Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 16/06/2022 hasta el 31/07/2022
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré; tampoco el 1, 15 y 16 de mayo.

 

PROGRAMA

 

JUNIO DE 2022

 

Este mes comienza en el Doré una retrospectiva completa del director y guionista JUAN ANTONIO BARDEM (1922-2002), uno de los cineastas más importantes de España, que finalizará en agosto. En junio y julio se han programado una selección de los mejores trabajos, la mayoría en copias restauradas, de CHICK STRAND, nombre central de la historia del cine etnográfico, experimental y de vanguardia estadounidense, y de VITTORIO DE SICA, uno de los padres del neorrealismo y autor de joyas como Umberto D. y Ladrón de bicicletas. El cuarto nuevo ciclo de junio es EL CINE EN LA ESPAÑA DE CLARA CAMPOAMOR, legendaria política y abogada e icono de la lucha feminista, que consta de 6 películas de los años 20 y 30. El programa de junio se completa con las últimas proyecciones de las retrospectivas dedicadas a la productora británica EALING y al director polaco ANDRZEJ ZULAWSKI, algunas de la competición oficinal del festival FILMADRID 2022, otras para celebrar el centenario de ALAIN RESNAIS, cuatro adaptaciones de Jules Verne en la sección FILMOTECA JUNIOR, nuevas sesiones de FLORES EN LA SOMBRA, SALA:B... y mucho más.

 

Jueves 16 de junio

 

18:00 · Sala 1 · Vittorio De Sica. De perros y hombres

Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, Vittorio De Sica, 1948). Int.: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda. Italia. DCP. VOSE. B/N. 89’. Copia restaurada por Cineteca di Bologna.

Un obrero en paro consigue trabajo pegando carteles gracias a su bicicleta. Cuando se la roban, se lanza junto a su hijo a las calles de Roma para recuperar su fuente de ingresos.

«El logro supremo de De Sica, al que otros no habían hecho hasta el presente más que aproximarse más o menos, consiste en haber sabido encontrar la dialéctica cinematográfica capaz de superar la contradicción de la acción espectacular y del suceso banal. Por ello, Ladrón de bicicletas es uno de los primeros ejemplos de cine puro. La desaparición de los actores, de la historia y de la puesta en escena desemboca finalmente en la perfecta ilusión estética de la realidad; en una más completa aparición del cine». (André Bazin).


19:00 · Sala 2 · El humor posbélico de la Ealing

Los apuros de un pequeño tren (The Titfield Thunderbolt, Charles Crichton, 1953). Int.: Stanley Holloway, George Relph, Naunton Wayne, John Gregson. Reino Unido. B-R. VOSE. B/N. 84’.

Cuando un pueblo va a perder su estación de tren, un grupo de voluntarios se organizan para hacerla funcionar bien, aunque sea compitiendo contra el servicio de autobuses.

«Al guionista T.E.B. Clarke debemos los guiones de Oro en barras y Los apuros de un pequeño tren. Tenía una imaginación desbordante pero, curiosamente, no era un escritor demasiado bueno. Era fantasioso. Pero cualquier fantasía corre el riesgo de llegar a ser extraña si se deja que vaya demasiado lejos. Tibby tuvo siempre una visión muy amplia y muy sólida de las cosas». (Charles Crichton).


21:30 · Sala 1 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

La corrupción de Chris Miller (Juan Antonio Bardem, 1972). Int.: Marisol, Jean Seberg, Barry Stokes, Gérard Tichy, Perla Cristal, Juan Antonio Bardem. España. B-R. VOSE. Color. 105’.

Una joven vive desolada junto a su madrastra tras haber sido violada por su padrastro. El trauma y la locura invadirán la mansión cuando un misterioso hombre entra en la casa.

«Es una película de consumo y un negocio para la productora, que no ha ido mal en taquilla. Pero, bueno, esto a veces a mí me sorprende. Cuando nosotros enjuiciamos el trabajo de ciertos directores norteamericanos, dentro de una industria cinematográfica duramente sometida a unas leyes, no ponemos en tela de juicio que fulanito haga una película de espías, luego un musical y después una de vaqueros. En cambio, en nuestros pagos, no se hace la misma consideración. Siempre hay alguien que te dice “pero Vd. Ha claudicado”. No. La claudicación consiste en elegir entre dos posibilidades. Pero si no tienes posibilidades, no es una claudicación; es una necesidad. Pienso que la película está correctamente organizada y bien realizada». (Juan Antonio Bardem).

 

Viernes 17 de junio

 

18:00 · Sala 1 ·  El cine en la España de Clara Campoamor

La bodega (Benito Perojo, 1929). Int.: Conchita Piquer, María Luz Callejo, Valentín Parera, Gabriel Gabrio. España. 35 mm. VOSE. B/N. 91’.

Adaptación de la novela de Vicente Blasco Ibáñez, sigue la historia de una pareja de enamorados en el contexto de una huelga entre los trabajadores de un negocio bodeguero.

«En el cine español de la época, La bodega resultaba extraordinariamente avanzada en el plano social, adaptando una novela de denuncia de un autor republicano en el tramo final de la dictadura militar. El film ofrecía, como la novela, cierto aspecto documental de la vida en el campo andaluz, con abundantes escenas de exteriores y algunas valiosas composiciones corales de los trabajadores del sector vitivinícola. […] Es legítimo afirmar que La bodega fue la película en donde resultó más patente la influencia del nuevo cine soviético sobre Perojo». (Román Gubern)


21:00 · Sala 2 ·
Chick Strand. Etnografía y trance

Trilogía de Anselmo

- Anselmo (Chick Strand, 1967). EEUU, México. 16 mm. VOSE. Color. 3’.
- Cosas de mi vida (Chick Strand, 1976). EEUU, México. 16 mm. VOSE. Color. 25’.
- Anselmo and the Women (Chick Strand, 1986). EEUU, México. 16 mm. VOSE. Color. 35’.

Tres películas etnográficas en las que Chick Strand, rodando durante sus viajes a Guanajuato a lo largo de dos décadas, retrata la vida de un músico callejero y su familia.

Duración total de la sesión: 63’.

Segunda proyección en julio.


21:30 · Sala 1 · 
Vittorio De Sica. De perros y hombres

Milagro en Milán (Miracolo a Milano, Vittorio De Sica, 1951). Int.: Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa, Guglielmo Barnabò. Italia. DCP. VOSE. B/N. 97’. Copia restaurada por Cineteca di Bologna.

Bajo la forma de un cuento de hadas, un bondadoso huérfano de los arrabales de Milán se enfrenta al dueño de los terrenos donde viven al descubrir que estos contienen petróleo.

«El título fue un error. El público italiano pensó que era un film religioso, cuando el tema es el amor al prójimo. Está dentro del neorrealismo, que no es una fórmula única, sino una forma de acercarse a la realidad. Puede ser drama, comedia o incluso un musical. La fantasía sirve para acentuar la autenticidad». (Vittorio De Sica).



Sábado 18 de junio

 

18:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

On the Comet (Na komete, Karel Zeman, 1970). Int.: Emil Horváth, Magda Vásáryová, Frantisek Filipovský, Cestmír Randa. Checoslovaquia. DCP. VOSE. Color. 74’.

Adaptación de la novela Héctor Servadac, de Jules Verne, que narra las aventuras de un grupo de personajes que vagan por el espacio cuando se quedan atrapados en un pedazo de tierra que es desgajado del planeta tras el impacto de un meteorito.

«Las más claras raíces de Karel Zeman provienen, además de la de Méliès, de la centenaria tradición del teatro de marionetas checo, en el que trabajó antes de dedicarse a la cinematografía, y del cine de marionetas y animación del maestro Jiri Trnka, auténtico impulsor del género en su país. Como Méliès, Zeman realiza, en lo formal, un cine plagado de todo tipo de trucajes, en el que mezcla los dibujos con los personajes de carne y hueso. Como él, en lo temático, se sumerge en un mundo de fantasía y poesía, sin olvidar una continua presencia del humor. […] Como en el caso del realizador francés, sus adaptaciones son siempre libres. Zeman busca más penetrar en el espíritu de Verne que ilustrar las aventuras de sus personajes y, como ocurre en Méliès, es algo que debemos agradecerle». (Jesús Angulo).


19:00 · Sala 2 ·
The Women’s Event

La souriante Madame Beudet (Germaine Dulac, 1923). Int.: Germaine Dermoz, Madeleine Guitty, Jean d’Yd, Yvette Grisier. Francia. DCP. MRF/E. B/N. 38’.

Una mujer de la burguesía francesa trata de matar el tedio que le provoca su matrimonio con un bruto e infantil comerciante entregándose al arte y soñando con una vida mejor.

«Creo que ha llegado el momento de escuchar en silencio nuestra propia canción, de expresar nuestra propia visión, de definir nuestra propia sensibilidad, de trazar nuestro propio camino. Aprendamos a mirar, aprendamos a ver, aprendamos a sentir». (Germaine Dulac).

Antes de la proyección de La souriante Madame Beudet se podrá ver el cortometraje At Land (Maya Deren, 1944, 16 mm).

Duración total de la sesión: 52’.


20:30 · Sala 1 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Siete días de enero (Juan Antonio Bardem, 1978). Int.: Manuel Ángel Egea, Virginia González, Fernando Sánchez Polack, Virginia Mataix, Madeleine Robinson, José Manuel Cervino, Alberto Alonso. España, Francia. 35 mm. VOSI. Color. 157’.

Reconstrucción de la Matanza de Atocha de 1977, donde un grupo terrorista de ultraderecha asesinó a cinco abogados vinculados al recientemente legalizado Partido Comunista de España.

«Una de las cosas más graves que han pasado en este país, desde mi punto de vista, en el mundo cinematográfico y cultural en general, es que ha habido como un intento, no explicitado, que ha prosperado bastante, de borrar la memoria histórica. Y me parece que una de las misiones, sobre todo del cine de ficción, es recuperar esa memoria histórica, reconstruirla. La gente en este país no sabía lo que había sucedido en Atocha, porque ni el NO-DO ni TVE se lo habían enseñado. Por otro lado era una historia que me afectaba personalmente porque eran unos abogados laboralistas que eran camaradas». (Juan Antonio Bardem).

Segunda proyección en agosto.

 

Domingo 19 de junio

 

18:00 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

El puente (Juan Antonio Bardem, 1976). Int.: Alfredo Landa, Josele Román, Victoria Abril, Simón Andreu, Paco Algora, Germán Cobos, Mabel Escaño. España. 35 mm. Color. 99’. La copia que se proyecta, la única disponible, presenta importantes deficiencias de imagen.

Un mecánico aprovecha un puente festivo para viajar a Torremolinos y pasárselo bien ligando con turistas.

«A las grandes compañías de distribución y no menos grandes cadenas de exhibición les importa un rábano la dimensión cultural del cinema. Ellas venden y revenden un producto, y en la medida que ese producto sea lo más alienante posible, lo más adormecedor, lo más mistificador, lo van a propiciar. […] La única salvación, jugando en su terreno de juego, es que seamos capaces de hacer un producto que tenga las suficientes dosis de atracción para que ellos vean en ese producto una rentabilidad». (Juan Antonio Bardem).

Sesión gratuita hasta completar aforo; requiere reserva de butaca a través de la plataforma de venta por internet de la Filmoteca Española.


20:30 · Sala 2 ·
Chick Strand. Etnografía y trance

Etnografías

- Mosori Monika (Chick Strand, 1970). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 20’.
- Artificial Paradise (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 13’.
- Fake Fruit Factory (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 22’.

«No podría ser más feliz… Me gusta vivir aquí, en esta ciudad, en este país… la dulzura de la lengua, la violencia repentina, la belleza increíble de las personas y de la ciudad… una puede ver la humanidad en cualquier momento… el color, la luz, la fantasía». (Chick Strand, en una carta escrita desde México a Bruce Baillie).

Duración total de la sesión: 55’.

Segunda proyección en julio.


21:00 · Sala 1 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

El especulador (Il boom, Vittorio De Sica, 1963). Int.: Alberto Sordi, Gianna Maria Canale, Elena Nicolai, Ettore Geri. Italia. DCP. VOSI/E. B/N. 88’.

Un hombre está asfixiado por las deudas contraídas por el lujoso estilo de vida que llevan él y su esposa. Sin embargo, en lugar de sincerarse para solucionar el problema, decide recurrir a ideas enloquecidas, incluyendo vender partes de su cuerpo.

«Aunque fue recibida de forma tibia por el público y la crítica italianas, esta joya ignorada es de visionado obligatorio no solo para los fans de De Sica o Sordi (aunque su interpretación está entre las mejores de su carrera) sino para cualquier interesado en un análisis ingenioso de la sociedad moderna. Los dilemas morales que explora con tanta fiereza, así como el retrato que hace de una sociedad capitalista fuera de control, otorgan hoy en día a la película una relevancia aún mayor que la que tuvo el día de su estreno». (Sonya Redi).

Segunda proyección el X29 de junio a las 18.00 h.

 

Martes 21 de mayo

 

18:00 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

A las cinco de la tarde (Juan Antonio Bardem, 1960). Int.: Francisco Rabal, Nuria Espert, Germán Cobos, Enrique A. Diosdado, Julia Gutiérrez Caba, Manuel Arbó, José Calvo, Germán Cobos, Faustino Cornejo, Rafael Cortés. España. 35 mm. B/N. 99’

Dos toreros antagonistas se disputan la corrida de sus vidas: para el joven supone la oportunidad de consagrarse como estrella, para el maduro la salvación de su declive profesional.

«La “teatralidad” del filme se hace cada vez más patente a medida que la película avanza y que la historia se confunde en mayor medida con la obra teatral. Pero la opción de Bardem de realizar una película de cámara no es en absoluto desacertada. Desde este punto de vista A las cinco de la tarde invierte los parámetros espectaculares que sostenían las dos obras anteriores del cineasta: del color al blanco y negro, de un cine expansivo a un material altamente concentrado, de temas presuntamente “universales” a uno que se mueve en el umbral del costumbrismo». (Santos Zunzunegui).


21:30 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing

Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronets, Robert Hamer, 1949). Int.: Dennis Price, Alec Guinness, Valerie Hobson, Joan Greenwood, Audrey Fields. Reino Unido. 35 mm. VOSE. B/N. 106’.

Un joven pobre y sin escrúpulos, descendiente del duque de D'Ascoyne, urde un plan para asesinar a todos sus familiares hasta alzarse con el codiciado título nobiliario.

«Hamer se vengó de los valores familiares haciendo una película que, según explicó, “no mostraba ningún respeto por las convenciones morales más asentadas, aunque no practicadas”. […] Si la película nunca acaba de sentirse “típicamente Ealing” es en parte porque muy poco de ella se rodó allí. Ealing era (y sigue siendo) un estudio pequeño incapaz de albergar más de tres producciones a la vez, pero ocurrió que cinco películas estaban en proyecto el verano de 1948. […] Esto permitió que Hamer, además de contar con los servicios del director de fotografía con más talento de la Ealing, Douglas Slocombe, tuviese acceso a los estudios Rank y su equipamiento de última generación, lo que otorga a la imagen de la película un acabado elegante y pulcro que pocas otras producciones Ealing pueden igualar». (Philip Kemp).

 

Miércoles 22 de junio

 

18:00 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Los pianos mecánicos (Juan Antonio Bardem, 1965). Int.: James Mason, Medina Mercouri, Hardy Krüger, Didier Haudepin, Maurice Teynac, Renaud Verley, Keiko Kishi, Karin Mossberg, José María Mompín, Luis Induni. España, Francia, Italia. 35 mm. Versión en español. Color. 90’.

Un escritor bloqueado huye a la Costa Brava y encuentra su fuente de inspiración en el ménage à trois que se establece entre él, su mejor amigo y la regente de un club nocturno.

«No es ninguna casualidad que el “arrinconamiento” de J.A. Bardem coincida con la insurrecta entrada en escena del Nuevo Cine Español. La política (administrativa) de José María García Escudero, ideólogo del deshielo limitado, propició la irrupción de una nueva generación de realizadores, a la par que ello se cobró un apreciable censo de perjudicados. […] Las cartas estaban echadas. Así las cosas, como tantos otros damnificados (o desafectos) por el NCE, Bardem, cuya obra corre paralela al mismo, busca su refugio en el cine de género, única opción no resistente sino de estricta supervivencia». (Ramón Freixas).


