim- y su hermana periodista, von Trotta aborda una vez más las cuestiones de las raíces y los posibles caminos de la resistencia y la revuelta de las mujeres, creando un inquietante mosaico de historias personales y estatales en torno a una relación fraternal de una complejidad intrigantemente contradictoria. Como en El honor perdido de Katharina Blum, el terrorismo es un fenómeno fuera de la pantalla; sus ramificaciones a nivel personal, y sus equivalentes reaccionarios no etiquetados, marcan el doloroso tema de la película a lo largo de al menos una generación: desde dos colegialas que ven películas de los campos de concentración hasta un joven hijo que casi es quemado vivo en los años 80 debido a su ahora notorio parentesco. Una audaz afirmación de la continuidad de la historia por parte de la cultura más dispuesta a negarla, y un cine político excelente y accesible». (Paul Taylor).

Segunda proyección el X22 a las 17.30 h.

 

- Domingo 12 de febrero


17:00 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

El asesino poeta (Lured, Douglas Sirk, 1947). Int.: Geoge Sanders, Lucille Ball, Charles Coburn, Boris Karloff, Cedric Hardwicke, Joseph Calleia. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 102’.

Después de matar a siete mujeres, el asesino envía un poema a Scotland Yard. Un detective decide utilizar como cebo a una bailarina para atraparlo.

«Traté de hacer con Karloff algo parecido a lo que había hecho con Horton en Extraña confesión y Karloff estaba muy satisfecho con el papel. Era un poco lo mismo con Coburn, que estaba considerado como un actor de comedia, y esto dio al papel del detective una cualidad adicional, con su afabilidad. Lucille Ball, también, era conocida como actriz de comedia. Aquí, acuérdate, ofrece sus servicios a la policía como agente secreto y creo que le di cierta ironía al personaje y un poco de esa identidad cambiante que tenían los personajes de Vidocq y Cagliostro: los tres les parecían a los demás un poco diferentes a cómo eran en realidad». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el S18 a las 19.30 h.


18:30 · Sala 2 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Lumière (Jeanne Moreau, 1976). Int.: Lucía Bosé, Francine Racette, Caroline Cartier, Jeanne Moreau, Bruno Ganz, Keith Carradine, Francis Huster. Francia, Italia. DCP REST. VOSE. Color. 102’. Copia restaurada por Fondation Jeanne Moreau.

Cuatro actrices se reúnen para hablar de sus experiencias sentimentales y profesionales.

«Lo que hace de Lumière una película tan diferente a los demás relatos sobre el cine es que seguimos el punto de vista de una actriz capaz de hacer observaciones inusuales desde el interior del entramado. El fascinante microcosmos de los actores a veces resulta incomprensible a los ojos del profano, y este corre el riesgo de percibir solo los aspectos superficiales de las cosas… y de la película, que en realidad está surcada por una dimensión más compleja. Jeanne Moreau intenta mostrar las dificultades de las interacciones sociales, todavía más complicadas en una profesión que exacerba las pasiones y acelera el paso del tiempo». (Jean-Claude Moireau).


20:30 · Sala 1 · Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Faat Kiné (Ousmane Sembene, 2001). Int.: Venus Seye, Mame Ndoumbé, Awa Sene Sarr, Tabata Ndiaye. Senegal. 35 mm. VOSE. Color. 117’.

A pesar de la presión de su entorno para que deje de ser madre soltera, Faat Kiné rechaza todas y cada una de las propuestas de matrimonio que le hacen para defender su independencia.

«Las dos últimas películas de Sembene -que forman parte de una trilogía inacabada titulada "El heroísmo de la vida cotidiana"- se centraron en los problemas a los que se enfrentan las mujeres en el África contemporánea. Faat Kiné presenta una imagen fascinante de la evolución del papel de la mujer en la sociedad senegalesa. Quizá lo más destacable de la película sea su capacidad para captar el comportamiento bullicioso, a menudo escandaloso, y el humor subido de tono de Faat Kiné y sus amigas. Lejos de las vírgenes virtuosas y las viejas madres sabias de la "tradición", son seres humanos complejos con sus propias necesidades sexuales y emocionales, capaces de sobrevivir sin los hombres». (David Murphy y Patrick Williams).

 

- Martes 14 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
Flores en la sombra

Esa pareja feliz (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1953). Int.: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, Félix Fernández, José Luis Ozores, Matilde Muñoz Sampedro, Rafael Alonso. España. DCP REST. B/N. 85’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

Un humilde matrimonio gana un concurso que les permite ser agasajados e invitados a grandes eventos durante veinticuatro horas.

«Nosotros quisimos hacer, hicimos, una película que relatara las contradicciones que luego han presidido todo mi cine: la amargura y la tristeza de unos personajes que, hagan lo que hagan, nunca van a poder superarse». (Luis García Berlanga).

Antes de la proyección se podrá ver un avance de los trabajos de restauración de Segundo López, aventurero urbano (Ana Mariscal, 1953). Presentación a cargo de Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española, y David García Mariscal. Duración aproximada de la presentación: 15’.

Sesión gratuita hasta completar el aforo.


20:00 · Sala 1 ·
Flores en la sombra

El cálido verano del señor Rodríguez (Pedro Lazaga, 1965). Int.: José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Agustín González, José Orjas, Venancio Muro. España. DCP REST. B/N. 79’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

Al llegar el fin de semana, un hombre aparece en la casa de la sierra en la que están veraneando su esposa y sus hijas con un ojo morado.

«La obra de Lazaga no es una meditación sobre el hombre, la puesta en escena o cualquier otra cosa, puesto que él no medita sobre el cine, sino que “lo siente”, realizándolo igual que si respirara, como si toda su vida no hubiera hecho otra cosa. Resultado: el cine más fresco, fluido y espontáneo que se hace en España. Sin el menor brote de refinamiento estético o de cualquier seudorrealismo documental, todo transcurre en él como la cosa más natural del mundo. Naturalidad doblemente meritoria, habida cuenta, sobre todo, de que su dirección de actores suele ser muy estilizada, llegando incluso a veces hasta la caricatura». (Javier Sagastizábal).