19:00 · Sala 2 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

Estación Termini (Stazione Termini, Vittorio De Sica, 1953). Int.: Jennifer Jones, Montgomery Clift, Gino Cervi, Richard Beymer, Memmo Carotenuto, Paolo Stoppa. Italia, EE.UU. DCP. VOSE. B/N. 63’. Copia restaurada por Restaurafilm. La versión que se ofrece en esta sesión es el montaje estadounidense; en julio podrá verse la versión italiana.

Tras pasar unas vacaciones de ensueño en Roma, una americana acomodada se debate entre volver a su monótona vida de casada o quedarse en Italia con su joven amante.

«Estación Termini permanece, en esencia, fiel a los principios del neorrealismo que De Sica y Zavattini establecieron en Ladrón de bicicletas. Rodada casi por completo en la Stazione Termini de Roma, una fría y deshumanizada creación de la era fascista, y escrita para permitir que la acción se desarrolle en tiempo real, la película de De Sica tiene una férrea raigambre realista que ni siquiera el vestuario de Dior de Jennifer Jones puede minar completamente. De Sica puebla la estación con una amplia representación de clases y tipos, que van desde los campesinos más desesperadamente pobres hasta el presidente de la república. Muchos personajes secundarios –camareros, conductores, policías- tienen líneas de dialogo y pinceladas de caracterización, en lugar de ser los extras mudos que encontramos habitualmente en el cine de Hollywood». (Dave Kehr, respecto a la versión italiana de Estación Termini).


21:30 · Sala 1 · El cine en la España de Clara Campoamor

Carne de fieras (Armand Guerra, 1936). Int.: Pablo Álvarez Rubio, Marlène Gray, Georges Marck, Tina de Jarque. España. 35 mm. B/N. 71’.

Un boxeador deprimido tras la ruptura de su matrimonio conoce a una bailarina que trabaja en un inusual espectáculo.

«La vigencia del folletín como modelo narrativo no se halló únicamente en las fuerzas políticas de la derecha, puesto que un anarquista como Armand Guerra […] recurrió puntualmente al modelo del “melodrama social” cuando realizó en 1936 su Carne de fieras, película cuya sonorización quedó interrumpida al estallar la sublevación fascista […] no puede pasarse por alto su sorprendente permisividad erótica para el año 1936, en una época en que eran muy raras, incluso en las más avanzadas cinematografías europeas, las exhibiciones anatómicas tan francas y prolongadas como las expuestas en dos secuencias de Carne de fieras». (Román Gubern).

 

Jueves 23 de junio


18:00 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing

Whisky a go-go (Whisky Galore, Alexander Mackendrick, 1949). Int.: Basil Radford, Joan Greenwood, Catherine Lacey, Bruce Seton, Wylie Watson, James Robertson Justice. Reino Unido. DCP. VOSE. B/N. 82’.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de escoceses busca cómo burlar a las autoridades y hacerse con el cargamento de whisky de un barco recién naufragado.

«Irónicamente, el cine de la Ealing quería recuperar el espíritu colectivo que reinaba durante el periodo bélico, valores genuinamente británicos que parecían haberse perdido con la llegada de la paz. Y es que la Ealing capeó como nadie ciertas contradicciones, que con humor no lo parecían tanto; una velada crítica al estado del bienestar laborista con un retorno del colectivismo bélico y todo mezclado con la idiosincrasia británica tendente a la individualidad y a lo excéntrico. El “milagro” de la Ealing fue asumir todo ello sin que se notara el desajuste». (Llorenç Esteve).


19:00 · Sala 2 ·
Chick Strand. Etnografía y trance

Ficciones

- Soft Fiction (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. B/N. 54’.
- Loose Ends (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 25’.
- Cartoon Le Mousse (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 15’.

«Me gusta ser una ermitaña. Desde que hago películas con personas siento que obtengo una intensa dosis de relaciones humanas… Pero la mayor parte del tiempo estoy encerrada en una sala oscura, trabajando. […] Cuando vuelva a Los Ángeles tendré siete películas nuevas listas para realizar la mezcla de sonido… en los próximos años el trabajo consistirá en eliminar». (Chick Strand, en una carta escrita desde México a Bruce Baillie).

Duración total de la sesión: 94’.

Segunda proyección en julio.


21:30 · Sala 1 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Cómicos (Juan Antonio Bardem, 1954). Int.: Elisa Gavé, Fernando Rey, Emma Penella, Carlos Casaravilla, Mariano Asquerino, Rosario García Ortega, Rafael Alonso, Manuel Alexandre. España, Argentina. DCP. B/N. 92'.

Una joven actriz en una compañía teatral ve como los papeles principales acaban una y otra vez en manos de una compañera más veterana. Un día, un empresario le propone ser la protagonista a cambio de convertirse en su amante.

«En estas circunstancias [de dificultades económicas y profesionales] se me presentó la gran oportunidad. Cómicos, por tanto, era una carta que no podía perder. Yo tenía que demostrar que sabía más que nadie de cine. Aunque siento predilección por la película comprendo que se resiente por esa base. Viene a ser una antología de la expresión cinematográfica. Me volqué en ella». (Juan Antonio Bardem).

Segunda proyección en agosto.

 

Viernes 24 de junio

 

18:00 · Sala 1 · Muestra de cine de Lavapiés

Hablar (Joaquín Oristrell, 2015). Int.: Sergio Peris-Mencheta, Estefanía de los Santos, María Botto, Raúl Arévalo. España. DCP. Color. 75’.

Una veintena de historias que se desarrollan en unas pocas calles del madrileño barrio de Lavapiés.
 
«En Hablar se cuenta todo mediante una única toma de casi 80 minutos, pero sobre todo la película quiere explicar lo que cuenta la calle. No todas las de nuestro país, pero sí al menos las que forman el entramado urbano del barrio madrileño de Lavapiés, sinécdoque, a la postre, de todas las calles de España». (Paula Arantzazu Ruiz).

Inauguración de la 19 Muestra de Cine de Lavapiés. Tras la presentación y antes de la proyección de Hablar se podrá ver el cortometraje Maria (Guilherme Carravetta de Carli, 2021, DCP).

Duración total aproximada de la sesión: 100’.

Sesión gratuita hasta completar aforo; requiere reserva de butaca a través de la plataforma de venta en internet de la Filmoteca Española.

 

19:30 · Sala 2 · Sala:B

«Sala:B» y los extraterrestres en Madrid:

- Los nuevos extraterrestres (Juan Piquer Simón, 1983). Int.: Ian Sera, Nina Ferrer, Emil Linder, Susana Bequer. España, Francia. 35 mm. Color. 80’.
- Hermano del espacio (Fratello dello spazio, Mario Gariazzo, 1988). Int.: Martin Balsam, Agostina Belli, Silvia Tortosa, William Berger. España, Italia. 35 mm. Color. 89’.

«Los extraterrestres visitaron Madrid en los ochenta y «Sala:B» lo demuestra con esta sesión doble de cine de barrio tardío y alienígena.

Juan Piquer Simón, un habitual de esta sala, empezó a dirigir Los nuevos extraterrestres en los bosques de Rascafría, donde iba a estrellarse un meteorito lleno de huevos alienígenas. Las primeras secuencias, con efectos visuales artesanales y una excelente fotografía neblinosa de Juan Mariné, anuncian una peli de miedo, un slasher rural con monstruos del espacio exterior que podría definirse como el cruce entre Alien y Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982). Pero en mitad de rodaje se cuela otro meteorito, el taquillazo del E.T. de Spielberg, y el distribuidor americano se emperra en añadir una trama de amistad infantil con marciano para explotarla mejor. Muy a su pesar, Piquer Simón se ve obligado a introducir dos nuevos personajes: Tommy, el niño, y Trompy, el extraterrestre, que provocan en la película un extraño caso de bipolaridad. Escenas terroríficas conviven así con muñecos de ojos tiernos y gesto pasmado, muertes violentas con stop-motion de juguete. El resultado no fue el ideal, pero sin duda es una de las películas fantásticas más imprevisibles del director valenciano, que reproducía –involuntariamente– el mismo dilema que dio origen al célebre E.T.: una película para niños rodada como una de terror.

A continuación, en Hermano del espacio veremos aterrizar unas cápsulas espaciales en suelo estadounidense, aunque gran parte del rodaje de esta coproducción transcurrió entre la iglesia de Torrelaguna y Robledo de Chavela. El director Mario Gariazzo (Roy Garret) y el productor José Frade reunieron aquí un reparto internacional, con nombres como Martin Balsam, William Berger, Silvia Tortosa, Agostina Belli, Eduardo Fajardo, Rafaela Aparicio y hasta León Klimovsky, que hace un cameo. El proyecto no se contentaba con explotar E.T., subían la apuesta con las escenas más espectaculares de Encuentros en la tercera fase –a mitad de precio– y con la incorporación de una telépata y un sacerdote que aportan atrevidas lecturas parapsi-católicas. Aseguran además haberse basado en el mítico caso de Roswell, adelantándose a Expediente X y el boom del fenómeno OVNI de los 90.

La exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, comisariada por Víctor Matellano e itinerante por toda la Comunidad de Madrid hasta final de año, nos ha dado la pista para programar estos dos títulos insondables de ciencia-ficción con aires madrileños». (Álex Mendíbil).

Presentación a cargo de Victor Matellano, cineasta y comisario de la exposición “Madrid, escenario de cine fantástico”, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración total aproximada de la sesión: 200’.

 

21:00 · Sala 1 · Sesión especial 

Dies Irae (Vredens dag, Carl Theodor Dreyer, 1943). Int.: Thorkild Roose, Lisbeth Movin, Sigrid Neiiendam, Kirsten Andreasen. Dinamarca. DCP. VOSI/E. B/N. 97’. Copia restaurada por el Danish Film Institute.

En Dinamarca, durante el siglo XVII, la ley exigía que las hijas de las brujas condenadas a muerte también fueran enviadas a la hoguera. Un viejo sacerdote ofrece a una mujer condenada la posibilidad de salvar a su hija si esta accede a casarse con él.

«Puede que sea la mejor película jamás rodada sobre la vida bajo un régimen totalitario. Extraordinaria tanto en su meticulosa recreación del periodo histórico como en su hipnótica puesta en escena (con algunos movimientos de cámara excepcionalmente inquietantes), desafía al espectador sugiriendo de vez en cuando que la brujería no era tanto una ilusión como una actividad producto de la intolerancia. Y, al igual que las otras grandes películas de Dreyer, es sensual hasta niveles carnales. No se me ocurre ninguna otra película de los años 40 que haya envejecido mejor». (Jonathan Rosenbaum).



Sábado 25 de junio

 

18:00 · Sala 2 · Festival de Fado Madrid 2022

Fado (Sofia de Portugal y Aurélio Vasques, 2012). Portugal. DCP. VOSE. Color. 50’.

Documental que, mediante una serie de entrevistas, busca explicar qué es el fado desde el punto de vista de aquellos que lo crean y lo estudian: compositores, guitarristas, cantantes, académicos…

Antes de la proyección tendrá lugar la conferencia “Saudades da terra firme. El fado y el mar”, a cargo de David Ferreira, experto en fado y director general, de 1983 a 2007, del mayor sello discográfico portugués.

Duración total aproximada de la sesión: 100’.


18:30 · Sala 1 ·
Filmoteca junior

La isla misteriosa (Mysterious Island, Cy Endfield, 1961). Int.: Michael Craig, Joan Greenwood, Michael Callan, Herbert Lom, Gary Merrill. Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 101’.

A finales del siglo XIX, un grupo de soldados huye en globo aerostático de un campo de prisioneros de la guerra civil americana y termina en una isla del Pacífico. Allí se encontrarán con toda clase de criaturas fantásticas y el mismísimo capitán Nemo. Adaptación de la novela homónima de Jules Verne.

«Uno de los grandes reproches que se ha hecho a menudo a La isla misteriosa es el de convertir una novela que parece el paradigma del relato de aventuras puro y duro en una historia fantástica. Sin embargo, esa es la principal aportación del film al cine verniano. Si dejamos de juzgarlo como una irreverencia argumental y se le contempla con la misma amplitud de miras que hemos utilizado para las películas de Méliès, mucho más osadas en ese terreno, nos encontramos con un film que busca sin pudor el lado fantástico subyacente en el texto de Verne». (Jesús Angulo).

 

21:30 · Sala 1 ·  Vittorio De Sica. De perros y hombres

Dos mujeres (La ciociara, Vittorio De Sica, 1960). Int.: Sophia Loren, Jean-Paul Belmondo, Raf Vallone, Eleonora Brown, Carlo Ninchi. Italia, Francia. 35 mm. VOSE. B/N. 101’.

Huyendo de la guerra, una mujer y su hija se refugian en las montañas de Ciociaria, donde la niña se enamorará de un joven intelectual partisano comprometido con la libertad.

«La intensidad y sinceridad de la película son su tarjeta de presentación; se trata de un documento feminista en una era de un patriarcado aplastante, impulsado por la impresionantemente intensa interpretación de Sophia Loren y la aproximación neorrealista, casi documental, a la construcción del relato por parte de Vittorio De Sica. Es también un ejemplo de la fragilidad del cine: por cuestiones legales, la película entró en dominio público y sobrevivió durante décadas en copias de escasa calidad. Finalmente, en 2017 fue restaurada; gracias al apoyo de unos cuantos cinéfilos decididos, Dos mujeres se salvó de la destrucción total a la que se veía abocada por la negligencia corporativa». (Gwendolyn Audrey Foster).

Segunda proyección en julio.

 

Domingo 26 de junio


18:00 · Sala 1 ·
El cine en la España de Clara Campoamor

Pilar Guerra (José Buchs, 1926). Int.: María Antonieta Monterreal, Juan de Orduña, Fernando Aguirre, Rafael Calvo. España. 35 mm. B/N. 62’.

La historia de amor entre una maestra rural y el hijo del alcalde del pueblo, vista con desaprobación por el padre de este. Adaptación de la novela de Guillermo Díaz Canaleja dirigida por José Buchs, uno de los realizadores con mayor trayectoria en el cine español de los inicios.

Proyección con música en directo a cargo del músico y compositor Jorge Gil Zulueta.

 

20:00 · Sala 2 · Chick Strand. Etnografía y trance

Poemas

- Angel Blue Sweet Wings (Chick Strand, 1966). EEUU. 16 mm. Color. 3’.
- Waterfall (Chick Strand, 1968). EEUU. 16 mm. Color. 3’.
- Guacamole (Chick Strand, 1976). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 10’.
- Elasticity (Chick Strand, 1976). EEUU. 16 mm. Color. VOSE. 25’.
- By the Lake (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 10’.

«”Me gusta tener la cámara muy cerca del cuerpo cuando ruedo”, decía Chick Strand, y esa técnica tan personal, su firma, daba como resultado imágenes notablemente líricas y sensuales, así como una rigurosa renovación del retrato fílmico y del documental etnográfico». (Federico Rossin).

Duración total de la sesión: 51’.

Segunda proyección en julio.

 

21:30 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Esa pareja feliz (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1951). Int.: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, José Luis Ozores, Félix Fernández, Matilde Muñoz Sampedro, Rafael Alonso, José Franco. España. DCP. B/N. 90’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

Un humilde matrimonio gana un concurso publicitario que les permite ser agasajados e invitados a grandes eventos durante veinticuatro horas.

«Originariamente, Esa pareja feliz era una historia dramático-sentimental, con una visión más triste y un tanto desesperanzada del mundo que quería retratar. Tuvo, desde el comienzo, cuatro modelos explícitamente declarados: Antoine et Antoniette, de Becker; Solitude, de Pal Fejos; From This Day Onward, de John Berry, y Navidades en julio, de Preston Sturges». (Juan Antonio Bardem).

 

Martes 28 de junio

 

18:00 · Sala 1 · El humor posbélico de la Ealing

A Run for Your Money (Charles Frend, 1949). Int.: Donald Houston, Meredith Edwards, Moira Lister, Alec Guinness, Hugh Griffith. Reino Unido. 35 mm. VOSE. B/N. 85’.

Dos hermanos de un pueblo de Gales viajan a Londres para asistir a un partido de rugby tras ganar un sorteo.

«Fundamentalmente eran buenas historias en sí mismas y nunca se sugirió que hubieran sido escritas en torno a grandes personalidades, esquemas predefinidos o rutinas cómicas. Si se compara las comedias de la Ealing con Chaplin, yo señalaría una diferencia fundamental de planteamiento: mientras que “el maestro” se convertía en esa figura simbólica del hombre corriente introducido en un contexto irreal, los poco convencionales personajes de las comedias Ealing vivían en el contexto realista de sus tareas diarias. Estas comedias reflejaban el estado anímico de la nación y sus condiciones y aspiraciones sociales». (Michael Bacon).


21:30 · Sala 1 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

Los girasoles (I girasoli, Vittorio De Sica, 1970). Int.: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreeva. Italia, Francia, URSS, EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 107’.

Una mujer busca desesperadamente en el frente ruso a su marido, quien, pese a sus elaboradas farsas, no consiguió librarse del reclutamiento.

«Los girasoles es un film que ha nacido para dar una oportunidad a una actriz. En este sentido creo que lo hemos conseguido. Sofía ha hecho de este personaje, Giovanna, una magnífica creación. El tema ha sido aceptado, escrito y rodado para ella. Quizá no hayamos llegado a conseguir el culmen supremo del arte, del arte neorrealista. Hemos hecho una película que gusta a una parte de la crítica; a otra no le gusta absolutamente nada: al público, mucho». (Vittorio De Sica).

 

 

Miércoles 29 de junio

 

18:00 · Sala 1 · Vittorio De Sica. De perros y hombres / La mirada verde

El especulador (Il boom, Vittorio De Sica, 1963). Int.: Alberto Sordi, Gianna Maria Canale, Elena Nicolai, Ettore Geri. Italia. DCP. VOSI/E. B/N. 88’.

Un hombre está asfixiado por las deudas contraídas por el lujoso estilo de vida que llevan él y su esposa. Sin embargo, en lugar de sincerarse para solucionar el problema, decide recurrir a ideas enloquecidas, incluyendo vender partes de su cuerpo.

«Aunque fue recibida de forma tibia por el público y la crítica italianas, esta joya ignorada es de visionado obligatorio no solo para los fans de De Sica o Sordi (aunque su interpretación está entre las mejores de su carrera) sino para cualquier interesado en un análisis ingenioso de la sociedad moderna. Los dilemas morales que explora con tanta fiereza, así como el retrato que hace una sociedad capitalista fuera de control, otorgan hoy en día a la película una relevancia aún mayor que la que tuvo el día de su estreno». (Sonya Redi).

Presentación a cargo de Another Way Film Festival.

Duración total aproximada de la sesión: 100’.


19:00 · Sala 2 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

Escape to the Silver Globe (Ucieczka na srebrny glob, Kuba Mikurda, 2021). Polonia. DCP. VOSE. Color y B/N. 94’

Documental que explora la figura de Andrzej Zulawski y, en particular, todos los problemas y dificultades que rodearon a la creación de su malograda y colosal On the Silver Globe.

«Mikurda ofrece una imagen muy romántica de un cineasta cuya voz fue silenciada por el comunismo polaco, un cineasta muy personal incluso en las películas que parecen estar muy alejadas de su realidad (como el relato de unos astronautas buscando un nuevo mundo en On the Silver Globe). Este documental evoca los fantasmas de esa película inacabada, pero también un tema que lleva rondando por el arte polaco en los últimos dos siglos: la idea del noble fracaso, la noción romántica del artista asfixiado por un poderoso invasor». (Ola Salwa).


21:30 · Sala 1 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Muerte de un ciclista (Juan Antonio Bardem, 1955). Int.: Alberto Closas, Lucia Bosé, Carlos Casaravilla, Alicia Romay, Otello Toso, Alicia Romay, Julia Delgado Caro, Matilde Muñoz Sampedro, José Prada, Fernando Sancho, Manuel Alexandre. España, Italia. 35 mm. B/N. 81’.

Una pareja de amantes clandestinos atropella a un ciclista. Temerosos de que su relación se descubra, hacen todo lo posible por ocultar el incidente.

«Aun cuando resulta muy arriesgado hablar en este caso de “cine de oposición”, toda vez que el contexto no hubiese tolerado un cine abiertamente opositor, no es menos cierto que Muerte de un ciclista plantea una mirada airada y explícitamente crítica a los estamentos sobre cuya aquiescencia y/o entusiasta apoyo se construyó el franquismo de posguerra: la clase media, objetivo de dardos indisimuladamente sangrientos de Bardem, representada tanto por el profesor víctima de una crisis de conciencia como por su madre, perfecta encarnación del inmovilismo y la tradición; incluso de la nueva burguesía nacida al amparo del estraperlo –la esposa adúltera, el industrial Miguel–; y en general, de los mecanismos de promoción en una sociedad cerrada, asfixiantemente totalitaria como era la española de década y media después del final de la guerra». (Casimiro Torreiro).

 

Jueves 30 de junio

 

18:00 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Varietés (Juan Antonio Bardem, 1971). Int.: Sara Montiel, Vicente Parra, Chris Avram, Trini Alonso. España, José María Mompín, Antonio Ferrandis, Emilio Laguna. 35 mm. VOSF. Color. 95’.

Una vedette viaja por toda España con la compañía Varietés 30. Gracias a ella descubre lo que significa el amor en sus buenos y malos momentos.

«No caigamos en discusiones idealistas. Yo también soy un individuo que tiene que vivir. Y no por eso creo haber traicionado mis puntos de vista. […] Esa idea del artista puro es una idea burguesa, el creador que no se mancha». (Juan Antonio Bardem).


21:00 · Sala 2 ·
Chick Strand. Etnografía y trance

Sueños y visiones

- Mujer de milfuegos (Chick Strand, 1976). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 15’.
- Kristallnacht (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 7’.
- Fever Dream (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. Color. VOSE. 7’.
- Coming Up for Air (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 27’.

Cuatro poemas visuales que exploran temas como la sensualidad y el sueño y retratan, de forma expresionista, a mujeres en diferentes contextos.

Copia de Mujer de milfuegos restaurada por el Academy Film Archive. Duración total de la sesión: 56’. Segunda proyección en julio.


21:30 · Sala 1 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

Matrimonio a la italiana (Matrimonio all'italiana, Vittorio De Sica, 1964). Int.: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Aldo Puglisi, Tecla Scarano. Italia, Francia. DCP. VOSE. Color. 102’. Copia restaurada por Cineteca di Bologna.

En Nápoles durante la Segunda Guerra Mundial, una joven y solitaria prostituta conoce a quien será su marido, un rico burgués que la lleva a vivir con él.

«No hay duda de que la lucha de Filumena es una lucha de clases. Pero De Sica, como tantas otras veces, no hace una lectura política, sino que se limita a mostrar en ella esa emotividad chapliniana que ha vertebrado lo mejor de su filmografía. Hay, eso sí, una comprensión del menos favorecido, una ternura hacia una mujer a la que la vida no ha ofrecido nada y que se hace explícita en las dos escenas en las que Filumena afronta el mundo de contratos y abogados en el que Domenico se mueve como pez en el agua por su condición de chanchullero». (Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo).

 

JULIO DE 2022

 


Viernes 1 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Cassavetes, cineasta

Gloria (John Cassavetes, 1980). Int.: Gena Rowlands, Buck Henry, Julie Carmen, John Adames. EEUU. DCP. VOSE. Color. 123’.

Una mujer conectada con altos cargos del hampa protege a un niño puertorriqueño después de que la familia del pequeño sea asesinada por unos mafiosos.

«Se puede saber mucho sobre un cineasta y su postura ante el mundo por la forma en que encuadra a un niño, en especial cuando hay un adulto en la misma escena. ¿A quién presta atención la cámara en cada momento? ¿De quién es el punto de vista? […] Cassavetes, como había ya hecho anteriormente con el resto de uniones sociales y convencionales entre personas, cuestiona, descarta, transciende, subvierte, universaliza y finalmente reafirma la relación entre madre e hija en base a su potencial vital e interpersonal. […] Gloria es una película inagotablemente rica. Infravalorada por los devotos como un mero encargo comercial, representa en realidad una fértil fusión de géneros cinematográficos, con la singularidad del estilo y el enfoque de Cassavetes. Partiendo desde esa simple y natural disparidad entre las alturas de un niño y un adulto, Cassavetes ofrece en Gloria un mundo entero de relaciones humanas». (Cristina Álvarez y Adrian Martin).

Segunda proyección en agosto.


19:00 · Sala 2 ·
Chick Strand. Etnografía y trance

Etnografías

- Mosori Monika (Chick Strand, 1970). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 20’.
- Artificial Paradise (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 13’.
- Fake Fruit Factory (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 22’.

«No podría ser más feliz… Me gusta vivir aquí, en esta ciudad, en este país… la dulzura de la lengua, la violencia repentina, la belleza increíble de las personas y de la ciudad… una puede ver la humanidad en cualquier momento… el color, la luz, la fantasía». (Chick Strand, en una carta escrita desde México a Bruce Baillie).

Copia de Fake Fruit Factory restaurada por el Academy Film Archive.

Duración total de la sesión: 55’.


21:00 · Sala 1 ·
Con cariño, John Waters

La ley del más fuerte (Faustrecht der Freiheit, Rainer Werner Fassbinder, 1975). Int.: Rainer Werner Fassbinder, Peter Chatel, Karlheinz Böhm, Adrian Hoven. RFA. DCP. VOSE. 123’. Copia restaurada por The Fassbinder Foundation.

Un feriante gana una importante cantidad de dinero gracias a la lotería. Esa inesperada fortuna le abre las puertas de una parte del mundo gay que hasta ese momento solo podía ver desde la distancia.

«La ley del más fuerte fue una de las primeras películas comerciales en presentar el ambiente gay de forma abierta y realista como espacio natural para la acción dramática, en lugar de aprovecharlo como un escenario exótico. Fassbinder enfatizó que la película no trataba sobre la homosexualidad, sino sobre el abuso emocional y la lucha de clases. […] De hecho, el film tiene da mucha importancia a los aspectos políticos y económicos. Hay matices marxistas en su dramatización de la explotación de un miembro de la clase obrera por parte de un grupo de pretenciosos amigos de la alta burguesía. Fassbinder describía la historia como “la lucha privada entre un emprendedor y alguien que querría ser un emprendedor”. Después comparó los sucesos de la película con la tradicional caza del zorro británica: su protagonista, que se llama Fox, es “perseguido por los ricos, timado, abusado y finalmente descartado”». (Wallace Steadman Watson).


Sábado 2 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Tomboy (Céline Sciamma, 2011). Int.: Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson, Mathieu Demy. Francia. DCP. VOSE. 82’.

Tras mudarse con su familia a un nuevo vecindario, Laure se presenta a todos sus nuevos amigos como un chico.

«Sciamma aporta un naturalismo nada forzado a las escenas de los niños jugando y charlando, haciéndose sin ninguna seriedad preguntas íntimas como si alguno ha probado su propia orina; el tipo de cosas que los niños hacen cuando no hay adultos alrededor y quieren alardear. Sciamma también explora con tacto el fluir de la identidad en secuencias como la del maquillaje o en la que Laure construye un pene de plastilina para meterlo en su ropa de natación. Es divertido ver a Laure disfrutar de la posibilidad de ser quien realmente siente que es». (Noel Murray).


20:00 · Sala 2 ·
The Women’s Event

Muchachas de uniforme (Mädchen in Uniform, Leontine Sagan, 1931). Int.: Dorothea Wieck, Hertha Thiele, Emilia Unda, Hedy Krilla. Alemania. 35 mm. VOSE. B/N. 88’.

Al quedarse huérfana, una joven es enviada a un internado. Allí se enamora de una amable profesora.

«Un hito del cine europeo de entreguerras, la película de Leontine Sagan es notable en muchos aspectos, pero por encima de todo destaca por el simple hecho de que llegase a producirse. No solo tenía a una cineasta al mando (dirigiendo a un reparto enteramente compuesto por mujeres, nada más y nada menos), sino que además es uno de los primeros filmes queer realmente significativos que se rodaron. Pese a las múltiples décadas de censura y prohibición que ha tenido que soportar, ha sobrevivo hasta convertirse en piedra angular de varias generaciones de cinéfilos queer. […] El fenómeno que mejor retrata es el de ese afecto, esperado e ignorado, que se da en el contexto de la exuberancia juvenil de las jóvenes. Un afecto al que no se permitía “significar” nada y que no podía sobrevivir más allá de las fronteras de la adolescencia». (Sarah Cleary).


20:30 · Sala 1 ·
Cassavetes, cineasta

Noche de estreno (Opening Night, John Cassavetes, 1977). Int.: Gena Rowlands, Ben Gazzara, Joan Blondell, Paul Stewart, John Cassavetes. EEUU. DCP. VOSE. 144’. Copia restaurada.

Tras presenciar la muerte de una joven admiradora, una reputada actriz de teatro se niega a representar el papel de una mujer incapaz de admitir que está envejeciendo.

«Cassavetes trasvasó emociones y situaciones reales a esta historia. Mucho de lo que ocurre son hechos o experiencias vividas por él y su pareja, Gena Rowlands, o su círculo cercano. Este es otro rasgo característico de la filmografía del realizador y su mujer: no hay una clara línea divisora entre realidad y ficción. La preocupación de Gena Rowlands por la vejez era tan real como la de la protagonista, para quien la profesión lo es todo. Pero mientras Rowlands buscaba claridad y causalidad narrativa, a Cassavetes le interesaba lo contrario: no dejarle las cosas tan claras al espectador. […] Por eso la película se parece más a la vida que a un montaje teatral. Es parte de la genialidad de Cassavetes. Noche de estreno es una experiencia inolvidable, un estremecimiento vital que sacude al espectador hasta el fondo del alma». (Ana Josefa Silva).

Segunda proyección en agosto.

 

Domingo 3 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Fantasmas de posguerra

Cuentos de la luna pálida (Ugetsu monogatari, Kenji Mizoguchi, 1953). Int.: Masayuki Mori, Kinuyo Tanaka, Machiko Kyô, Mitsuko Mito. Japón. DCP. VOSE. B/N. 96’. Copia restaurada por The Film Foundation y Kadokawa Corporation.

En el Japón feudal, dos hombres realizan un peligroso viaje para vender sus mercancías en la ciudad y logran una pequeña fortuna. A partir de ese momento, su ambición les llevará al desastre.

«Película extraordinaria, enteramente personal a la vez que íntimamente respetuosa con el fantastique del país, trasciende y sublima el género por causa de su riqueza polisémica, gracias a la cual una conclusión edificante de signo budista supera la cualidad de moraleja fácil que probablemente habría revestido en manos de cualquier otro cineastas, sobre todo si fuera extranjero. Con un final de todo punto inolvidable, acaso uno de sus mayores atractivos, por lo menos para ojos occidentales, estriba en su penetrante valoración de percepciones opuestas al cristianismo». (Carlos Aguilar, Daniel Aguilar y Toshiyuki Shigeta).

Segunda proyección en agosto.


19:00 · Sala 2 ·
Chick Strand. Etnografía y trance

Trilogía de Anselmo

- Anselmo (Chick Strand, 1967). EEUU, México. 16 mm. VOSE. Color. 3’.
- Cosas de mi vida (Chick Strand, 1976). EEUU, México. 16 mm. VOSE. Color. 25’.
- Anselmo and the Women (Chick Strand, 1986). EEUU, México. 16 mm. VOSE. Color. 35’.

Copias restauradas por el Academy Film Archive.

Tres películas etnográficas en las que Chick Strand, rodando durante sus viajes a Guanajuato a lo largo de dos décadas, retrata la vida de un músico callejero y su familia.

Duración total de la sesión: 63’.


21:00 · Sala 1 ·
Con cariño, John Waters

Pink Narcissus (James Bidgood, 1971). Int.: Don Brooks, Bobby Kendall, Charles Ludlam. EEUU. DCP. VOSE. Color. 65’.