Presentación a cargo de Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española, y Santiago Aguilar, autor del libro Zoom a Lazaga (2022). Duración aproximada de la presentación: 60’.

Duración total de la sesión: 140'.

Sesión gratuita hasta completar el aforo.

 

- Miércoles 15 de febrero


18:00 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Lillian Gish (Jeanne Moreau, 1984). Francia. DCP REST. VOSE. Color y B/N. 58’. Copia restaurada por Fondation Jeanne Moreau.

Retrato y homenaje de una de las actrices más famosas del periodo mudo, célebre por sus trabajos con D.W. Griffith.

«Jeanne Moreau filmó su retrato durante el verano de 1983 en Nueva York, en el propio piso de la Srta. Gish. “Sus dos grandes ojos que todo lo ven nos dicen que el siglo XX ha pasado en un abrir y cerrar de ojos, como una película de un solo rollo”. Tras esta cita de François Truffaut, comprendemos que no se trata sólo de una entrevista, sino también de un encuentro y un intercambio. Con una mezcla de ternura y admiración, Jeanne no se cansa de mirar el brillo de sus ojos claros; escucha, sonríe, asiente, interroga a la estrella favorita de las películas de Griffith». (Jean Claude Moireau).

Segunda proyección el J23 a las 19.00 h.


19:30 · Sala 2 ·
Fernando Merinero. Hijo del viento

Cortometrajes de Fernando Merinero (Digital):

• Los muros que nos separan (Fernando Merinero, 2021). España. DCP. Color. 20’
• Rompida de la hora en Calanda (Fernando Merinero, 2016). España. DCP. Color. 7’
• Confinado en la pandemia con Hannah (Fernando Merinero, 2020). España. DCP. Color. 8’
• Casada (Fernando Merinero, 2009). España. DCP. Color. 5’
• Ya soy mujer (Fernando Merinero, 2001). España. DCP. Color. 6’
• Empezar de nuevo (Fernando Merinero, 2009). España. DCP. Color. 8’
• Madrid resiste a Filomena (Fernando Merinero, 2021). España. DCP. Color. 8’
• El espejo y la madrastra (Fernando Merinero, 2019). España. DCP. Color. 6’

Selección de cortometrajes de Fernando Merinero grabados o posproducidos digitalmente, una herramienta que le ha permitido explorar muy diferentes formatos e ideas, desde un documental protagonizado por reclusos de la cárcel de Valdemoro hasta una pieza experimental producida durante el confinamiento pandémico.

Duración total de la sesión: 68’


20:00 · Sala 1 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Camp de Thiaroye (Ousmane Sembene y Thierno Faty Sow, 1988). Int.: Sidiki Bakaba, Hamed Camara, Ismaël Lô, Philippe Chamelat. Senegal, Argelia, Túnez. 35 mm. VOSE. Color. 152’.

Partiendo de los sucesos históricos que llevaron a la conocida como “matanza de Thiaroye”, la película narra la escalada de injusticias que el ejército francés cometió contra un grupo de soldados del África colonial.

«La idea de la resistencia a la autoridad es fundamental en la visión del mundo de Sembene, y sus películas están impregnadas de una ira ardiente contra todas las formas de injusticia. Tras una educación truncada, trabajó como mecánico, albañil y carpintero, antes de alistarse en los tirailleurs sénégalais (tropas coloniales africanas de Francia) en la Segunda Guerra Mundial, donde sirvió en Alemania y el norte de África. En 1946, Sembene regresó a Senegal, donde participó en la huelga de ferroviarios de 1947-48 (que más tarde se convertiría en el tema de la novela de Los trozos de madera de Dios), pero en dos años regresó a Francia, donde permaneció hasta 1960. Su trabajo como estibador en Marsella le llevó a convertirse en funcionario sindical de la Confédération Générale du Travail (CGT) comunista, y el acceso a la biblioteca del sindicato le inspiró para iniciar un curso intensivo de lectura que abarcaba tanto el marxismo como los textos clave del canon literario francés, que pronto inspiraron sus propias ambiciones literarias». (David Murphy y Patrick Williams).

 

- Jueves 16 de febrero


17:30 · Sala 1 · Fernando Merinero. Hijo del viento

La novia de Lázaro (Fernando Merinero, 2002). Int.: Claudia Rojas, Roberto Govin, Ramón Merlo, Franziska Rodenas. España. 35 mm. Color. 97’.

Una mujer cubana viaja a España para reunirse con su novio. Al llegar descubre que él está en la cárcel por intento de violación.

«Es una “película viva”, y por tanto imperfecta, tan imperfecta como lo es la vida, pero a la vez es imprevisible, también como la vida, y por ello puede ser un preciado regalo para los espectadores con espíritu aventurero; en cambio una losa de desconcierto para aquellos otros que prefieren programar hasta el milímetro cualquier detalle de su existencia, incluso a sabiendas de que siempre puede haber un acontecimiento que provoque que todos los esquemas vitales se trastoquen». (Fernando Merinero).


20:00 · Sala 2 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Boefje (Douglas Sirk, 1939). Int.: Annie van Ees, Albert van Dalsum, Enny Snijders, Piet Bron. Países Bajos. 35 mm. VOSE. B/N. 94’.

Un travieso niño de Rotterdam sueña con ser un pandillero adinerado americano, sin embargo, el encuentro con un pastor local provoca grandes cambios positivos en su vida.

«Tuve una oferta para hacer Boefje, que estaba basada en una novela holandesa de ese título. Escribí el guion con Carl Zuckmayer, un por entonces bastante conocido dramaturgo alemán, que era un emigrado, como yo… […] Rodé personalmente toda la película en Holanda, pero se montó después de marcharme y nunca he visto la versión definitiva. Se estrenó después de mi partida, porque la señora Sirk y yo salimos de Holanda el último día de rodaje, en el último barco que había, el Staatendam… Por lo que recuerdo, la única cosa interesante de ella es que el personaje del chico está interpretado por una chica, Annie van Ees, que había hecho el papel en el teatro. Pero era una película de presupuesto ridículamente pequeño». (Douglas Sirk).