En sus tiempos muertos, un chapero se imagina a sí mismo en diferentes fantasías eróticas.

«Sintetiza buena parte de los motivos y recursos estilísticos del cine underground. Al igual que el trabajo de Jack Smith, bebe del artificio del Hollywood más kitsch, por ejemplo el cine de esclavos romanos, el inspirado por Las mil y una noches o el de corridas de toros mexicanas. De la misma manera que el cine de Kenneth Anger, la película también se deleita en los aspectos más escandalosos de la cultura gay, con escenas rodadas en sórdidos cuartos de baño públicos o en calles tomadas por chaperos. Incluso llega más atrás en su exploración de las tradiciones del cine gay experimental, contrarrestando los momentos más escabrosos con otros rodados en un decorado muy artificial que recuerda a Un chant d’amour, de Jean Genet». (Harry M. Benshoff y Sean Griffin).

Antes de la proyección de Pink Narcissus podrá verse el cortometraje Un chant d’amour (Jean Genet, 1950, DCP, VOSE). Duración total de la sesión: 91’.

 

Martes 5 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Vittorio De Sica. De perros y hombres

El jardín de los Finzi Contini (Il giardino dei Finzi Contini, Vittorio De Sica, 1970). Int.: Dominique Sanda, Lino Capolicchio, Helmut Berger, Fabio Testi, Romolo Valli. Italia, RFA. 35 mm. VOSE. Color. 94’.

Los Finzi-Continis, una familia noble y judía de Ferrara, luchan por mantener su vida de partidos de tenis y líos de faldas a pesar de la creciente sombra del fascismo en Italia.

«A la hora de presentarnos el jardín, De Sica recurre a una interesante estrategia visual: nunca nos termina de orientar visualmente, así que no sabemos realmente cuál es su forma y extensión. Por tanto, visualmente no podemos contar con él; nunca sabemos cuándo nos va a fallar. Estar es un espacio indefinido, especialmente uno en el que queremos ocultarnos o del que queremos huir, genera una notable inquietud, y eso es precisamente lo que De Sica busca». (Roger Ebert).

Segunda proyección el V29 de julio a las 18.00 h.


21:00 · Sala 1 ·
Con cariño, John Waters

The Fluffer (Richard Glatzer y Wash Westmoreland, 2001). Int.: Scott Gurney, Michael Cunio, Roxanne Day, Taylor Negron. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 95’.

Un joven que trabaja en la industria del porno gay se enamora de una de las estrellas.

«Comienza como la sátira ligera en torno a la industria del porno gay que el título sugiere, para después desarrollar relatos paralelos de amor frustrado y, finalmente, emerger como una odisea de paso a la madurez de notable sustancia y honestidad. Que se trate de un buen ejemplo de cine de presupuesto modesto pero capaz de presumir de interpretaciones, guion y dirección de primer nivel no es ninguna sorpresa». (Kevin Thomas).

 

Miércoles 6 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

La huella del crimen: Jarabo (Juan Antonio Bardem, 1985). Int.: Sancho Gracia, María José Alfonso, José Manuel Cervino, Miguel Palenzuela, Raúl Fraire, Ricardo Palacios. España. DCP. Color. 75’.

Capítulo de la serie antológica La huella del crimen que narra los crímenes de José María Jarabo, autor de cuatro asesinatos en Madrid en 1958.

«Pedro Costa tuvo una idea muy brillante que le aceptaron en Televisión, y que era hacer una serie de seis episodios, cada episodio contado por un director distinto y sobre el tema de un crimen famoso de la historia de la criminología española. […] Pedro Costa llevaba de director de producción a Fernández Gil y me encargaron uno de los temas. Me dieron a elegir uno en concreto y yo elegí el que creía más interesante para mí. […] «El caso Jarabo» fue un caso que causó una gran sensación en la España franquista de los años cuarenta y cinco o cuarenta y seis. […] Todo daba las características de ser un crimen del tercer mundo, pues era el crimen de un señorito, y esto me llamó la atención. No tocaba el tema ni a los marginados ni a las clases altas». (Juan Antonio Bardem) .

 

19:00 · Sala 2 · Chick Strand. Etnografía y trance

Ficciones

- Soft Fiction (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. B/N. 54’.
- Loose Ends (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 25’.
- Cartoon Le Mousse (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 15’.

«Me gusta ser una ermitaña. Desde que hago películas con personas siento que obtengo una intensa dosis de relaciones humanas… Pero la mayor parte del tiempo estoy encerrada en una sala oscura, trabajando. […] Cuando vuelva a Los Ángeles tendré siete películas nuevas listas para realizar la mezcla de sonido… en los próximos años el trabajo consistirá en eliminar». (Chick Strand, en una carta escrita desde México a Bruce Baillie).

Copia de Soft Fiction restaurada por el Academy Film Archive.

Duración total de la sesión: 94’.


21:00 · Sala 1 ·
Malos hábitos

El jugador (The Gambler, Karel Reisz, 1974). Int.: James Caan, Paul Sorvino, Lauren Hutton, Morris Carnovsky, Burt Young, Vic Tayback, M. Emmet Walsh, James Woods. EEUU y Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 111’.

Un hombre adicto al juego acumula tantas deudas con un peligroso prestamista que su vida empieza a estar en riesgo. Sin embargo, cuanto más peligrosa se vuelve su adicción, más parece disfrutarla.
«Si busca el tema que recorre El jugador lo encontrará en el poema de E. E. Cummings Buffalo Bill difunto, sobre un personaje hoy en día totalmente fuera de lugar: el protagonista encuentra una huella de heroísmo en la figura de su abuelo. Se da cuenta de que, entre los gánsteres, hay todavía algo que se parece al heroísmo, y al mismo tiempo descubre que ese heroísmo está fuera de lugar y no tiene sentido en el mundo de hoy. Y, sin embargo, está profundamente obsesionado con él. […] Mi personaje extrae la conclusión de que, ya que no puede ser un héroe del bien, más vale serlo del mal. Es en este sentido que yo lo califico de perverso. Como en todas mis películas, El jugador es un film sobre el heroísmo, sobre la voluntad de permanecer al margen y correr riesgos». (Karel Reisz).

Segunda proyección el S23 de julio a las 18.30 h.

 

Jueves 7 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Malos hábitos

Días de vino y rosas (Days of Wine and Roses, Blake Edwards, 1962). Int.: Jack Lemmon, Lee Remick, Charles Bickford, Jack Klugman, Jack Albertson. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 117’.

Un publicista alcohólico se casa con una joven a la que introduce lentamente en el consumo de alcohol, hasta que la bebida amenaza con devorar sus vidas.

«Estudio a los alcohólicos. Una vez, en la época en que yo bebía, alguien me dijo que cuando se está borracho se dice la verdad; no lo creo. Es una especie de verdad psicótica que sale de la boca de los borrachos, pero no forzosamente ha de ser autentica. Observo a los borrachos; son verdaderos personajes, tristes, graciosos, probando a escapar de sí mismos. Me fascinan a causa de sus particularidades físicas y también, claro está, porque son personajes cómicos clásicos. […] La ebriedad nos muestra a un hombre que no está en sus cabales, en cierta manera degenerado, en contra de sí mismo, y por eso uno puede reírse. […] Se vuelve como un payaso social; y sin embargo reconocemos en el fondo la necesidad que tiene de escapar de sí mismo. […] La pregunta que yo quería formular era la siguiente: ¿Por qué se destruyen a sí mismos y a todo lo que les rodea? ¿Por qué son incapaces de resistirse a su mal?» (Blake Edwards).

Segunda proyección el S30 de julio a las 19.00 h.


20:30 · Sala 1 ·
Flores en la sombraCortometrajes de José Romero Ahumada

- Aquelarre (José Romero Ahumada, 1976). Int.: Kiro Martín, Leo Aroca, José Romero Ahumada. España. DCP. Color. 7’.
- Abajo la Ley de Peligrosidad Social (José Romero Ahumada, 1977). España. DCP. Color. 14’.
- La bicicleta lila (José Romero Ahumada, 1978). España. DCP. Color. 13’.
- Massiel recibe un premio de un grupo de lesbianas (José Romero Ahumada). España. DCP. Color. 3’.
- La guapa (José Romero Ahumada, 1981). Int.: Josecho, Roser Carvajal, Concha Fariñas, Manel Ollé. España. DCP. Color. 17’.
- Pastenagues (José Romero Ahumada, 1982). Int.: José Romero Ahumada, Lluis Escribano, Ramón Morcillo, Quim Moliné. España. DCP. Color. 4’

Seis piezas del activista y cineasta amateur José Romero Ahumada, rodadas originalmente en Super-8 y recientemente digitalizadas por Filmoteca Española. La sesión reúne dos obras de corte documental, que recogen algunos de los primeros actos abiertamente LGTB+ en la España de la transición, y cuatro obras de ficción que hacen gala de una sexualidad alegre y sin miedo.

Presentación a cargo del director, José Romero Ahumada, y de Alberto Berzosa, doctor en Historia y Teoría del Arte. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.


21:30 · Sala 2 ·
Vittorio de Sica. De perros y hombres

El techo (Il tetto, Vittorio De Sica, 1956). Int.: Gabriella Pallotta, Giorgio Listuzzi, Gastone Renzelli, Angelo Bigioni. Italia, Francia. 35 mm. VOSE. B/N. 91’.

Una ley provinciana decreta que, una vez se ha construido el techo de una vivienda, sus ocupantes no pueden ser desahuciados. Asfixiados por la miseria, una pareja de recién casados decide que así conseguirá su hogar.

«De Sica trabaja el primer plano en interiores –reconstruidos en estudio– abigarrados, llenos de personajes que entran y salen, reencuadrando a través de las puertas y subrayando sutilmente la intimidad imposible de los recién casados. Las ventanas, siempre presentes en su filmografía como hendiduras que se abren a la luz del exterior son aquí resquicios a evitar por las que penetra el ruido de los coches. Como contrapunto, las vías, los trenes y, en banda sonora, aviones que pasan… promesas de otros mundos y otra vida». (Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo).

Segunda proyección el X20 de julio a las 18.00 h.

 

Viernes 8 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Cassavetes, cineasta

Faces (John Cassavetes, 1968). Int.: John Marley, Gena Rowlands, Lynn Carlin, Seymour Cassel. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 130’. Copia restaurada por UCLA Film and Television Archive.

Unas pocas horas en la vida de un matrimonio en crisis que busca algo de felicidad en relaciones extramatrimoniales.

«No es una película, es un modo de vida. […] La hemos hecho para nosotros y esperamos que gustará a otras personas, pero, que la compren o no, no es importante. Nuestro placer es haberla hecho. No buscamos la gloria, ni una buena crítica en Cahiers. La hacemos para nosotros, no para Stanley Kramer ni para Metro o Columbia. […] Lo esencial para mí y mis colaboradores es encontrar una verdad íntima, una especie de revelación. Por eso preferimos trabajar con un tema cuyo significado no tenemos claro del todo. Que Faces sea buena o mala no importa. Lo importante es que es posible hacer una película de esta forma». (John Casavetes).

Segunda proyección en agosto.


19:00 · Sala 2 ·
Chick Strand. Etnografía y trance

Poemas

- Angel Blue Sweet Wings (Chick Strand, 1966). EEUU. 16 mm. Color. 3’.
- Waterfall (Chick Strand, 1968). EEUU. 16 mm. Color. 3’.
- Guacamole (Chick Strand, 1976). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 10’.
- Elasticity (Chick Strand, 1976). EEUU. 16 mm. Color. VOSE. 25’.
- By the Lake (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 10’.

«”Me gusta tener la cámara muy cerca del cuerpo cuando ruedo”, decía Chick Strand, y esa técnica tan personal, su firma, daba como resultado imágenes notablemente líricas y sensuales, así como una rigurosa renovación del retrato fílmico y del documental etnográfico». (Federico Rossin).

Copia de By the Lake restaurada por el Academy Film Archive.

Duración total de la sesión: 51’.


21:00 · Sala 1 ·
Con cariño, John Waters

Heat (Paul Morrisey, 1972). Int.: Joe Dallesandro, Sylvia Miles, Andrea Feldman, Pat Ast. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 102’.

Un actor en paro inicia una relación con una actriz esperando que ella pueda ayudarle a volver a trabajar. El endeble plan se complica aún más por la intromisión constante de la hija de ella.

«A pesar de su sofisticación, Heat muestra la crucial impresión que Morrisey tiene de una vida vivida más que escrita, incluso aunque sus personajes se decanten por autoproyecciones teatrales. De hecho, después de un panel de discusión que tuvo lugar al final de la premiere en el Festival de Cine de Nueva York, Elia Kazan se levantó de entre el público para dejar claro cuán conmovedora le había parecido la película, especialmente en lo que tenía que ver con el misterio de las motivaciones inexplicadas y poco simplificadas de los personajes. Aquí, como en Flesh y Trash, el poder viene generado por nuestra sensación de que estamos viendo a personajes que viven lo que son, aunque hagan un papel». (Maurice Yacowar).

 

Sábado 9 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior

Mi vida en rosa (Ma vie en rose, Alain Berliner, 1997). Int.: Georges Du Fresne, Michéle Laroque, Jean-Philippe Écoffey, Hélène Vincent. Bélgica, Francia, Reino Unido. 35 mm. VOSE. Color. 88’.

Al poco de llegar a una nueva ciudad, Ludovic sorprende a sus padres empezando a vestirse y presentándose abiertamente como una niña.

«Apresar de los aprietos por los que pasa la familia, Mi vida en rosa consigue mantener un espíritu notablemente valiente y optimista, en buena medida porque se centra en el punto de vista de Ludovic, que no duda por mucho que vea que todos los demás a su alrededor les saca de quicio. La película también se escapa de vez en cuando, entregándose a la imaginación más pura y llena de color cuando Ludovic fantasea con Pam, una muñeca similar a la Barbie que sobrevuela la comunidad y guía sus pasos. El naturalismo de las interpretaciones también contribuye de forma importante al éxito del film, particularmente en el caso del joven Georges Du Fresne». (Marjorie Baumgarten).


20:15 · Sala 1 ·
Fantasmas de posguerra

Kwaidan (Masaki Kobayashi, 1964). Int.: Tatsuya Nakadai, Fumie Kitahara, Rentarô Mikuni, Keiko Kishi. Japón. B-R. VOSE. Color. 183’.

Cuatro relatos de corte sobrenatural provenientes de la tradición folclórica japonesa: un samurái que abandona a su esposa; un leñador que es salvado de la tormenta por un espíritu; un músico que recibe la visita de varios fantasmas; y un hombre que es perseguido por una aparición.

«Sigue destacando dentro del cine de Kobayashi por su exploración de las realidades paralelas. Nadie que haya contemplado el destilado pesadillesco de la experiencia bélica que ofreció con La condición humana o el rigor extremo con el que puso al descubierto los códigos feudales en Harakiri y Samurai Rebellion puede pensar de él que sea un artista con tendencia a la fantasía escapista. Lo cierto es que las historias de Kwaidan no ofrecen escapatoria. El esplendor de sus cielos pintados y esas paletas de colores de otro mundo, el evidente artificio de todo lo que vemos, la virtuosa estilización de la imagen, todo eso sirve para enfatizar que, cuando uno viaja hasta los más lejanos confines de la imaginación, lo que acaba por encontrar es el más absoluto y terrorífico vacío. La fusión de belleza trascendental y gélidez cósmica de Kwaidan, su creación de espacios a la vez vastos y herméticos, recuerda en ocasiones a 2001 o El resplandor. Resulta fácil imaginar a Stanley Kubrick prestando mucha atención a los logros de Kobayashi en esta película». (Geoffrey O’Brien).

Segunda proyección en agosto.


21:30 · Sala 2 ·
Con cariño, John Waters

The Hours and Times (Christopher Munch, 1991). Int.: David Angus, Ian Hart, Stephanie Pack, Robin McDonald. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 57’.

Reconstrucción ficcional del viaje a España que John Lennon y Brian Epstein realizaron en 1963.

«Lo que se sabe de este viaje a Barcelona es que Epstein estaba melancólicamente enamorado de Lennon y confiaba en poder tener una aventura con él. […] El director, guionista y director de fotografía, Christopher Munch, explicó en una entrevista a Amy Taubin que “Lennon dijo que su relación no se había consumado, creo que la gente que quiera acercarse a lo que sucedió debería aceptar esto”. Concretando aún más, Munch destacó que la compleja relación de Epstein y Lennon no podía resolverse con el sexo. […] Viendo la película, uno siente que Munch conoce a Epstein y Lennon y su historia como la palma de su mano, a pesar de que no sabe lo que ocurrió entre ellos en Barcelona. Y, a diferencia de otros, no quiere fingir que lo sabe, ni quiere que lo hagamos nosotros». (Jonathan Rosenbaum).

 

Domingo 10 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Con cariño, John Waters

La soga (Rope, Alfred Hitchcock, 1948). Int.: James Stewart, John Dall, Farley Granger, Dick Hogan, Cedric Hardwicke. EEUU. DCP. VOSE. Color. 80’. Copia restaurada por Universal.

Tras cometer un asesinato, dos hombres deciden ocultar el cadáver en un arcón del salón y acto seguido dar una fiesta allí.

«Aprobada por los guardianes del Código Hays como una película en la que no se divulgaba ningún tipo de perversión sexual, el dialogo y la puesta en escena de La soga (en particular la forma en que los ángulos de cámara encuadra a los personajes masculinos muy cerca unos de otros) no obstante trabajan para insinuar una homosexualidad que no aparece por ningún lado en la película. Esta forma de introducir un tema prohibido, más que señalar los fallos del código de producción, es indicativa del éxito del Código Hays a la hora de crear un marco de representación, la lógica impuesta que supone mencionar la homosexualidad cuando dicha mención es algo prohibido». (Lee Wallace).


19:00 · Sala 2 · Chick Strand. Etnografía y trance

Sueños y visiones

- Mujer de milfuegos (Chick Strand, 1976). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 15’.
- Kristallnacht (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 7’.
- Fever Dream (Chick Strand, 1979). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 7’.
- Coming Up for Air (Chick Strand, 1986). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 27’.

Cuatro poemas visuales que exploran temas como la sensualidad y el sueño y retratan, de forma expresionista, a mujeres en diferentes contextos.

Copia de Mujer de milfuegos restaurada por el Academy Film Archive.

Duración total de la sesión: 56’.


21:00 · Sala 1 ·
Cassavetes, cineasta

Así habla el amor (Minnie and Moskowitz, John Cassavetes, 1971). Int.: Gena Rowlands, Seymour Cassel, Val Avery, Timothy Carey. EEUU. DCP. VOSE. Color. 114’.

Un hombre y una mujer inician una relación a pesar de no tener nada en común excepto su soledad.

«Tenemos que dejar de intelectualizar tanto y confiar en lo que sentimos. Si sentimos algo, ese sentimiento es verdad. La única verdad que podemos conocer es emocional, es un sentimiento. Cuando perdemos ese instinto por la verdad, nos quedamos sin nada. Para comprender la historia de Así habla el amor, y la relación de los protagonistas a través de sus discusiones, sus broncas, sus portazos, la tortura, el dolor, los gritos y el matrimonio al final, es fundamental que el público remonte todo eso al momento de su vida en que esas cosas le importaban. Lo romántico precede a lo intelectual». (John Cassavetes).

Segunda proyección en agosto.

 

Martes 12 de julio


18:00 · Sala 1 · Sesión especial

El hombre que se quiso matar (Rafael Gil, 1970). Int.: Tony Leblanc, Antonio Garisa, Elisa Ramírez, Rafael Alonso, Emma Cohen, Aurora Redondo, Julia Caba Alba, José Sacristán. España. 35 mm. Color. 91’.

Tras perder su trabajo como profesor de latín y la relación que tenía con su novia, un hombre intenta, repetidamente y sin éxito, suicidarse. A la vista de su fracaso, decide que ha llegado la hora de vengarse.

«Esta película, junto a Los tramposos y La Revoltosa, es para mí la mejor interpretación cinematográfica de mi carrera. […] Esta fue la segunda vez que Rafael Gil dirigió esta película. La primer la hizo en blanco y negro, protagonizada por Antonio Casal, con un guion muy inferior al que yo tuve la suerte de interpretar. Bien por el color, bien por el guion o bien porque Rafael Gil ya sabía su oficio, esta versión fue muy superior a la anterior. Creo que resolví fenomenalmente bien los altibajos de cobardía y valentía de mi personaje. Por ello me permito reiterar que estoy muy orgulloso de mi trabajo» (Tony Leblanc).

Sesión gratuita hasta completar aforo.


20:30 · Sala 1 ·
Flores en la sombra: Cortometrajes de Mercedes Gaspar

- Su primer amor (Mercedes Gaspar, 1993). España. 35 mm. Color. 16’.
- El sueño de Adán (Mercedes Gaspar, 1994). España. 35 mm. Color. 8’.
- Las partes de mí que te aman son seres vacíos (Mercedes Gaspar, 1995). España. 35 mm. Color. 10’.
- Esclavos de mi poder (Mercedes Gaspar, 1996). España. 35 mm. Color. 9’.
- El sabor de la comida de lata (Mercedes Gaspar, 1997). España. 35 mm. Color. 6’.

Esta sesión reúne los cinco cortometrajes de animación firmados por la cineasta Mercedes Gaspar, cinco piezas que combinan stop-motion e imagen real para construir relatos surrealistas con una poderosa capacidad atmosférica. Gracias a ellos, Gaspar se alzó en los años 90 con tres nominaciones a los premios Goya, ganando con El sueño de Adán.

Presentación a cargo de la directora, Mercedes Gaspar.

Duración total aproximada de la sesión: 80’.


Miércoles 13 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

La advertencia (Die Mahnung, Juan Antonio Bardem, 1982). Int.: Peter Gyurov, Nevena Kokanova, Asen Kisimov, Boris Lukanov. RDA, Bulgaria, URSS, Hungría. 35 mm. VOSE. Color. 157’.

Retrato del búlgaro Gueorgi Dimitrov, un militante comunista que, viviendo en Alemania, fue acusado de haber participado en el incendio del Reichstag en 1933 y se enfrentó a los nazis ante los tribunales.

«Lo más valioso del film es la arriesgada combinación que se hace de materiales de diversa naturaleza. Bardem no solo yuxtapone la imagen documental con la de ficción, sino que cuenta parte de la historia a través de procedimientos narrativos poco habituales. El juicio se recrea a través de un guiñol infantil, lo que en cierto modo está condicionado por circunstancias de producción, pero otras secuencias donde estas no se daban también son contadas de un modo peculiar. Así, en el arranque de la película, un espectáculo de cabaret sirve para introducir la acción a la vez que refleja con gran eficacia el clima social y cultural de aquellos años». (Juan Francisco Cerón Gómez).


19:30 · Sala 2 ·
Malos hábitos

En tierra hostil (The Hurt Locker, Kathryn Bigelow, 2008). Int.: Jeremy Renner, Anthony Mackie, David Morse, Guy Pearce. EEUU. DCP. VOSE. Color. 131’.

Durante la guerra de Irak, un oficial a cargo de una unidad especializada en desactivar explosivos empieza a mostrar una temeridad cada vez mayor.

«Aunque todos debemos transitar con cuidado por el campo minado de la generalizaciones de género, no se puede escapar al hecho de que En tierra hostil es una película bélica hecha por una mujer. Aunque las mujeres también van a la guerra (más aún hoy que antes), da la casualidad de que Bigelow se centra aquí en tres hombres, y aunque su sentido del honor y el deber no sean características exclusivamente masculinas, Bigelow acepta que su masculinidad es un factor importante en la forma en que se enfrentan a su trabajo y cómo sobreviven a él. Es empática con sus personajes sin consentirles nada o infantilizarles. Bigelow es una extraña observando un mundo ajeno y lo sabe, pero esa posición le otorga cierto grado de libertad. Los personajes de En tierra hostil son personas primero y hombres después. Lo importante, quizá, es que no necesitas tener pene para entender por lo que están pasando». (Stephanie Zacharek).

Segunda proyección el D24 de julio a las 21.00 h.


22:00 · Sala 1 ·
Fantasmas de posguerra

Yokai Monsters: 100 Monsters (Yôkai hyaku monogatari, Kimiyoshi Yasuda, 1968). Int.: Ryûtarô Gomi, Jun Hamamura, Takashi Kanda, Tatsuo Hanabu. Japón. 35 mm. VOSE. Color. 80’.

Un malvado terrateniente se dispone a derribar un santuario para erigir un burdel en su lugar. Como parte de una celebración invita a un famoso cuentacuentos, que le avisa de que debe realizar una ceremonia ancestral para apaciguar a los demonios del lugar.
 
«La miríada de seres grotescos y demenciales, naturalmente, representa ya un atractivo een sí mismo (el kappa, una mujer de cuello extensible, una chica con dos rostros, un paraguas viviente, etc.), pero además resalta la sustancia de la obra, cuya estética admite elementos muy diversos, del lirismo a la tenebrosidad, del humor a la violencia, sin que la cualidad delirante sea óbice para que aflore la crítica social». (Carlos Aguilar, Daniel Aguilar y Toshiyuki Shigeta).

Segunda proyección en agosto.

 

Jueves 14 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

El limpiabotas (Sciuscià, Vittorio De Sica, 1946). Int.: Rinaldo Smordoni, Franco Interlenghi, Annielo Mele, Bruno Ortensi. Italia. 35 mm. VOSE. B/N. 87’.

En la Roma de posguerra, dos limpiabotas intentan comprar un caballo trapicheando en el mercado negro pero acaban en una cárcel de menores, donde su amistad se verá en peligro.

«Cuando recordamos escenas de El limpiabotas, o a Umberto D. llamando a Flick, o a Emma Gramatica saltando por encima de la leche derramada en Milagro en Milán, creo que es muy probable que experimentemos una emoción tan poderosa que se parezca al dolor, similar a ese dolor que sentimos cuando recordamos momentos de Griffith o Chaplin. Al igual que ellos, De Sica logró imágenes que se sienten como esencias de la experiencia humana; sufrimiento o alegría convertidas en poesía. Bazin intentó explicar este fenómeno cuando dijo que “la poesía no es otra cosa que la forma activa y creativa del amor, su proyección en el mundo”. Debido a a la naturaleza de De Sica y la forma en que este se diluye en su narrativa, esas grandes películas pueden permanecer en la memoria, con sus personajes individualmente grabados». (Pauline Kael).

Segunda proyección el D24 de julio a las 19.00 h.


19:00· Sala 2 ·
Fernando Fernán Gómez: Coda / Flores en la sombra

Del dicho al hecho (Jaime de Arminán, 1971) II:

- Muerto el burro, la cebada al rabo (Jaime de Armiñán, 1971). Int.: Fernando Fernán Gómez, Francisco Piquer, Josefina Güell, José Vivó. España. AD. B/N. 28’
- Del agua mansa me libre Dios, que de la recia o brava me guardo yo (Jaime de Armiñán, 1971). Int.: Fernando Fernán Gómez, Antonio Ferrandis, Irene Daina, Lola Gaos. España. AD. B/N. 33’
- Quien a hierro mata, a hierro muere (Jaime de Armiñán, 1971). Int.: Fernando Fernán Gómez, Lola Herrera, Fiorella Faltoyano, Teresa Rabal. España. AD. B/N. 28’
- En boca cerrada no entran moscas (Jaime de Armiñán, 1971). Int.: Fernando Fernán Gómez, María Isbert, Silvia Tortosa, Julia Trujillo. España. AD. B/N. 28’
- No hay cosa tan sabrosa como vivir de limosna (Jaime de Armiñán, 1971). Int.: Fernando Fernán Gómez, María Luisa Ponte, Amparo Baró, Julia Trujillo. España. AD. B/N. 31’
- El último mono es el que se ahoga (Jaime de Armiñán, 1971). Int.: Fernando Fernán Gómez, Amparo Baró. España. AD. B/N. 27’
- Quien cosido a las faldas de su madre crece, si es hembra mujer será; si es varón, niño por siempre (Jaime de Armiñán, 1971). Int.: Fernando Fernán Gómez, Licia Calderón, Mary Delgado, Ricardo Lucía. España. AD. B/N. 35’

Última sesión dedicada a la serie antológica Del dicho al hecho, creada y escrita por Jaime de Armiñán y emitida en Televisión Española en 1971.

Duración total aproximada de la sesión: 210’.


20:30 · Sala 1 ·
Cassavetes, cineasta

Maridos (Husbands, John Cassavetes, 1970). Int.: Ben Gazzara, Peter Falk, John Cassavetes, Jenny Runacre, Jenny Lee Wright . EEUU. DCP. VOSE. Color. 141’.

Tras la muerte de un amigo común, tres hombres deciden tratar de escapar juntos de la realidad de sus matrimonios, sus trabajos, su vida.

«En clubs nocturnos, calles, camas y cuartos de baño, las escenas, compuestas de forma exuberante e interpretadas con furia, se suceden con el ritmo calculado de un funambulista que camina sobre el abismo, y los tres actores dan tumbos y se arrastran con lo que les queda de los atletas que una vez quisieron ser. A pesar de la atención obsesiva de Cassavetes por los rostros en sus característicos (y demoledores) planos cortos, aquí se muestra como un poeta de los espacios habitados: incluso los exteriores parece estar echándose encima de los protagonistas. Pocas películas capturan como esta, con su mezcla de vitalidad y flagelación, la desesperación, odio e incomprensión que une y separa a los diferentes sexos». (Richard Brody).

Segunda proyección en agosto.

 

Viernes 15 de julio

 

18:00 · Sala 1 ·  Vittorio De Sica. De perros y hombres

Dos mujeres (La ciociara, Vittorio De Sica, 1960). Int.: Sophia Loren, Jean-Paul Belmondo, Raf Vallone, Eleonora Brown, Carlo Ninchi. Italia, Francia. 35 mm. VOSE. B/N. 101’.

Huyendo de la guerra, una mujer y su hija se refugian en las montañas de Ciociaria, donde la niña se enamorará de un joven intelectual partisano comprometido con la libertad.

«La intensidad y sinceridad de la película son su tarjeta de presentación; se trata de un documento feminista en una era de un patriarcado aplastante, impulsado por la impresionantemente intensa interpretación de Sophia Loren y la aproximación neorrealista, casi documental, a la construcción del relato por parte de Vittorio De Sica. Es también un ejemplo de la fragilidad del cine: por cuestiones legales, la película entró en dominio público y sobrevivió durante décadas en copias de escasa calidad. Finalmente, en 2017 fue restaurada; gracias al apoyo de unos cuantos cinéfilos decididos, Dos mujeres se salvó de la destrucción total a la que se veía abocada por la negligencia corporativa». (Gwendolyn Audrey Foster).

 

20:15 · Sala 2 · Malos hábitos

El pico (Eloy de la Iglesia, 1983). Int.: José Luis Manzano, José Manuel Cervino, Luis Iriondo, Enrique San Francisco, Andrea Albani, Alfred Lucchetti. España. 35 mm. Color. 110’.

Un comandante de la guardia civil descubre que su hijo es adicto a la heroína. Cuando este huye de casa con un amigo, los padres de ambos van tras ellos.

«Se me ha acusado de panfletario, de demagógico, de hacer un cine donde todo se explicaba demasiado. En El pico he procurado introducir las sugerencias y bajarlas dosis de explicitud. Yo he querido decir que, incluso desde posturas ideológicas tan contrapuestas como la izquierda abertzale, que es la más radical de la Península, y la Guardia Civil, que es prácticamente lo contrario, puede llegarse a una identificación a la hora de defender la institución familiar, que lleva dentro la ideología más reaccionaria que existe. Dos personas que desde ideologías opuestas defienden a la institución familiar, en el fondo están defendiendo, por encima de sus ideologías respectivas, una superideología común. Mis personajes antes que guardia civil y que dirigente abertzale son padres y eso para ellos está por encima de sus ideas». (Eloy de la Iglesia).

Segunda proyección el X27 de julio a las 21.00 h.