21:00 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

L’Adolescente (Jeanne Moreau, 1979). Int.: Simone Signoret, Francis Huster, Laetitia Chaveau, Edith Clever, Jacques Weber, Jean-François Balmer. Francia, RFA. DCP REST. VOSE. Color. 90’. Copia restaurada por Fondation Jeanne Moreau.

Pocos meses antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, un matrimonio y su hija adolescente pasan el verano en el pueblo de la abuela. Allí, la joven empieza a descubrir el amor, el sexo y la infidelidad.

«Jeanne Moreau define el tema como "el peligroso paso de la infancia a la feminidad, el momento en que despierta la conciencia, cuando el lenguaje de los adultos se vuelve claro en lugar de parecer codificado...". Debido a las localizaciones y a la calidad del silencio, el rodaje tuvo lugar a finales del verano de 1978 en la región francesa de Rouergue, pero el escenario debía ser Auvernia, región vecina en la que nació el padre de Jeanne. El relato evoca el periodo inmediatamente anterior a la guerra, una época en la que ella tenía más o menos la misma edad que su joven heroína. La madre de la protagonista es, como la suya, extranjera. En cuanto a su abuela posadera, una pariente lejana a la que Jeanne llamaba "granny" le sirvió de modelo: de niña, en cuanto enfermaba o convalecía, sus padres la enviaban a Saint-Maurice-de-Pionsat, a casa de Madame Pasquier, que regentaba allí una posada. Jeanne dice que descubrió, gracias a esta mujer a la vez muy fuerte y muy dulce, "la virtud del trabajo, la fuerza de la naturaleza, los misterios de la vida profunda"». (Henriette Jelinek).

 

- Viernes 17 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Niaye + Emitaï

Niaye (Ousmane Sembene, 1964). Int.: Serigne Sow, Astou N’Diaye, Mame Dia, Modou Sène. Senegal, Francia. 35 mm. VOSE. B/N. 35’.

Emitaï (Ousmane Sembene, 1971). Int.: Andongo Diabon, Robert Fontaine, Michel Renaudeau, Ousmane Camara. Senegal, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 103’.

Dos de los primeros trabajos de Ousmane Sembene, tratan dos temas centrales en su filmografía: la situación de la mujer africana y la lucha contra las potencias colonizadoras.

«El estilo de Emitaï oscila entre la épica y el documental. En él, Ousmane Sembene muestra su fe inveterada en las enseñanzas de la historia. "Debemos comprender nuestras tradiciones antes de poder esperar comprendernos a nosotros mismos". Sugiere que esas tradiciones deben eliminarse o modificarse cuando obstaculizan el progreso. Aquí no sólo están en juego la religión o el colonialismo, sino cualquier cosa que pueda debilitar, degradar o corromper a África y retrasar su evolución. Desafiante, "a todos los militantes de la causa africana" es a quienes el cineasta senegalés dedica su película». (Françoise Pfaff).

Duración total de la sesión: 138’.

Segunda proyección el D26 a las 20.30 h.


20:30 · Sala 2 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Hitler's Madman (Douglas Sirk, 1943). Int.: Patricia Morison, John Carradine, Alan Curtis, Howard Freeman. EEUU. 35 mm. VOSF/E. B/N. 84’.

Un comandante de las SS es asesinado por unos partisanos tras una brutal represalia nazi en un pueblo checo.

«Me ofrecieron esta película, que debía rodarse con bastante rapidez: me dieron una semana de rodaje. Me la presentaron específicamente como una película de muy bajo presupuesto, ni siquiera una serie B, sino una serie C o D. Me di cuenta de que representaba a la vez una oportunidad y un peligro. Podía ser útil y podía lanzarme. O podía encasillarme como un director de serie B. Y cuando te sucede esto, da lo mismo lo bueno que seas, puedes quedarte definitivamente encasillado. Ulmer, por ejemplo, creo que es un buen director, pero quedó encasillado en la serie B mientras estuvo en Hollywood». (Douglas Sirk).


21:30 · Sala 1 ·
Clásicos como nuevos

Vivir su vida (Vivre sa vie: Film en douze tableaux, Jean-Luc Godard, 1962). Int.: Anna Karina, Sady Rebbot, André S. Labarthe, Guylaine Schlumberger. Francia. DCP REST. VOSE. B/N. 85’. Copia restaurada.

Una mujer abandona a su familia para iniciar una carrera como actriz. Sin embargo, las cosas no le van bien y se ve obligada a recurrir a la prostitución.

«La historia, pese a lo sombría que es, resulta hasta cierto punto una excusa para ofrecer la mayor cantidad de placeres incidentales. El más evidente es la propia Anna Karina, una de las actrices más bellas y seductoras de la historia del cine. La película te permite ver cómo expresa todo un catálogo de emociones, de la A a la Z, pero también cómo se lanza a bailar de forma salvaje (y convincentemente improvisada) en un bar. Luego está París, sus rincones más elocuentes y lúgubres, todos ellos diferentes en la actualidad. Por el camino también encontramos literatura, filosofía, música (la efectiva, minimalista partitura de Michel Legrand) y, por supuesto, fotografía, gracias a la brillante mirada de Raoul Coutard. Godard aseguraba que esta era la película en la que había dejado de componer el plano, solo lo montaba rápidamente y gritaba “acción”. Hace que te preguntes por qué no lo hacen más directores». (Lucy Sante).

 

- Sábado 18 de febrero


17:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior

Anastasia (Don Bluth y Gary Goldman, 1997). EEUU. B-R. VOSE. Color. 94’.

Dos timadores se encuentran con una joven que es la viva imagen de la princesa Anastasia, la última descendiente de los zares, y deciden viajar a París con ella para reclamar una enorme recompensa. Este ambicioso largometraje supuso el primer intento de 20th Century Fox para destronar a Disney como líder industrial de la animación; para ello contaron con la experiencia de Don Bluth y Gary Goldman, que diseñaron un relato abiertamente disneyano que juega sin pudor con la Revolución Rusa, llenando la historia de canciones, espectaculares coreografías y animales parlanchines.


19:30 · Sala 2 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

El asesino poeta (Lured, Douglas Sirk, 1947). Int.: Geoge Sanders, Lucille Ball, Charles Coburn, Boris Karloff, Cedric Hardwicke, Joseph Calleia, Alan Mowbray. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 102’.

Después de matar a siete mujeres, el asesino envía un poema a Scotland Yard. Un detective decide utilizar como cebo a una bailarina para atraparlo.

«Traté de hacer con Karloff algo parecido a lo que había hecho con Horton en Extraña confesión y Karloff estaba muy satisfecho con el papel. Era un poco lo mismo con Coburn, que estaba considerado como un actor de comedia, y esto dio al papel del detective una cualidad adicional, con su afabilidad. Lucille Ball, también, era conocida como actriz de comedia. Aquí, acuérdate, ofrece sus servicios a la policía como agente secreto y creo que le di cierta ironía al personaje y un poco de esa identidad cambiante que tenían los personajes de Vidocq y Cagliostro: los tres les parecían a los demás un poco diferentes a cómo eran en realidad». (Douglas Sirk).


21:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Scandalo segreto (Monica Vitti, 1990). Int.: Monica Vitti, Elliott Gould, Gino Pernice, Catherine Spaak. Italia. 35 mm. VOSE. Color. 85’.

Una mujer casada descubre por accidente que su marido le está siendo infiel con su mejor amiga. Sumida en una profunda depresión, un amigo intenta ayudarla convenciéndola de que haga una película sobre lo sucedido.

«Yo había empezado a colaborar en los guiones de Michelangelo Antonionio desde La aventura. Sin poner mi nombre, claro, porque era una muchachita. Pero él me permitía ayudarle, participar en los guiones, que ha sido para mí una experiencia fundamental. Después he intentado también poner algo mío en las películas que interpretaba. Pero una cosa toda mía, como esta película, no la había hecho nunca y ha significado una gran emoción». (Monica Vitti).

Segunda proyección el M28 a las 17.30 h.

 

- Domingo 19 de febrero


17:00 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Extraña confesión (Summer Storm, Douglas Sirk, 1944). Int.: Linda Darnell, George Sanders, Edward Everett Horton, Anna Lee, Sig Ruman. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 106’.

Tras la Revolución Rusa, un ex aristócrata empobrecido ofrece a la dirigente de una editorial las memorias de un amigo que vivió la caída del Imperio Ruso.

«El flashback cuenta la historia por anticipado, pero no toda la historia. Lo utilicé para destruir el suspense a fin de crear suspense, un tipo diferente de suspense, o antisuspense. No me siento bien con el suspense normal. Siempre traté de evitarlo y generalmente lo conseguí. O bien tienes que ser Hitchcock y entonces puedes hacerlo. […] Las peculiaridades de la mente de los personajes de una película o una obra de teatro deberían ser encubiertas por el autor, o el director, para estimular así la curiosidad y la emoción del espectador. Me parece que el único modo de provocar el suspense y la participación auténtica del espectador es precisamente este». (Douglas Sirk).


18:00 · Sala 2 ·
Fernando Merinero. Hijo del viento

Las huellas de Dylan (Fernando Merinero, 2006). España. DCP. Color. 85’.

Documental que sigue a Bob Dylan durante una gira por España, entrevistando a músicos y melómanos.

«Una de las personas anónimas que interviene en el documental destaca que cuando asistes a un concierto de Bob Dylan te cargas de energía. Esa es la sensación que quería transmitir. […] La película es un viaje por España que, con el pretexto de seguir a Dylan, reflexiona sobre diversos aspectos como el arte, la vida en la carretera o la búsqueda de una ilusión». (Fernando Merinero).


20:30 · Sala 1 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Moolaadé (Ousmane Sembene, 2004). Int.: Fatoumata Coulibaly, Maimouna Hélène Diarra, Salimata Traoré, Dominique Zeïda. Senegal, Burkina Faso, Marruecos, Túnez, Camerún, Francia. DCP. VOSI/E. Color. 124’.

Cuando se acerca el día en que un grupo de niñas serán sometidas a la ablación genital, una mujer de la aldea las acoge y se niega a que eso ocurra.

«Es el tipo de película que solo puede hacer un director cuyo corazón esté en sintonía con su mente. Es una película política y furiosa, pero también una película bella, llena de humor y un profundo amor por la naturaleza humana. Generalmente, las películas que trabajan con temas controvertidos tienden al exceso de rabia o sentimentalismo. Sembene, que rodó la película con 81 años, ha debido vivir lo suficiente, sufrido lo suficiente y reído lo suficiente para haber encontrado la sabiduría de la edad». (Roger Ebert).

 

- Martes 21 de febrero


18:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

Nuclear (Oliver Stone, 2022). EEUU. DCP. VOSE. Color. 105’.

Documental que defiende que, ante la amenaza del cambio climático, es necesario reevaluar los peligros de la energía atómica.

«Nuclear, marcada por la inteligencia de Oliver Stone y su búsqueda de la verdad, es una película que proviene de un lugar muy distinto que la esfera polémica y febril que generalmente se asocia con este cineasta. Los argumentos que presenta en favor de la energía nuclear son sobrios y están argumentados, como en un trabajo periodístico. […] Exige, y merece la pena, ser vista». (Owen Gleiberman)

Presentación a cargo del director, Oliver Stone; Joshua S. Goldstein, coguionista; y Norman Foster, arquitecto. Tras la proyección tendrá lugar un breve coloquio con el público. Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 45’.

Duración total de la sesión: 150’.


21:15 · Sala 1 ·
Sesión especial

Platoon (Oliver Stone, 1986). Int.: Tom Berenger, Willem Dafoe, Charlie Sheen, Kevin Dillon, Forest Whitaker, Johnny Depp. EEUU, Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 120’.

Un joven llega a Vietnam tras abandonar sus estudios en favor del reclutamiento. Pronto se encuentra intentando sobrevivir no solo a la guerra, sino también a las tensiones internas de su propio pelotón.