20:45 · Sala 1 · 
Cassavetes, cineasta

Una mujer bajo la influencia (A Woman Under the Influence, John Cassavetes, 1974). Int.: Gena Rowlands, Peter Falk, Fred Draper, Lady Rowlands. EEUU. DCP. VOSE. Color. 155’. Copia restaurada por UCLA Film & Television Archive.

Un matrimonio con hijos se desestabiliza cuando la sombra de la enfermedad mental planea sobre la esposa.

«A menudo descrita burdamente como “esa película sobre la esposa loca”, la recientemente restaurada Una mujer bajo la influencia surgió de la petición que Gena Rowlands le hizo a su marido John Cassavetes para que le escribiera un personaje que ilustrase las dificultades de la mujer en el mundo moderno. […] Partiendo de la interpretación intensa y sin excusas de Rowlands, Cassavetes no intenta explicar la “situación” de la protagonista ni ofrecer una evidente crítica social. Mediante largas y aparentemente mundanas escenas, esta película discretamente feminista presenta la vida cotidiana de una familia trabajadora de Los Ángeles con una indiferencia que amplifica la inestabilidad de la protagonista, pero también normaliza sus excesos hasta que se parecen a las fisuras emocionales de cualquier buena madre. […] Sí, es “la esposa loca”, pero como sugiere Una mujer bajo la influencia, sigue siendo mejor madre que su marido». (Tim Grierson).

Segunda proyección en agosto.

 

Sábado 16 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Vuk, un zorrito muy astuto (Vuk, Attila Dargay, 1981). Hungría. 35 mm. VOSE. Color. 79’.

Las aventuras de un pequeño zorro que se queda huérfano y termina al cuidado de su tío, que le prevendrá sobre la maldad del ser humano. Uno de los grandes iconos de la historia del cine húngaro, en su país de origen fue un bombazo de taquilla visto por más de dos millones de personas (una cuarta parte de la población de Hungría). Desde entonces ha viajado por todo el mundo, convirtiéndose en pieza habitual de los programas de animación para niños.


19:00 · Sala 2 ·
The Women’s Event

Women of Ryazan (Baby ryazanskie, Olga Preobrazhenskaya, 1927). Int.: Kuzma Yastrebitsky, Olga Narbekova, Yelena Maksimova, Georgi Bobynin. URSS. DCP. MRI/E. B/N. 88’. Copia restaurada por Lobster Films.

En la Rusia de 1914, el padre de una familia de campesinos rusos se opone al matrimonio de su hija con un joven del pueblo, pero accede a la pareja escogida por su hijo. Sin embargo, la hija decide desafiar a su padre.

«Olga Preobrazhenskaya se formó como actriz en el Teatro Artístico de Moscú y se convirtió en una prominente intérprete gracias a sus apariciones teatrales antes de debutar en el cine en 1913. Tras trabajar en varias películas, se vio con la confianza suficiente para lanzarse a la dirección. Su primera película, Baryshnya-krestyanka (1916), la convirtió una de las primeras mujeres directores de todo el mundo. También se convirtió en una de las primeras profesoras de cine cuando se unió al equipo de la Escuela de Cine de Moscú en 1919, el año en que se fundó esta institución, la primera de su clase en todo el mundo. Allí dio clase junto a luminarias del cine soviético como Kuleshov, Pudovkin o Eisenstein, hasta que en 1925 decidió dedicarse por completo a la dirección. Su obra maestra fue Women of Ryazan, un triunfo entre crítica y público que, con un presupuesto de 46.000 rublos, logró una recaudación de 210.000 rublos a lo largo de quince meses de proyecciones en su país de origen». (Chris Baker).


21:00 · Sala 1 · Malos hábitos

Leaving Las Vegas (Mike Figgis, 1995). Int.: Nicolas Cage, Elisabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 111’.

Un guionista que lo ha perdido todo por culpa de su alcoholismo viaja a Las Vegas con la intención de suicidarse bebiendo. Allí inicia una relación con una solitaria prostituta.

«Aunque potencialmente podrían ser un par de clichés con patas, Nicolas Cage y Elisabeth Shue aportan enorme calor y encanto a las dos almas errantes que son sus personajes. El talento y profundo afecto que muestran por ellos hace su tragedia soportable, aunque sea evidente desde el principio que él, en especial, solo puede ir hacia abajo. […] Leaving Las Vegas no se hunde suavemente, pero tampoco lo promete. Derriba clichés y va en contra de los finales hollywoodienses. Aunque muchas películas románticas buscan la redención, Figgis ofrece poco consuelo. Como esa última copa». (Rita Kempley).

Segunda proyección el M26 de julio a las 21.00 h.

 

Domingo 17 de julio


18:00 · Sala 1 · 
Malos hábitos

Bajo el volcán (Under the Volcano, John Huston, 1984). Int.: Albert Finney, Jacqueline Bisset, Anthony Andrews, Ignacio López Tarso. EEUU, México. B-R. VOSE. Color. 112’.

El cónsul británico en Cuernavaca deambula por las calles mexicanas, durante el Día de los Muertos, sumergido en el alcohol para paliar el dolor que le produce el abandono de su mujer.

«Una película que es especialmente impresionante por el valor, inteligencia y templanza con la que se enfrenta a una tarea imposible, adaptar la novela de Malcolm Lowry. […] El alcoholismo, muy a menudo presentado en la pantalla a base de toscas sobreinterpretaciones, se convierte en la oportunidad de Albert Finney para ofrecer un trabajo de extraordinaria delicadeza, captando el patetismo del cónsul, su fragilidad y su talla. […] Con todo el atrevimiento que supone llevar Bajo el volcán a la pantalla de esta manera tan fiel y tan incompleta, John Huston lo ha hecho sin rendir cuentas a nadie. Parece haber hecho la película que quería hacer, una obra seria en lugar de un entretenimiento para todos los públicos. Gracias en parte al calor y humanidad que aportan los actores, su éxito es bastante considerable». (Janet Maslin).

Segunda proyección el J28 de julio a las 19.00 h.


20:30 · Sala 2 · 
Fantasmas de posguerra

Kuroneko (Yabu no naka no kuroneko, Kaneto Shindô, 1968). Int.: Nobuko Otowa, Kichiemon Nakamura, Kei Satô, Kiwako Taichi. Japón. 35 mm. VOSE. B/N. 99’.

Tras ser asesinadas por un grupo de soldados, dos mujeres regresan de la muerte para vengarse de sus asesinos.

«Cuando quiero diseccionar un problema moderno, suelo encontrar muchos problemas similares en el pasado. De hecho, al no tener las múltiples capas externas de eso que llamamos civilización moderna, esos temas resultan más evidentes, más visibles y extremos. No quiero decir que todas las épocas históricas se parezcan al presente, pero trabajar con las estructuras sociales del pasado, más fáciles de comprender, me ayuda a expresar o recrear situaciones modernas». (Kaneto Shindô).

Segunda proyección en agosto.


21:00 · Sala 1 · 
Cassavetes, cineasta

The Killing of a Chinese Bookie (John Cassavetes, 1976). Int.: Ben Gazzara, Timothy Carey, Seymour Cassel, Robert Phillips. EEUU. DCP. VOSE. Color. 135’.

Un prestamista propone al propietario de un local de striptease que cometa un asesinato para saldar una deuda de juego.

«La película muestra el fulgor acre del sueño americano –el protagonista presume de su gusto por el Dom Perignon y va a la casa de juegos en limusina y con tres chicas de su local- sin la poética impostada del relato de perdedores. Es “sobre un mundo autónomo completamente diferente al mío”, declaró el director y, efectivamente, explora territorios genéricos, anímicos y formales distintos al resto de su obra sin por ello demarcarse o desmembrarse de la misma. Todo acontece muy rápido. Pese a las dilatadas duraciones de algunos de sus films, Cassavetes iba al grano, interesado mucho más en los bloques que en las transiciones, en los efectos antes que en las causas». (Quim Casas).

Segunda proyección en agosto.

 

Martes 19 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

El poder del deseo (Juan Antonio Bardem, 1975). Int.: Marisol, Murray Head, José María Prada, Lola Gaos, Pilar Bardem. España. 35 mm. VE. Color. 117’

Por puro azar, un hombre y una mujer se conocen e inician una relación sentimental. Pero al poco él descubre que la única forma de mantener la relación pasa por el asesinato.

«La historia original transcurría en otro tiempo de la vida española, y casi te puedo asegurar que era más creíble al hablar de la posguerra española, de los veinte o veinticinco años después. Pero nos obligaron a actualizarla. […] La película la terminamos justo cuando se murió Franco, pero la censura todavía existía. Entonces muchas referencias de la película y al tratamiento de los policías fueron limadas. […] La película perdía mucho al no estar hecha en su época original, y, por otra parte, tuvimos un problema horrible con el título, porque resultó que, cuando fuimos a registrar el título ya estaba registrado, no por la propiedad intelectual sino por la propiedad industrial. […] [El poder del deseo] me parece un título espantoso, porque todas las películas son el poder del deseo». (Juan Antonio Bardem).


21:30 · Sala 1 ·
Cassavetes, cineasta

Un hombre en apuros (Big Trouble, John Cassavetes, 1986). Int.: Peter Falk, Alan Arkin, Beverly D'Angelo, Charles Durning, Robert Stack, Paul Dooley. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 93’.

Un exitoso vendedor de seguros y una de sus clientas planean la muerte accidental del marido de esta para cobrar la póliza.

«Muestra un nivel de inteligencia para la comedia que resulta difícil de encontrar hoy en día. Alan Arkin, malhumorado e inquieto, y Peter Falk, ya esté yaciendo como un cadáver o preparándose para vender trabajadores chinos a la cadena hotelera Sheraton, se enfrentan el uno al otro con una energía estimulante. […] También se agradece ver a John Cassavetes dirigir una despreocupada comedia que parece ser el resultado de una amistad especial, en vez del análisis exhaustivo de una amistad especial (como en Maridos). Cassavetes puede ser un hombre muy divertido». (Vincent Canby).

Segunda proyección el D31 de julio a las 20.00 h.

 

Miércoles 20 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Vittorio de Sica. De perros y hombres

El techo (Il tetto, Vittorio De Sica, 1956). Int.: Gabriella Pallotta, Giorgio Listuzzi, Gastone Renzelli, Angelo Bigioni. Italia, Francia. 35 mm. VOSE. B/N. 91’.

Una ley provinciana decreta que, una vez se ha construido el techo de una vivienda, sus ocupantes no pueden ser desahuciados. Asfixiados por la miseria, una pareja de recién casados decide que así conseguirá su hogar.

«De Sica trabaja el primer plano en interiores –reconstruidos en estudio– abigarrados, llenos de personajes que entran y salen, reencuadrando a través de las puertas y subrayando sutilmente la intimidad imposible de los recién casados. Las ventanas, siempre presentes en su filmografía como hendiduras que se abren a la luz del exterior son aquí resquicios a evitar por las que penetra el ruido de los coches. Como contrapunto, las vías, los trenes y, en banda sonora, aviones que pasan… promesas de otros mundos y otra vida». (Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo).


20:30 · Sala 2 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Lorca, muerte de un poeta I:

- Impresiones y paisajes (1903-1918) (Juan Antonio Bardem, 1987). Int.: Nickolas Grace, Frank Astor, Fernando Chinarro, Jesús Guzmán. España. 35 mm. Color. 53’.
- La residencia (1918-1923) (Juan Antonio Bardem, 1987). Int.: Nickolas Grace, Frank Astor, Fernando Chinarro, Jesús Guzmán. España. 35 mm. Color. 55’.
- El amor oscuro (1925-1928) (Juan Antonio Bardem, 1987). Int.: Nickolas Grace, Frank Astor, Fernando Chinarro, Jesús Guzmán. España. 35 mm. Color. 56’.

Primera sesión dedicada a la serie de seis capítulos, producida por RTVE y dirigida íntegramente por Juan Antonio Bardem, en torno a la vida y el asesinato de Federico García Lorca. Partiendo de los trabajos del hispanista Ian Gibson y con guion de Mario Camus y el propio Bardem, la serie recorre treinta y cinco años de la historia de nuestro país, hasta llegar a la fatídica muerte de Lorca a manos de un pelotón de fusilamiento franquista.

En esta sesión se podrán ver los tres primeros capítulo de la serie; los tres últimos de proyectarán el día 27.

Duración total de la sesión: 164’.


21:30 · Sala 1 ·
Malos hábitos

Shame (Steve McQueen, 2011). Int.: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Lucy Walters. Reino Unido, Canadá, EEUU. DCP. VOSE. Color. 101’.

Un adicto al sexo comienza a cuestionarse su vida cuando su hermana regresa a su vida y se instala en su casa.

«A quien todavía no tenga claro lo que separa al promiscuo del adicto sexual le bastarán pocos minutos del metraje de Shame para poder apreciarlo. Aunque lo mejor es entender que Shame no es (o, por lo menos, no sólo es) una película sobre la adicción sexual: su protagonista, Brandon Sullivan —un poderoso Michael Fassbender en el punto equidistante entre la seducción y la grima—, es la forma extrema de todos nosotros, sujetos asomados al vértigo del vacío que aguarda en el último tramo de la lógica del consumo, de la satisfacción perpetua del deseo. Que Brandon sea adicto sexual es una decisión estratégica: deja clara la naturaleza libidinal de ese capitalismo que vacía de placer una mecánica basada en la satisfacción del placer». (Jordi Costa).

Segunda proyección el V29 de julio a las 19.00 h.

 

Jueves 21 de mayo

 

18:00 · Sala 1 · Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Sonatas (Juan Antonio Bardem, 1959). Int.: María Félix, Francisco Rabal, Aurora Bautista, Fernando Rey, Carlos Rivas, Carlos Casaravilla, David Reynoso, Enrique Lucero, Ignacio López Tarso, Manuel Alexandre. España. 35 mm. B/N. 103’.

Adaptación de dos de las Sonatas de Ramón de Valle-Inclán. Cuando el marqués de Bradomín es secuestrado por un grupo de represaliados de Fernando VII, la única forma que encuentra de asegurar su libertad es ayudándoles a huir de España.

«Confieso y subrayo que en toda mi carrera profesional, donde más a gusto he trabajado ha sido en Sonatas en México, y en la RDA con La advertencia. Eso fue posible gracias a Nacho Villarreal, el mejor ayudante de dirección que nunca he tenido, y al «staff Estrella». Hollywood está ahí al lado, y el cine mexicano seguía el modelo de producción yanqui. El «staff Estrella» lo componían diecinueve trabajadores, divididos en tres grupos y mandados por uno de ellos. […] Todos hacían y podían hacer de todo, no como en EEUU, donde los potentes sindicatos impiden la intrusión en una tarea específica a cualquier otro compañero de trabajo que no sea de su especialidad. […] Y luego, además, tenía a Gabriel Figueroa, un excepcional maestro de la luz que sabía utilizar sabiamente tanto el blanco y negro como el color». (Juan Antonio Bardem).


19:00 · Sala 2 ·
Malos hábitos

Más poderoso que la vida (Bigger Than Life, Nicholas Ray, 1956). Int.: James Mason, Barbara Rush, Walter Matthau, Robert F. Simon. EEUU. DCP. VOSE. Color. 95’.

Un profesor es ingresado en el hospital por un problema en las arterias y sometido a un tratamiento con cortisona. Poco a poco, esta sustancia se convertirá en el centro de su vida.

«La cortisona era para mí un instrumento, no un pretexto. No solo el guion se basaba totalmente en hechos reales, sino que el doctor Hensch, que recibió el premio Nobel por el descubrimiento de la cortisona, tuvo ocasión de visitarnos mientras rodábamos; interrumpí el rodaje para mantener una larga entrevista con él. Posteriormente, mantuvimos una correspondencia y me mandó detalles suplementarios sobre la cortisona; y la lección que saqué de estos nuevos datos era que yo había atenuado los efectos dramáticos de esta droga. Pero mi objetivo no era el de hablar de la cortisona en sí misma; es el paso continuo del “remedio que puede ser un mal” al “mal que puede ser un remedio” lo que quería ilustrar, es ese movimiento dialéctico lo que me interesaba. Además, ese tema me interesaba porque en nuestra época demasiada gente espera curaciones milagrosas; las esperan en el plano económico, político, religioso, emocional… […] No es así como suceden las cosas». (Nicholas Ray).