«Fue François Truffaut quien dijo que no era posible hacer una película antibélica, porque todas las películas bélicas, con su energía y sentido de la aventura, hacen que el combate parezca divertido. Si hubiera vivido para ver Platoon, igual habría cambiado de opinión. […] Las películas tradicionales imponen una sensación de orden en el combate. Identificándonos con los soldados, sentimos que si nos agachamos junto a ese árbol o saltamos a esa zanja estaremos a salvo de los disparos que llegan. En Platoon vivimos con el miedo constante de que cualquier movimiento pueda suponer ponernos a salvo o quedar expuestos. Stone dispone los planos para negarnos la sensación de que el combate tiene algún sentido». (Roger Ebert).

 

- Miércoles 22 de febrero


17:30 · Sala 1 · Devolver la mirada. Actrices directoras

Las hermanas alemanas (Die bleierne Zeit, Margarethe von Trotta, 1981). Int.: Jutta Lampe, Barbara Sukowa, Rüdiger Vogler, Doris Schade. RFA. DCP REST. VOSE. Color. 106’. Copia restaurada por StudioCanal.

En la Alemania de 1968, dos hermanas luchan por cambiar la sociedad a través de caminos muy diferentes: una está entregada al periodismo, mientras que la otra decide unirse a un grupo terrorista.

«Inspirándose en los casos de Gudrun Ensslin -la terrorista de Baader-Meinhof y "suicida" de Stammheim- y su hermana periodista, von Trotta aborda una vez más las cuestiones de las raíces y los posibles caminos de la resistencia y la revuelta de las mujeres, creando un inquietante mosaico de historias personales y estatales en torno a una relación fraternal de una complejidad intrigantemente contradictoria. Como en El honor perdido de Katharina Blum, el terrorismo es un fenómeno fuera de la pantalla; sus ramificaciones a nivel personal, y sus equivalentes reaccionarios no etiquetados, marcan el doloroso tema de la película a lo largo de al menos una generación: desde dos colegialas que ven películas de los campos de concentración hasta un joven hijo que casi es quemado vivo en los años 80 debido a su ahora notorio parentesco. Una audaz afirmación de la continuidad de la historia por parte de la cultura más dispuesta a negarla, y un cine político excelente y accesible». (Paul Taylor).


19:00 · Sala 2 · Fernando Merinero. Hijo del viento

Cortometrajes de Fernando Merinero (35 mm):

Una buena razón para vivir o morir (Fernando Merinero, 1988). Int.: Mónica Blanco, Jesús Calle, Paco Churruca, Carmina Clemente. España. 35 mm. Color. 16’.

Raíles de sangre (Fernando Merinero, 1990). Int.: Charo Gabella, Ricardo Fernández. España. 35 mm. Color. 8’.

Háblame bajito (Fernando Merinero, 2005). Int.: Miguel Ángel Solá, Maite Pastor, Carmen Abel Molino, Omar Butler. España. 35 mm. Color. 30’.

Esta sesión reúne tres de los cortos más premiados de Fernando Merinero, todos ellos rodados o posproducidos en 35 mm.

Duración total de la sesión: 54’.


21:00 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Más fuerte que la ley (Shockproof, Douglas Sirk, 1949). Int.: Cornel Wilde, Patricia Knight, John Baragrey, Esther Minciotti, Howard St. John, Russell Collins. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 79’.

Una mujer sale con libertad condicional tras cumplir cinco años en prisión por asesinato. El agente encargado de vigilarla se enamora de ella.

«Recuerdo que Sam Fuller (a quien nunca conocí) llevó un guion a Columbia, que supuestamente iba a rodar yo. Me gustaba muchísimo el guion. Pero en contra de mi deseo llamaron a Helen Deutsch para que lo modificara. Yo no tuve ninguna influencia en el guion […] Había algo muy visceral en el guion de Fuller. El personaje del poli era interesante. Se enamoraba. Dejaba su trabajo. Se escondía. Y acaba luego tiroteándose con el otro policía. Poli contra poli. Era muy melodramático, por supuesto, pero entre las secuencias de peleas había situaciones extremas, amor socialmente condicionado… e imposible. En el final de Fuller el tipo había cambiado. Algo había empezado a florecer en su maldita alma de poli». (Douglas Sirk).

 

- Jueves 23 de febrero

 

17:30 · Sala 1 · Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Ceddo (Ousmane Sembene, 1977). Int.: Tabata Ndiaye, Alioune Fall, Moustapha Yade, Matoura Dia. Senegal, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 120’.

Los Ceddo tratan de evitar su conversión forzada al Islam secuestrando a la hija de un monarca que se ha aliado con los musulmanes.

«En Ceddo […] la historia senegalesa vuelve a ser escrutada y revalorizada porque, según Sembene, "nuestra historia no fue enseñada a la gente de mi generación. Conocemos las fechas, las leyendas, pero no vemos claramente lo que ocurrió. Nuestro objetivo aquí es dramatizar la historia y enseñarla para no dejar que otros nos la enseñen a nosotros". […] Para muchos senegaleses y otros conocedores de la historia senegalesa, el título de la película evoca inmediatamente el espíritu inquebrantable de los Ceddo, que no son un grupo étnico, sino un pueblo unido por un pensamiento común. Para los Wolof, Serer, Soce y Pular, "ser un Ceddo" es un estado de ánimo. Tradicionalmente, los Ceddo han sido los guardianes y defensores de la identidad africana, rebelándose inicialmente contra la expansión musulmana en Senegal». (Françoise Pfaff).


19:00 · Sala 2 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Lillian Gish (Jeanne Moreau, 1984). Francia. DCP REST. VOSE. Color y B/N. 58’. Copia restaurada por Fondation Jeanne Moreau.

Retrato y homenaje de una de las actrices más famosas del periodo mudo, célebre por sus trabajos con D.W. Griffith.

«Jeanne Moreau filmó su retrato durante el verano de 1983 en Nueva York, en el propio piso de la Srta. Gish. “Sus dos grandes ojos que todo lo ven nos dicen que el siglo XX ha pasado en un abrir y cerrar de ojos, como una película de un solo rollo”. Tras esta cita de François Truffaut, comprendemos que no se trata sólo de una entrevista, sino también de un encuentro y un intercambio. Con una mezcla de ternura y admiración, Jeanne no se cansa de mirar el brillo de sus ojos claros; escucha, sonríe, asiente, interroga a la estrella favorita de las películas de Griffith». (Jean Claude Moireau).


20:30 · Sala 1 · En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania 1900-1930

Stormy Nights (Shturmovi nochi, Ivan Kavaleridze, 1931). Int.: Stepan Shkurat, Semyon Svashenko, Tatyana Vechora, Yevgeni Ponomarenko. URSS. DCP REST. MRR/E. B/N. 59’. Copia restaurada por el Dovzhenko Centre.

Película de propaganda en la que un campesino visita las obras de construcción de dos proyectos de gran envergadura: la planta hidroeléctrica del río Dniéper y la fábrica de tractores de Járkov. Uno de los pocos trabajos que han sobrevivido del escultor y cineasta Ivan Kavaleridze, que tuvo una importante proyección durante los años 20 pero fue progresivamente arrinconado por la censura soviética, que consideraba su trabajo demasiado experimental.

Presentación a cargo del Dovzhenko Centre.

Duración aproximada de la presentación: 15’.

Duración total de la sesión: 75’.

 

- Viernes 24 de febrero


17:30 · Sala 1 ·
En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania 1900-1930

The Enchanted Place (Zvenyhora, Aleksandr Dovzhenko, 1927). Int.: Nikolay Nademsky, Semyon Svashenko, Aleksandr Podorzhnyy, Polina Skklyar-Otava. URSS. DCP REST. MRR/E. B/N. 67’. Copia restaurada por el Dovzhenko Centre.

Un hombre le cuenta a su nieto la historia de la montaña de Zvenyhora, los tesoros que oculta y el anciano que los protege.

«Zvenyhora era una obra de complejo simbolismo que abarcaba cientos de años de historia y folclore ucranianos. Cuando los funcionarios de la VUFKU (Administración Fotocinematográfica Panucraniana) vieron la película terminada, quedaron tan confundidos por su carácter surrealista como el propio Dovzhenko pensaba que podría estarlo el público en general. No era una película fácil de entender. Los administradores del estudio pidieron entonces a Eisenstein y a Pudovkin que hicieran un visionado de la película antes de aprobar su estreno. Los dos directores quedaron entusiasmados con lo que vieron, impresionados por la solidez intelectual de la obra». (Alexander S. Birkos).

Presentación a cargo del Dovzhenko Centre. Duración aproximada de la presentación: 15’.

Duración total de la sesión: 85’.


19:00 · Sala 2 ·
«Sala:B»

Allanamientos:

Coto de caza (Jorge Grau, 1983). Int.: Assumpta Serna, Víctor Valverde, Luis Hostalot, Montserrat Salvador, José Sacristán. España. 35 mm. Color. 109’.

La primera entrega (Angelino Fons, 1971). Int.: Emma Penella, Glen Lee, Franco Citti, Bruno Corazzari, Lola Sordo, Pilar Bardem, Rosa de Alba, Fernando Guillén, Gemma Cuervo. España, Italia. 35 mm. Color. 102’.

Sesión doble de allanamientos de morada con violencia y con dos mujeres de armas tomar defendiendo lo suyo: Assumpta Serna y Emma Penella. El allanamiento de morada es uno de los delitos más politizados y rentabilizados por los medios de comunicación y quienes los manejan. Convertido entre unos y otros en miedo contemporáneo, tiene hasta su propio subgénero cinematográfico, conocido popularmente como “home invasion”. A principios de los ochenta, cuando Jorge Grau dirige Coto de caza, era habitual aterrorizar a la sociedad burguesa con la amenaza de los quinquis, como bien ilustraban las películas de José Antonio de la Loma o Eloy de la Iglesia. Digamos que Coto de caza se alinea más con las ideas reaccionarias practicadas por de la Loma, convirtiendo a los quinquis en causa y efecto de una violencia bruta, amiga del ojo por ojo. Assumpta Serna es una abogada con un dilema moral de barra de bar, de esos que encienden los ánimos del personal. Decía la actriz que en el estreno oía gritar al público “¡mátalos, mátalos!” y que una conocida abogada feminista le pidió que no volviera a hacer películas como esta por responsabilidad. Grau mantiene el pulso firme hasta el impactante final, combinando la chabacanería (los geniales diálogos cheli, probablemente escritos por Manuel Summers bajo seudónimo) con una banda sonora de temas clásicos de Tristán e Isolda de Wagner. Sin duda, el principal hallazgo de la película fue poner a una actriz con una imagen tan serena como la Serna en la tesitura de lo que hoy denominaríamos una final girl.

Y hablando de final girls, lo de Emma Penella en La primera entrega es también digno de recordar, aunque esta película de Angelino Fons ha pasado injustamente desapercibida. Conocida también como La primera entrega de una mujer casada, se trata de un thriller producido por el marido de la actriz, Emiliano Piedra, que consigue rodearla de un importante reparto internacional, con nombres como Franco Citti y Bruno Corazzari. Aquí el peligro son una pareja de hippies muy setenteros formada por estos dos actores de culto, pero la ambigüedad es la baza que mejor juega Fons. Ambigüedad sexual entre los delincuentes, ambigüedad entre buenos y malos, y una lenta pero progresiva construcción del suspense desde el magnífico prólogo hasta el final. La fotografía en scope del experto en giallos Guglielmo Mancori es una delicia para ver en pantalla grande». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B». Duración aproximada de la presentación: 20’.

Duración total de la sesión: 230’.


21:00 · Sala 1 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Obsesión (Magnificent Obsession, Douglas Sirk, 1954). Int.: Rock Hudson, Jane Wyman, Barbara Rush, Agnes Moorehead, Otto Kruger, Paul Cavanagh. EEUU. DCP. VOSE. Color. 108’.

Un millonario provoca imprudentemente la muerte de un médico. Como compensación a la viuda, este se mantiene unido a ella, lo que hace florecer el amor entre ambos.