Segunda proyección el D31 a las 21.30 h.


21:30 · Sala 1 ·
Fantasmas de posguerra

The Ghost of Yotsuya (Tôkaidô Yotsuya kaidan, Nobuo Nakagawa, 1959). Int.: Shigeru Amachi, Noriko Kitazawa, Katsuko Wakasugi, Shuntarô Emi. Japón. 35 mm. VOSI/E. Color. 76’.

Un mezquino samurái y su sirviente recurren al asesinato y el engaño para mejorar su posición social. Hasta que, un día, una de sus víctimas regresa de entre los muertos para vengarse.

«Las ambiciones personales del protagonista se convierten en una amenaza para las propias estructuras de la sociedad japonesa, según la cual el individuo debería poner la obediencia y el deber por encima de los deseos personales. Al igual que Cuentos de la luna pálida, The Ghost of Yotsuya también reflexiona sobre las presiones socio-económicas que llevan a los hombres a entregarse a la brutalidad. La pobreza y falta de estatus se convierten en factores causales de los crímenes del protagonista». (Colette Balmain).

Segunda proyección en agosto.

 

Viernes 22 de julio

 

 

19:00 · Sala 1 · Sala:B

«Sala:B» y Juan Antonio Bardem

- La campana del infierno (Claudio Guerín, 1973). Int.: Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel Martín, Nuria Gimeno, Christina von Blanc, Saturno Cerra, Nicole Vesperini, Erasmo Pascual. España. DCP. VOSE. Color. 91’.

- El perro (Antonio Isasi-Isasmendi, 1977). Int.: Jason Miller, Lea Massari, Aldo Sambrell, Juan Antonio Bardem, Eduardo Calvo, Jesús Alcaide, Francisco Casares, Vicente Cuesta, Manuel de Blas, Yolanda Farr, Antonio Gamero. España. 35 mm. Color. 114’.

«El ciclo dedicado a Juan Antonio Bardem por el centenario de su nacimiento inspira este programa doble de rabioso cine de culto.

Podría parecer anecdótico y casual, pero estas dos películas en las que interviene Juan Antonio Bardem de manera muy lateral son consideradas hoy en día dos de las cult-movies españolas con mayor prestigio autoral, junto a títulos de la altura de La novia ensangrentada, de Vicente Aranda, o ¿Quién puede matar a un niño?, de Chicho Ibáñez Serrador. La primera, La campana del infierno, es una ambigua exploración sobre la locura y la represión en los pueblos que difícilmente encaja en ninguno de los géneros con que coquetea: fantaterror, slasher, giallo, comedia negra, spanish gothic, arte y ensayo… En realidad la película de Guerín Hill parece divertirse amagando y cambiando de dirección constantemente, como su incipiente carrera, que oscilaba entre el debut con Querejeta y Erice, adaptaciones para televisión de Beckett, Goethe y Strindberg o melodramas turbios con actrices de moda. Desde luego no ayuda que Guerín no pudiera acabar ni montar esta película, falleciendo trágicamente al caer del campanario al final del rodaje. Bardem rodó la escena que faltaba y la montadora Magdalena Pulido hizo lo que pudo con el guion de Santiago Moncada y lo que mandaran los productores. Lo que nos ha llegado no es poco, una película fiel reflejo de su tiempo y de sus malditas circunstancias, tan fascinante como inaprensible.

El perro parece una película de aventuras de supervivencia hasta que se convierte en un thriller político con claras alusiones a la recién desaparecida dictadura franquista. Antonio Isasi y su guionista Juan Antonio Porto adaptaban un best seller de Alberto Vázquez-Figueroa, llevando sus mimbres de novela de acción, la persecución entre un perro y un hombre, a los terrenos de la crítica sociopolítica. A pesar de ser un éxito de taquilla en su época, con una gran campaña alrededor de su protagonista Jason Miller (El exorcista), hoy permanece como una película de culto áspera y poco amistosa. En este caso, Bardem hace un papel secundario como líder clandestino, en un reparto lleno de iconos: Marisa Paredes, Aldo Sambrell, Miguel Rellán…

Una sesión doble que demuestra que el cine de género y el cine de autor pudieron convivir en su día sin traicionarse ni rebajarse el uno al otro». (Álex Mendíbil).

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración total aproximada de la sesión: 230’.


21:00 · Sala 2 · 
Cassavetes, cineasta

Shadows (John Cassavetes, 1959). Int.: Hugh Hurd, Lelia Goldoni, Ben Carruthers, Anthony Ray. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 81’. Copia restaurada por The Film Foundation y The Hollywood Foreign Press Association.

En el Nueva York de los años 50, una joven mestiza es repudiada por su novio blanco cuando conoce a sus hermanastros negros.

« En realidad hay dos versiones de Shadows. La primera se presentó en una sesión única en el cine Le Paris de Nueva York, hacia finales de 1958. […] La segunda, un poco más larga, es la versión definitiva que conocemos hoy. […] La experiencia de Shadows, con sus dos versiones, su vagabundeo y sus opciones, define muy claramente los ejes principales del método de Cassavetes: complicidad y hasta identidad del productor y del director; rechazo de una sumisión condicionante a la técnica al servicio de la película, y no a la inversa; proximidad y relación privilegiada con el actor; mezcla explosiva de improvisación y de escritura que conduce a una narración liberada de sus códigos y sus clichés; finalmente, montaje pensado como un work in progress, en constante devenir». (Thierry Jousse).

Segunda proyección en agosto.

 

Sábado 23 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior / La mirada verde

El corcel negro (The Black Stallion, Carroll Ballard, 1979). Int.: Kelly Reno, Mickey Rooney, Teri Garr, Clarence Muse. EEUU. DCP. VOSE. Color. 118’.

Un niño y un caballo salvaje terminan juntos en una isla desierta y se vuelven inseparables. Cuando son rescatados, descubren que lo más difícil es acostumbrarse a la civilización.

«El cortejo entre un chico y caballo que terminan en una isla tropical se muestra con tal profundidad que las emociones viajan magníficamente cuando ambos regresa a lo más prosaico de la civilización, donde el director se ve obligado a trabajar sin el apoyo de paisajes impresionantes. La película representa una aproximación estudiada y sofisticada a las emociones instintivas: es calculada y cuidadosamente naif, y sorprendentemente funciona». (Dave Kehr).

Presentación a cargo de Another Way Film Festival.

Duración total aproximada de la sesión: 130’.


18:30 · Sala 2 ·
Malos hábitos

El jugador (The Gambler, Karel Reisz, 1974). Int.: James Caan, Paul Sorvino, Lauren Hutton, Morris Carnovsky, Burt Young, Vic Tayback, M. Emmet Walsh, James Woods. EEUU y Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 111’.

Un hombre adicto al juego acumula tantas deudas con un peligroso prestamista que su vida empieza a estar en riesgo. Sin embargo, cuanto más peligrosa se vuelve su adicción, más parece disfrutarla.
«Si busca el tema que recorre El jugador lo encontrará en el poema de E. E. Cummings Buffalo Bill difunto, sobre un personaje hoy en día totalmente fuera de lugar: el protagonista encuentra una huella de heroísmo en la figura de su abuelo. Se da cuenta de que, entre los gánsteres, hay todavía algo que se parece al heroísmo, y al mismo tiempo descubre que ese heroísmo está fuera de lugar y no tiene sentido en el mundo de hoy. Y, sin embargo, está profundamente obsesionado con él. […] Mi personaje extrae la conclusión de que, ya que no puede ser un héroe del bien, más vale serlo del mal. Es en este sentido que yo lo califico de perverso. Como en todas mis películas, El jugador es un film sobre el heroísmo, sobre la voluntad de permanecer al margen y correr riesgos». (Karel Reisz).


21:30 · Sala 1 ·
Fantasmas de posguerra

Onibaba (Kaneto Shindô, 1964). Int.: Nobuko Otowa, Jitsuko Yoshimura, Kei Satô, Taiji Tonoyama. Japón. 35 mm. VOSE. B/N. 103’.

En el Japón del siglo XIV, marcado por la guerra y la hambruna, una madre y su hija sobreviven a base de asesinar a soldados para robarles sus posesiones. Hasta que un día la madre decide probarse la máscara demoniaca que llevaba su última víctima.

«Un guionista y director extremadamente prolífico, el abiertamente izquierdista Kaneto Shindô ya se había labrado una reputación en los 50 gracias a películas que mostraban su empatía por personajes actuales que vivían en la pobreza, y particularmente mujeres que resistían frente a las dificultades de la vida. Siguiendo esta línea, Onibaba gira en torno a una peligrosa pareja de mujeres que lucha por sobrevivir mientras los hombres están luchando en la guerra. […] La película, no obstante, impacta no solo por su rico simbolismo sino por el genuino terror que provocan sus indicios de lo sobrenatural y, sobre todo, por su sexualidad visceral, esa poderosa fuerza vital que la empuja a seguir avanzando». (Elena Lazic).

Segunda proyección en agosto.

 

Domingo 24 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Cassavetes, cineasta

Corrientes de amor (Love Streams, John Cassavetes, 1984). Int.: Gena Rowlands, John Cassavetes, Diahnne Abbott, Seymour Cassel. EEUU. DCP. VOSE. Color. 141’.

Unos pocos días en la vida de un famoso escritor, que llena el vacío de su existencia saltando de una relación en otra, y su hermana, recién divorciada y con una traumática relación con su hija.

«El tipo de película en el que una mujer lleva a casa dos caballos, una cabra, un pato, algunas gallinas, un perro y un loro y en ningún momento sientes que el guion esté intentando conseguir una risa fácil. De hecho, se te hace un nudo en la garganta cuando comprendes lo desesperado del acto que estás viendo y lo infeliz que ese ese personaje mientras sale del tazi con todos esos animales. Esto ocurre bastante avanzada la película, cuando ya estamos atrapados por el método de Cassavetes. Corrientes de amor es una historia sobre gente loca, y se van a comportar de forma demente, pero en ningún momento nos lo va a poner fácil convirtiéndoles en algo divertido, cómico o incluso simbólico. Están, sencillamente, desesperados». (Roger Ebert).

Segunda proyección en agosto.


19:00 · Sala 2 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

El limpiabotas (Sciuscià, Vittorio De Sica, 1946). Int.: Rinaldo Smordoni, Franco Interlenghi, Annielo Mele, Bruno Ortensi. Italia. 35 mm. VOSE. B/N. 87’.

En la Roma de posguerra, dos limpiabotas intentan comprar un caballo trapicheando en el mercado negro pero acaban en una cárcel de menores, donde su amistad se verá en peligro.

«Cuando recordamos escenas de El limpiabotas, o a Umberto D. llamando a Flick, o a Emma Gramatica saltando por encima de la leche derramada en Milagro en Milán, creo que es muy probable que experimentemos una emoción tan poderosa que se parezca al dolor, similar a ese dolor que sentimos cuando recordamos momentos de Griffith o Chaplin. Al igual que ellos, De Sica logró imágenes que se sienten como esencias de la experiencia humana; sufrimiento o alegría convertidas en poesía. Bazin intentó explicar este fenómeno cuando dijo que “la poesía no es otra cosa que la forma activa y creativa del amor, su proyección en el mundo”. Debido a a la naturaleza de De Sica y la forma en que este se diluye en su narrativa, esas grandes películas pueden permanecer en la memoria, con sus personajes individualmente grabados». (Pauline Kael).

 

21:00 · Sala 1 · Malos hábitos

En tierra hostil (The Hurt Locker, Kathryn Bigelow, 2008). Int.: Jeremy Renner, Anthony Mackie, David Morse, Guy Pearce. EEUU. DCP. VOSE. Color. 131’.

Durante la guerra de Irak, un oficial a cargo de una unidad especializada en desactivar explosivos empieza a mostrar una temeridad cada vez mayor.

«Aunque todos debemos transitar con cuidado por el campo minado de la generalizaciones de género, no se puede escapar al hecho de que En tierra hostil es una película bélica hecha por una mujer. Aunque las mujeres también van a la guerra (más aún hoy que antes), da la casualidad de que Bigelow se centra aquí en tres hombres, y aunque su sentido del honor y el deber no sean características exclusivamente masculinas, Bigelow acepta que su masculinidad es un factor importante en la forma en que se enfrentan a su trabajo y cómo sobreviven a él. Es empática con sus personajes sin consentirles nada o infantilizarles. Bigelow es una extraña observando un mundo ajeno y lo sabe, pero esa posición le otorga cierto grado de libertad. Los personajes de En tierra hostil son personas primero y hombres después. Lo importante, quizá, es que no necesitas tener pene para entender por lo que están pasando». (Stephanie Zacharek)

 

Martes 26 de julio


18:30 · Sala 1 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Resultado final (Juan Antonio Bardem, 1997). Int.: Mar Flores, Sergi Mateu, Arsenio León, Luis García. España. 35 mm. Color. 95’.

En vísperas de elecciones y a punto de salir a recoger los resultados de unas pruebas médicas muy importantes para ella, una mujer rememora su vida durante la transición española.

«A pesar de todos sus defectos se trata de una película estimable y Mar Flores no desentona como actriz, aunque tampoco raye a gran altura ni mucho menos. La reflexión está lanzada y hasta ese momento nadie se había atrevido a plasmar cinematográficamente una visión tan pesimista de la historia de la democracia española. Este punto de vista sobre el proceso, en el que se critica sin piedad la corrupción del PSOE y se cuestiona el proceso de la sacrosanta Transición, gustará más o menos, pero es sincero y ofrece un contrapunto al monolítico consenso establecido “de facto” en el cine español sobre estos temas». (Juan Francisco Cerón Gómez).

 

21:00 · Sala 1 · Malos hábitos

Leaving Las Vegas (Mike Figgis, 1995). Int.: Nicolas Cage, Elizabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis, Valeria Golino. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 111’.

Un guionista que lo ha perdido todo por culpa de su alcoholismo viaja a Las Vegas con la intención de suicidarse bebiendo. Allí inicia una relación con una solitaria prostituta.

«Aunque potencialmente podrían ser un par de clichés con patas, Nicolas Cage y Elisabeth Shue aportan enorme calor y encanto a las dos almas errantes que son sus personajes. El talento y profundo afecto que muestran por ellos hace su tragedia soportable, aunque sea evidente desde el principio que él, en especial, solo puede ir hacia abajo. […] Leaving Las Vegas no se hunde suavemente, pero tampoco lo promete. Derriba clichés y va en contra de los finales hollywoodienses. Aunque muchas películas románticas buscan la redención, Figgis ofrece poco consuelo. Como esa última copa». (Rita Kempley).

 

Miércoles 27 de julio


18:00 · Sala 2 ·
Juan Antonio Bardem. Desde las trincheras

Lorca, muerte de un poeta II:

- El llanto (1929-1935) (Juan Antonio Bardem, 1987). Int.: Nickolas Grace, Frank Astor, Fernando Chinarro, Jesús Guzmán. España. 35 mm. Color. 51’.
- Una guerra civil (1935-1936) (Juan Antonio Bardem, 1987). Int.: Nickolas Grace, Frank Astor, Fernando Chinarro, Jesús Guzmán. España. 35 mm. Color. 54’.
- La muerte (1936) (Juan Antonio Bardem, 1987). Int.: Nickolas Grace, Frank Astor, Fernando Chinarro, Jesús Guzmán. España. 35 mm. Color. 83’.

«La serie sobre Federico García Lorca filmada por Juan Antonio Bardem, nos ha perturbado a todos, a quien prefieren olvidar a toda costa y a los apocalípticos de turno, y así todos hemos protestado. Si el mercado cultural español fuera normal podría deducirse que Bardem había triunfado de una vez. ¿Otra vez? Bardem es el triunfador más repetido y menos admitido de nuestra cinematografía. Sus triunfos son siempre esquivados, pues nos coloca frente a nuestro propio rostro una y otra vez». (Rafael Conte).

Duración total de la sesión: 188’.