«Mi reacción inmediata ante Obsesión fue de desconcierto y de desaliento. Pero aun así, me sentía atraído por algo irracional que había en ella. Algo demencial, en cierto modo; bueno, obsesionado, porque ésta es una maldita historia de locos donde las haya. La ceguera de la mujer. La ironía general; no la ironía en el sentido habitual de la palabra, sino como elemento estructural de antinomia. El doctor Phillips, el marido de esta santa mujer, muere para que otro pueda vivir. Es una ironía euripidiana. [..] Me gusta a la vez el amor y su imposibilidad. Y esto es quizá lo que conseguí en Obsesión, aunque la ironía está un poco soterrada y el “final feliz” es un poquito más que un simple deus ex machina». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Obsesión se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 135’.

 

- Sábado 25 de febrero

 

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Los viajes de Gulliver (Gulliver’s Travels, Dave Fleischer, 1939). EEUU. B-R. VOSE. Color. 76’.

El segundo largometraje de animación rodado en Estados Unidos. Tras el éxito de Blancanieves y los siete enanitos en 1937, el estudio de Max Fleischer consiguió finalmente la aprobación de Paramount para lanzarse a la aventura de animar una versión abreviada de la famosa novela de Jonathan Swift. Como era habitual en las producciones de Max y Dave Fleischer (célebres por sus cortometrajes de Popeye, Betty Boop o Superman, entre otros), se hizo un importante uso de la técnica de rotoscopia para animar a los personajes principales. A pesar de contar con un calendario de producción muy ajustado y de pasarse ampliamente de presupuesto, Los viajes de Gulliver supuso un enorme éxito para Paramount; algunos historiadores incluso aseguran que tuvo más espectadores que Blancanieves.


19:00 · Sala 2 ·
En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania 1900-1930

Bread (Khlib, Mykola Shpykovskyi, 1930). Int.: Luka Lyashenko, Dmitryi Kapka, Fedir Hamalii, Sofia Smirnova. URSS. DCP REST. MRR/E. B/N. 45’. Copia restaurada por el Dovzhenko Centre.

Un soldado del Ejército Rojo regresa a su aldea y planta un trigal con grano confiscado. Esto le lleva a entrar en conflicto con su padre.

«Bajo el cielo despejado y sobre las altas colinas oscuras, el director de fotografía Oleksiy Pankratiev capturó la tierra, la gente, los surcos y el trigo en imágenes nítidas, vivas, modernas, increíblemente bellas y conceptuales. […] El director no tenía intención de rodar algo fuera de lo común, al contrario, quería rehabilitarse tras los conflictos de su anterior película, The Self Seeker. Pero el lenguaje de la película es muy conspicuo y toda la ironía y la tragedia de la realidad de los años 30 no solo se sienten, sino que dan forma a su vocabulario». (Alexander S. Birkos).

Presentación a cargo del Dovzhenko Centre. Duración aproximada de la presentación: 15’.

Duración total de la sesión: 60’.


21:30 · Sala 1 ·
Devolver la mirada. Actrices directoras

Wanda (Barbara Loden, 1970). Int.: Barbara Loden, Michael Higgins, Dorothy Shupenes, Peter Shupenes. EEUU. DCP REST. VOSE. Color. 102’. Copia restaurada por UCLA Film & Television Archive, The Film Foundation y Gucci.

Marcada por el aburrimiento y la soledad, una mujer abandona a su familia e inicia una relación con un criminal de poca monta.

«“Vengo de una región rural, donde la gente lo pasa mal. No les preocupa nada más que existir día a día”. Wanda es el testimonio de una forma de vida de la que la propia Barbara Loden había huido cuando se mudó a Nueva York siendo adolescente y comenzó su carrera como bailarina y pin-up. […] La primera y única película de Loden como directora es un estudio de personajes sumamente honesto cuya estética dentada y sin adornos -inspirada en parte en Al final de la escapada y las películas de Andy Warhol- contrastaba marcadamente con la tradición dramática de Hollywood, personificada en, entre otros, el marido de Loden, Elia Kazan. […] El legado de Barbara Loden es un legado asediado: su estatus como la verdadera autora de Wanda ha sido criticada intermitentemente a lo largo de los años, incluso por parte de Kazan, quien afirmó en una entrevista que él había escrito el guion de la película. Que Loden no volviese a dirigir otra película antes de su muerte en 1980, y no porque no lo intentase, es la acusación menos condenatoria que deja esta película asombrosa y llena de vida». (Justin Chang).

 

- Domingo 26 de febrero

 

17:00 · Sala 2 · Devolver la mirada. Actrices directoras

Capitanes de abril (Capitães de Abril, Maria de Medeiros, 2000). Int.: Stefano Accorsi, Maria de Medeiros, Joaquim de Almeida, Fele Martínez. Portugal, España, Italia, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 123’.

Largometraje de ficción que sigue los sucesos que desembocaron en la Revolución de los claveles, una revuelta pacífica que supuso el final de la dictadura en Portugal y un suceso fundamental en el proceso de independencia de varias colonias portuguesas.

«En una parte de la literatura y el cine bélico, el hombre, enfrentado a la experiencia límite de la destrucción, revela lo que Edward Bond llama “la inocencia radical”, algo así como el núcleo duro de la humanidad. En los “capitanes de abril” he encontrado ese contraste entre la familiaridad con la brutalidad de la muerte y el deseo conmovedor de comprender esos actos, de subvertir la lógica de la obediencia ciega, de la ausencia de pensamiento». (Maria de Medeiros).


18:00 · Sala 1 ·
En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania 1900-1930

El hombre con la cámara (Chelovek s kino-apparatom, Dziga Vertov, 1929). URSS. DCP REST. MRR/E*. B/N. 68’. Copia restaurada por el Dovzhenko Centre.

A medio camino entre el documental y el ensayo cinematográfico, la película sigue a un camarógrafo que recorre una gran ciudad rusa (en realidad compuesta de partes de Járkov, Kiev y Odesa) capturando con su cámara un día entero de vida.