18:30 · Sala 1 ·
Cassavetes, cineasta

Ángeles sin paraíso (A Child is Waiting, John Cassavetes, 1963). Int.: Burt Lancaster, Judy Garland, Gena Rowlands, Steven Hill, Bruce Ritchey, Lawrence Tierney, Paul Stewart. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 102’.

Una profesora de piano y el director de su colegio chocan sobre la forma en que deben enfocar la educación de un joven autista.

«Ángeles sin paraíso trataba exactamente del tema que terminó separando a productor y director: el personaje de Judy Garland, Jean Hanson, sentía lástima por los niños con discapacidades psíquicas. Por eso el personaje de Burt Lancaster, el doctor Clark, tenía que enseñarle que a esos niños había que tratarlos como a individuos responsables y complejos. El montaje de Cassavetes refrendaba la visión que el doctor Clark tenía de los niños; en cambio, el del productor Stanley Kramer se decantaba por la visión sentimental de Jean Hanson. […] No fue un trabajo fácil, pues Cassavetes no había filmado primeros planos tendenciosos desde el punto de vista emocional. […] Kramer se vio obligado a emplear dos técnicas bastante poco usuales: usar una copiadora óptica para replicar algunos de los planos medios y primeros planos de Cassavetes y congelar o ralentizar ciertas tomas que captaban reacciones con la finalidad de alargar su duración. […] Para rematar, Kramer introdujo en la banda sonora mucha música ambiental». (Ray Carney).

Segunda proyección en agosto.


21:00 · Sala 1 ·
Malos hábitos

El pico (Eloy de la Iglesia, 1983). Int.: José Luis Manzano, Javier García, José Manuel Cervino, Luis Iriondo, Enrique San Francisco, Lali Espinet, Ovidi Montllor. España. 35 mm. Color. 110’.

Un comandante de la guardia civil descubre que su hijo es adicto a la heroína. Cuando este huye de casa con un amigo, los padres de ambos van tras ellos.

«Se me ha acusado de panfletario, de demagógico, de hacer un cine donde todo se explicaba demasiado. En El pico he procurado introducir las sugerencias y bajarlas dosis de explicitud. Yo he querido decir que, incluso desde posturas ideológicas tan contrapuestas como la izquierda abertzale, que es la más radical de la Península, y la Guardia Civil, que es prácticamente lo contrario, puede llegarse a una identificación a la hora de defender la institución familiar, que lleva dentro la ideología más reaccionaria que existe. Dos personas que desde ideologías opuestas defienden a la institución familiar, en el fondo están defendiendo, por encima de sus ideologías respectivas, una superideología común. Mis personajes antes que guardia civil y que dirigente abertzale son padres y eso para ellos está por encima de sus ideas». (Eloy de la Iglesia).

 

Jueves 28 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

Los condenados de Altona (I sequestrati di Altona, Vittorio De Sica, 1962). Int.: Sophia Loren, Maximilian Schell, Fredric March, Robert Wagner, Françoise Prévost, Gabriele Tinti. Italia, Francia. 35 mm. VOSE. B/N. 114’.

Durante una viaje a la mansión de su familia política, una mujer descubre que allí se oculta otro familiar que ella creía muerto, un antiguo oficial nazi que vive recluido y enloquecido.

«Una de las manipulaciones más llamativas de la adaptación es la renuncia al recurso del drama escénico que en primer instancia pudiera parecer más cinematográfico: la inserción de flashbacks para dramatizar cómo el ahora es consecuencia del pasado. De todos ellos solo queda un episodio mudo durante los títulos de crédito cuyo plano final, sobre el que se estampa el rótulo de dirección, remite a El grito, el cuadro de Edvard Munch cuyo expresionismo doliente será una de las referencias de la película». (Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo).


19:00 · Sala 2 · 
Malos hábitos

Bajo el volcán (Under the Volcano, John Huston, 1984). Int.: Albert Finney, Jacqueline Bisset, Anthony Andrews, Ignacio López Tarso. EEUU, México. B-R. VOSE. Color. 112’.

El cónsul británico en Cuernavaca deambula por las calles mexicanas, durante el Día de los Muertos, sumergido en el alcohol para paliar el dolor que le produce el abandono de su mujer.

«Una película que es especialmente impresionante por el valor, inteligencia y templanza con la que se enfrenta a una tarea imposible, adaptar la novela de Malcolm Lowry. […] El alcoholismo, muy a menudo presentado en la pantalla a base de toscas sobreinterpretaciones, se convierte en la oportunidad de Albert Finney para ofrecer un trabajo de extraordinaria delicadeza, captando el patetismo del cónsul, su fragilidad y su talla. […] Con todo el atrevimiento que supone llevar Bajo el volcán a la pantalla de esta manera tan fiel y tan incompleta, John Huston lo ha hecho sin rendir cuentas a nadie. Parece haber hecho la película que quería hacer, una obra seria en lugar de un entretenimiento para todos los públicos. Gracias en parte al calor y humanidad que aportan los actores, su éxito es bastante considerable». (Janet Maslin).


21:30 · Sala 1 ·
Fantasmas de posguerra

The Mansion of the Ghost Cat (Bôrei kaibyô yashiki, Nobuo Nakagawa, 1958). Int.: Toshio Hosokawa, Midori Chikuma, Yuriko Ejima, Fujie Satsuki. Japón. 35 mm. VOSE. Color y B/N. 70’.

Una mujer, descendiente de un brutal samurái, regresa a su pueblo natal. Allí descubre que un espíritu malévolo la persigue. Una de las películas más populares del prolífico Nobuo Nakagawa, figura central del cine fantástico japonés e importante influencia de cineastas como Nobuhiku Ôbayashi.

Segunda proyección en agosto.

 

Viernes 29 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Vittorio De Sica. De perros y hombres

El jardín de los Finzi Contini (Il giardino dei Finzi Contini, Vittorio De Sica, 1970). Int.: Dominique Sanda, Lino Capolicchio, Romolo Valli, Helmut Berger, Fabio Testi. Italia, RFA. 35 mm. VOSE. Color. 94’.

Los Finzi-Continis, una familia noble y judía de Ferrara, luchan por mantener su vida de partidos de tenis y líos de faldas a pesar de la creciente sombra del fascismo en Italia.

«A la hora de presentarnos el jardín, De Sica recurre a una interesante estrategia visual: nunca nos termina de orientar visualmente, así que no sabemos realmente cuál es su forma y extensión. Por tanto, visualmente no podemos contar con él; nunca sabemos cuándo nos va a fallar. Estar es un espacio indefinido, especialmente uno en el que queremos ocultarnos o del que queremos huir, genera una notable inquietud, y eso es precisamente lo que De Sica busca». (Roger Ebert)


19:00 · Sala 2 ·
Malos hábitos

Shame (Steve McQueen, 2011). Int.: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Lucy Walters. Reino Unido, Canadá, EEUU. DCP. VOSE. Color. 101’.

Un adicto al sexo comienza a cuestionarse su vida cuando su hermana regresa a su vida y se instala en su casa.

«A quien todavía no tenga claro lo que separa al promiscuo del adicto sexual le bastarán pocos minutos del metraje de Shame para poder apreciarlo. Aunque lo mejor es entender que Shame no es (o, por lo menos, no sólo es) una película sobre la adicción sexual: su protagonista, Brandon Sullivan —un poderoso Michael Fassbender en el punto equidistante entre la seducción y la grima—, es la forma extrema de todos nosotros, sujetos asomados al vértigo del vacío que aguarda en el último tramo de la lógica del consumo, de la satisfacción perpetua del deseo. Que Brandon sea adicto sexual es una decisión estratégica: deja clara la naturaleza libidinal de ese capitalismo que vacía de placer una mecánica basada en la satisfacción del placer». (Jordi Costa).


21:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

Psicosis (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960). Int.: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Simon Oakland, Patricia Hitchcock. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 110’, Copia restaurada por la Universal.

Una mujer roba un sobre con dinero de su oficina y huye en coche. Agotada y sin saber a dónde ir, termina en un pequeño motel de carretera regentado por un joven solitario. Esta nueva restauración del clásico de Hitchcock recupera breves fragmentos de la película que pudieron verse en el estreno y fueron posteriormente eliminados para lograr una mejor calificación por edades.

«Rompió varias barreras sobre lo que se podía mostrar a una audiencia masiva. Aunque la violencia fue lo que llamó más la atención (y algo de censura estadounidense), su libertad sexual también resultaba sin precedentes. Psicosis también atrajo a un público nuevo, más joven, al cine de Hitchcock, un público que después le reivindicaría como autor de culto, y facilitó que otros cineastas y estrellas hicieran trabajos similares. Qué fue de Baby Jane sería impensable sin Psicosis, igual que La semilla del diablo o El exorcista. El cambio en la narrativa convencional fue enormemente influyente y rápidamente encontró su aprobación en cineastas europeos como Godard, Antonioni y muchos más». (Tom Brueggemann).

 

Sábado 30 de julio

 

18:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Babe, el cerdito valiente (Babe, Chris Noonan, 1995). Int.: James Cromwell, Magda Szubanski, Zoe Burton, Paul Goddard. Australia, Estados Unidos. DCP. VOSE. Color. 91’.

Un cerdito de buen corazón pone patas arriba las rígidas costumbres de una granja, convirtiéndose en el primer cerdo ovejero de la historia.

«Una cautivadora alegoría cómica sobre lo que supone atreverse a ser diferente en un contexto de conformidad. Con su reparto de animales parlantes y sus ecos de Rebelión en la granja, la película está dirigida a toda la familia, pero es de obligado ritual para los fans de Orwell. Babe es un acto de amor de George Miller (el director de Mad Max), que coescribió el guion con Chris Noonan. La historia se cuenta, de forma muy convincente, desde la perspectiva de los animales; no hay ni el más mínimo atisbo de condescendencia hacia los personajes o los espectadores. Partiendo de un popular libro infantil australiano, Babe es cálida y maravillosamente loca, pero también se preocupa por el apetito humano por las chuletas y los filetes». (Rita Kempley).


19:00 · Sala 2 ·
Malos hábitos

Días de vino y rosas (Days of Wine and Roses, Blake Edwards, 1962). Int.: Jack Lemmon, Lee Remick, Charles Bickford, Jack Klugman. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 117’.

Un publicista alcohólico se casa con una joven a la que introduce lentamente en el consumo de alcohol, hasta que la bebida amenaza con devorar sus vidas.

«Estudio a los alcohólicos. Una vez, en la época en que yo bebía, alguien me dijo que cuando se está borracho se dice la verdad; no lo creo. Es una especie de verdad psicótica que sale de la boca de los borrachos, pero no forzosamente ha de ser autentica. Observo a los borrachos; son verdaderos personajes, tristes, graciosos, probando a escapar de sí mismos. Me fascinan a causa de sus particularidades físicas y también, claro está, porque son personajes cómicos clásicos. […] La ebriedad nos muestra a un hombre que no está en sus cabales, en cierta manera degenerado, en contra de sí mismo, y por eso uno puede reírse. […] Se vuelve como un payaso social; y sin embargo reconocemos en el fondo la necesidad que tiene de escapar de sí mismo. […] La pregunta que yo quería formular era la siguiente: ¿Por qué se destruyen a sí mismos y a todo lo que les rodea? ¿Por qué son incapaces de resistirse a su mal?» (Blake Edwards).


22:00 · Sala 1 ·
Fantasmas de posguerra

Hausu (Nobuhiko Ôbayashi, 1977). Int.: Kimiko Ikegami, Miki Jinbo, Kumiko Ohba, Ai Matsubara. Japón. 35 mm. VOSE. Color. 88’.

Un grupo de adolescentes viaja a una casa en el campo para pasar unos días de vacaciones. Poco a poco, las jóvenes van comprendiendo que sobre el lugar pesa una horrible maldición.

«La premisa argumental es, en esencia, un lugar común en el folclore japonés, similar a la de películas como Kuroneko, de Kaneto Shindô o The Mansion of the Ghost Cat, de Nobuo Nakagawa. […] Lo que hace del film de Ôbayashi algo tan extraordinario es, entre otras cosas, las virtualmente ilimitadas variaciones visuales y enloquecidas argucias sonoras con las que transforma los elementos tradicionales de la historia, a un nivel tan deslumbrante que los espectadores japoneses en los 70, al igual que el público del resto del mundo hoy, abrazaron la película como totalmente nuevo». (Chuck Stephens).

Segunda proyección en agosto.

 

Domingo 31 de julio


18:00 · Sala 1 ·
Vittorio De Sica. De perros y hombres

Estación Termini (Stazione Termini, Vittorio De Sica, 1953). Int.: Jennifer Jones, Montgomery Clift, Gino Cervi, Richard Beymer, Nando Bruno, Oscar Blando, Memmo Carotenuto, Paolo Stoppa. Italia, EE.UU. 35 mm. VOSE. B/N. 89’. La versión que se ofrece en esta sesión es el montaje italiano.

Tras pasar unas vacaciones de ensueño en Roma, una americana acomodada se debate entre volver a su monótona vida de casada o quedarse en Italia con su joven amante.

«Estación Termini permanece, en esencia, fiel a los principios del neorrealismo que De Sica y Zavattini establecieron en Ladrón de bicicletas. Rodada casi por completo en la Stazione Termini de Roma, una fría y deshumanizada creación de la era fascista, y escrita para permitir que la acción se desarrolle en tiempo real, la película de De Sica tiene una férrea raigambre realista que ni siquiera el vestuario de Dior de Jennifer Jones puede minar completamente. De Sica puebla la estación con una amplia representación de clases y tipos, que van desde los campesinos más desesperadamente pobres hasta el presidente de la república. Muchos personajes secundarios –camareros, conductores, policías- tienen líneas de dialogo y pinceladas de caracterización, en lugar de ser los extras mudos que encontramos habitualmente en el cine de Hollywood». (Dave Kehr, respecto a la versión italiana de Estación Termini)


20:00 · Sala 2 · Cassavetes, cineasta

Un hombre en apuros (Big Trouble, John Cassavetes, 1986). Int.: Peter Falk, Alan Arkin, Beverly D'Angelo, Charles Durning, Robert Stack, Paul Dooley. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 93’.

Un exitoso vendedor de seguros y una de sus clientas planean la muerte accidental del marido de esta para cobrar la póliza.

«Muestra un nivel de inteligencia para la comedia que resulta difícil de encontrar hoy en día. Alan Arkin, malhumorado e inquieto, y Peter Falk, ya esté yaciendo como un cadáver o preparándose para vender trabajadores chinos a la cadena hotelera Sheraton, se enfrentan el uno al otro con una energía estimulante. […] También se agradece ver a John Cassavetes dirigir una despreocupada comedia que parece ser el resultado de una amistad especial, en vez del análisis exhaustivo de una amistad especial (como en Maridos). Cassavetes puede ser un hombre muy divertido». (Vincent Canby)


21:30 · Sala 1 ·
Malos hábitos

Más poderoso que la vida (Bigger Than Life, Nicholas Ray, 1956). Int.: James Mason, Barbara Rush, Walter Matthau, Robert F. Simon. EEUU. DCP. VOSE. Color. 95’.

Un profesor es ingresado en el hospital por un problema en las arterias y sometido a un tratamiento con cortisona. Poco a poco, esta sustancia se convertirá en el centro de su vida.

«La cortisona era para mí un instrumento, no un pretexto. No solo el guion se basaba totalmente en hechos reales, sino que el doctor Hensch, que recibió el premio Nobel por el descubrimiento de la cortisona, tuvo ocasión de visitarnos mientras rodábamos; interrumpí el rodaje para mantener una larga entrevista con él. Posteriormente, mantuvimos una correspondencia y me mandó detalles suplementarios sobre la cortisona; y la lección que saqué de estos nuevos datos era que yo había atenuado los efectos dramáticos de esta droga. Pero mi objetivo no era el de hablar de la cortisona en sí misma; es el paso continuo del “remedio que puede ser un mal” al “mal que puede ser un remedio” lo que quería ilustrar, es ese movimiento dialéctico lo que me interesaba. Además, ese tema me interesaba porque en nuestra época demasiada gente espera curaciones milagrosas; las esperan en el plano económico, político, religioso, emocional… […] No es así como suceden las cosas». (Nicholas Ray).

 



LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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