«Conceptos vertovianos, como "la vida al instante", "el ojo cinematográfico", "el hombre con una cámara de cine" y "un mundo sin actores", han entrado también en el vocabulario básico de la cinematografía. Vertov tenía el temperamento de un polemista, pero su mente funcionaba como la de un científico; esto se reflejaba en la universalidad de sus manifiestos. Fue un innovador con mayúsculas. Sus películas sentaron las bases no sólo del género de los documentales soviéticos, sino también de toda la cinematografía. Por supuesto, contaba con una fuente única de material que resultó fructífera: una vieja Madre Rusia hirviendo de agitación, saliendo de su letargo». (Neya Zorkaya).

Presentación a cargo del Dovzhenko Centre. Duración aproximada de la presentación: 15’.

Duración total de la sesión: 85’.


20:30 · Sala 1 ·
Ousmane Sembene. El lenguaje de África

Niaye (Ousmane Sembene, 1964). Int.: Serigne Sow, Astou N’Diaye, Mame Dia, Modou Sène. Senegal, Francia. 35 mm. VOSE. B/N. 35’.

Emitaï (Ousmane Sembene, 1971). Int.: Andongo Diabon, Robert Fontaine, Michel Renaudeau, Ousmane Camara. Senegal, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 103’.

Dos de los primeros trabajos de Ousmane Sembene, tratan dos temas centrales en su filmografía: la situación de la mujer africana y la lucha contra las potencias colonizadoras.

«El estilo de Emitaï oscila entre la épica y el documental. En él, Ousmane Sembene muestra su fe inveterada en las enseñanzas de la historia. "Debemos comprender nuestras tradiciones antes de poder esperar comprendernos a nosotros mismos". Sugiere que esas tradiciones deben eliminarse o modificarse cuando obstaculizan el progreso. Aquí no sólo están en juego la religión o el colonialismo, sino cualquier cosa que pueda debilitar, degradar o corromper a África y retrasar su evolución. Desafiante, "a todos los militantes de la causa africana" es a quienes el cineasta senegalés dedica su película». (Françoise Pfaff)

Duración total de la sesión: 138’.

 

Martes 28 de febrero

 

17:30 · Sala 1 · Devolver la mirada. Actrices directoras

Scandalo segreto (Monica Vitti, 1990). Int.: Monica Vitti, Elliott Gould, Gino Pernice, Catherine Spaak. Italia. 35 mm. VOSE. Color. 85’.

Una mujer casada descubre por accidente que su marido le está siendo infiel con su mejor amiga. Sumida en una profunda depresión, un amigo intenta ayudarla convenciéndola de que haga una película sobre lo sucedido.

«Yo había empezado a colaborar en los guiones de Michelangelo Antonionio desde La aventura. Sin poner mi nombre, claro, porque era una muchachita. Pero él me permitía ayudarle, participar en los guiones, que ha sido para mí una experiencia fundamental. Después he intentado también poner algo mío en las películas que interpretaba. Pero una cosa toda mía, como esta película, no la había hecho nunca y ha significado una gran emoción». (Monica Vitti).


19:30 · Sala 2 ·
Douglas Sirk. La emoción inmediata

Cortometrajes de Douglas Sirk I:

Der eingebildete Kranke (Douglas Sirk, 1934). Int.: Erhard Siedel, Marina von Dietmar, Claire Reigbert, Heinz Förster-Ludwig. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 36’.

Zwei Windhunde (Douglas Sirk, 1934). Int.: Fritz Odemar, Hans Herrman Schaufuss, Mady Raschke, Arthur Schröder, Bruno Fritz. Alemania. DCP. VOSE. B/N. 29’.

3 x Ehe (Douglas Sirk, 1934). Int.: Harald Paulsen, Elisabeth Lennard, Lore Schützendorf, Hella Graf. Alemania. DCP REST. VOSE. B/N. 17’. Copia restaurada.

Los tres cortometrajes que Sirk, firmando con su nombre de pila, Detlef Sierck, rodó en los inicios de su carrera; los tres se produjeron como parte de un programa de la compañía UFA para captar y entrenar nuevos talentos. Las tres películas han sido recientemente digitalizadas a partir de los pocos materiales supervivientes: el sonido del tercero, 3 x Ehe, se perdió, pero la aparición de una lista de diálogos permitió recientemente elaborar una copia de la película con subtítulos; mientras que la copia de Der eingebildete Kranke, digitalizada a partir de los únicos materiales supervivientes, presenta un formato de imagen erróneo.

«Cuando me contrataron, el jefe de producciones de la UFA, el señor Correll, me dio tres piezas cómicas. Recuerdo que una de ellas se titulaba 3 x Ehe, contaba una historia desde tres puntos de vista: primero del amante, después del marido y después de la mujer. Creo que era la primera vez que se utilizaba este método en el cine. El guion me lo dieron, pero yo cambié la estructura, y cambié mucho el estilo de decorados previsto. Un decorado es la expresión de la gente que está en él, así como la gente es la expresión del decorado». (Douglas Sirk).

Duración total de la sesión: 82’.


20:30 · Sala 1 ·
Fernando Merinero. Hijo del viento

Cortar: Las 1001 novias (Fernando Merinero, 2017). Int.: Fernando Merinero, Angélica Revert, Magaly Santana, Montse Berciano. España. DCP. Color. 94’.

Cierre de la trilogía de “Las 1001 novias”, se trata de un falso documental que se sumerge en la vida de una de las antiguas parejas de Fernando Merinero.

«Una vez más, la sorprendente naturalidad de sus actores y la apariencia improvisada de sus imágenes –cámara en mano, ruptura de la cuarta pared, despreocupados cambios de textura, inserción de grabaciones antiguas en el metraje- provocan la sensación de estar a merced de un gran maestro de marionetas que manipula a su antojo nuestra percepción de la realidad filmada. Como una araña juguetona, el director teje una tela enrevesada y viscosa en la que tanto personajes como espectadores son víctimas de una “película viva” cuyo verdadero destino emerge en fuera de campo y al margen de esta trilogía». (Carlos Fernández Castro).

Presentación a cargo de la actriz Magaly Santana y el director, Fernando Merinero. Duración aproximada de la presentación: 20’.

Duración total de la sesión: 115’.

 


LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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